Das Silberne Zeitalter der Literatur in Kürze. Dichter des Silbernen Zeitalters der russischen Literatur

„SILBERES ZEITALTER“ DER RUSSISCHEN KULTUR

Ausbildung. Der Modernisierungsprozess beinhaltete nicht nur grundlegende Veränderungen im sozioökonomischen und politischen Bereich, sondern auch eine deutliche Steigerung der Alphabetisierung und des Bildungsniveaus der Bevölkerung. Zur Ehre der Regierung ist es, dass sie dieser Notwendigkeit Rechnung getragen hat. Die Staatsausgaben für die öffentliche Bildung stiegen von 1900 bis 1915 um mehr als das Fünffache.

Der Schwerpunkt lag auf Grundschulen. Die Regierung beabsichtigte, im Land eine allgemeine Grundschulbildung einzuführen. Die Schulreform wurde jedoch uneinheitlich durchgeführt. Mehrere Arten sind erhalten geblieben Grundschule, am häufigsten waren Pfarrgemeinden (im Jahr 1905 gab es etwa 43.000 von ihnen). Die Zahl der Zemstvo-Grundschulen hat zugenommen. Im Jahr 1904 waren es 20,7 Tausend und im Jahr 1914 28,2 Tausend. Im Jahr 1900 studierten mehr als 2,5 Millionen Schüler in den Grundschulen des Ministeriums für öffentliche Bildung, und im Jahr 1914 waren es bereits etwa 6 Millionen

Die Umstrukturierung des Sekundarschulsystems begann. Die Zahl der Gymnasien und weiterführenden Schulen wuchs. In den Gymnasien stieg die Zahl der Stunden, die für das Studium naturwissenschaftlicher und mathematischer Fächer vorgesehen waren. Absolventen echter Schulen erhielten das Recht, höhere technische Bildungseinrichtungen und nach bestandener Lateinprüfung die Fakultäten für Physik und Mathematik der Universitäten zu besuchen.

Auf Initiative von Unternehmern wurden gewerbliche 7-8-jährige Schulen gegründet, die Allgemeinbildung und Sonderausbildung vermittelten. Im Gegensatz zu Turnhallen und echten Schulen wurde in ihnen die gemeinsame Bildung von Jungen und Mädchen eingeführt. Im Jahr 1913 studierten 55.000 Menschen, darunter 10.000 Mädchen, an 250 Handelsschulen, die unter der Schirmherrschaft des Handels- und Industriekapitals standen. Die Zahl der weiterführenden Fachbildungseinrichtungen hat zugenommen: Industrie, Technik, Eisenbahn, Bergbau, Landvermessung, Landwirtschaft usw.

Das Netzwerk der Hochschulen hat sich erweitert: In St. Petersburg, Nowotscherkassk und Tomsk sind neue technische Universitäten entstanden. In Saratow wurde eine Universität eröffnet. Um die Reform der Grundschulen sicherzustellen, wurden in Moskau und St. Petersburg pädagogische Institute sowie über 30 höhere Studiengänge für Frauen eröffnet, die den Grundstein für den Massenzugang von Frauen zur Hochschulbildung legten. Bis 1914 gab es etwa 100 Hochschulen mit etwa 130.000 Studenten. Darüber hinaus gehörten über 60 % der Studenten nicht dem Adel an.

Doch trotz Fortschritten im Bildungswesen blieben drei Viertel der Bevölkerung des Landes Analphabeten. Aufgrund der hohen Studiengebühren waren weiterführende und höhere Schulen für einen erheblichen Teil der russischen Bevölkerung nicht zugänglich. 43 Kopeken wurden für Bildung ausgegeben. pro Kopf, während in England und Deutschland etwa 4 Rubel, in den USA 7 Rubel. (in Bezug auf unser Geld).

Die Wissenschaft. Der Eintritt Russlands in das Zeitalter der Industrialisierung war von Erfolgen in der Entwicklung der Wissenschaft geprägt. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Das Land leistete einen bedeutenden Beitrag zum weltweiten wissenschaftlichen und technologischen Fortschritt, der als „Revolution der Naturwissenschaften“ bezeichnet wurde, da die in dieser Zeit gemachten Entdeckungen zu einer Revision etablierter Vorstellungen über die Welt um uns herum führten.

Der Physiker P. N. Lebedev war der erste auf der Welt, der die allgemeinen Gesetze festlegte, die Wellenprozessen verschiedener Natur (Schall, elektromagnetisch, hydraulisch usw.) innewohnen, und machte weitere Entdeckungen auf dem Gebiet der Wellenphysik. Er gründete die erste Physikschule in Russland.

Eine Reihe herausragender Entdeckungen in Theorie und Praxis des Flugzeugbaus wurden von N. E. Schukowski gemacht. Schukowskis Schüler und Kollege war der herausragende Mechaniker und Mathematiker S. A. Chaplygin.

An den Ursprüngen der modernen Kosmonautik stand ein Nugget, ein Lehrer am Kalugaer Gymnasium, K. E. Tsiolkovsky. Im Jahr 1903 veröffentlichte er eine Reihe brillanter Werke, die die Möglichkeit von Raumflügen begründeten und Wege zur Erreichung dieses Ziels aufzeigten.

Der herausragende Wissenschaftler W. I. Vernadsky erlangte weltweite Berühmtheit durch seine enzyklopädischen Werke, die als Grundlage für die Entstehung neuer wissenschaftlicher Richtungen in der Geochemie, Biochemie und Radiologie dienten. Seine Lehren über die Biosphäre und Noosphäre legten den Grundstein für die moderne Ökologie. Die Innovation der von ihm zum Ausdruck gebrachten Ideen wird erst jetzt vollständig verwirklicht, wenn die Welt am Rande einer Umweltkatastrophe steht.

Die Forschung auf dem Gebiet der Biologie, Psychologie und Humanphysiologie erlebte einen beispiellosen Aufschwung. I. P. Pawlow schuf die Lehre von der höheren Nervenaktivität, von bedingten Reflexen. 1904 erhielt er für seine Forschungen zur Physiologie der Verdauung den Nobelpreis. Im Jahr 1908 wurde der Nobelpreis an den Biologen I. I. Mechnikov für seine Arbeiten zur Immunologie und zu Infektionskrankheiten verliehen.

Der Beginn des 20. Jahrhunderts – die Blütezeit der russischen Sprache Geschichtswissenschaft. Die größten Spezialisten auf dem Gebiet der russischen Geschichte waren V. O. Klyuchevsky, A. A. Kornilov, N. P. Pavlov-Silvansky, S. F. Platonov. Probleme der allgemeinen Geschichte wurden von P. G. Vinogradov, R. Yu. Vipper und E. V. Tarle behandelt. Die russische Schule für Orientalistik erlangte weltweite Berühmtheit.

Der Beginn des Jahrhunderts war geprägt vom Erscheinen von Werken von Vertretern des ursprünglichen russischen religiösen und philosophischen Denkens (N. A. Berdyaev, S. N. Bulgakov, V. S. Solovyov, P. A. Florensky usw.). Einen großen Platz in den Werken der Philosophen nahm die sogenannte russische Idee ein – das Problem der Originalität des historischen Weges Russlands, der Einzigartigkeit seines spirituellen Lebens und des besonderen Zwecks Russlands in der Welt.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Wissenschaftliche und technische Gesellschaften erfreuten sich großer Beliebtheit. Sie vereinten Wissenschaftler, Praktiker und Amateurbegeisterte und lebten von den Beiträgen ihrer Mitglieder und privaten Spenden. Einige erhielten kleine staatliche Zuschüsse. Die bekanntesten waren: die Free Economic Society (gegründet bereits 1765), die Society of History and Antiquities (1804), die Society of Lovers of Russian Literature (1811), Geographical, Technical, Physico-Chemical, Botanical, Metallurgical , mehrere medizinische, landwirtschaftliche usw. Diese Gesellschaften dienten nicht nur als Zentren der wissenschaftlichen Forschung, sondern verbreiteten auch weitreichende wissenschaftliche und technische Kenntnisse in der Bevölkerung. Ein charakteristisches Merkmal des damaligen wissenschaftlichen Lebens waren Kongresse von Naturforschern, Ärzten, Ingenieuren, Juristen, Archäologen usw.

Literatur. Erstes Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. trat unter dem Namen „Silberzeitalter“ in die Geschichte der russischen Kultur ein. Es war eine Zeit des beispiellosen Aufblühens aller Arten kreativer Aktivitäten, der Geburt neuer Kunstrichtungen, der Entstehung einer Galaxie brillanter Namen, die nicht nur zum Stolz der russischen, sondern der Weltkultur wurden. Das aufschlussreichste Bild des „Silbernen Zeitalters“ erschien in der Literatur.

Einerseits pflegten die Werke der Autoren starke Traditionen des kritischen Realismus. Tolstoi hat in seinen letzten Kunstwerken das Problem des individuellen Widerstands gegen die verknöcherten Lebensnormen („Die lebende Leiche“, „Vater Sergius“, „Nach dem Ball“) aufgeworfen. Seine Appellbriefe an Nikolaus II. und seine journalistischen Artikel sind erfüllt von Schmerz und Angst um das Schicksal des Landes, dem Wunsch, Einfluss auf die Behörden zu nehmen, dem Bösen den Weg zu versperren und alle Unterdrückten zu schützen. Der Grundgedanke von Tolstois Journalismus ist die Unmöglichkeit, das Böse durch Gewalt zu beseitigen.

In diesen Jahren schuf A.P. Tschechow die Stücke „Drei Schwestern“ und „ Der Kirschgarten", das die wichtigen Veränderungen in der Gesellschaft widerspiegelte.

Auch sozial sensible Themen wurden von jungen Schriftstellern bevorzugt. I. A. Bunin untersuchte nicht nur die äußere Seite der auf dem Land ablaufenden Prozesse (Schichtung der Bauernschaft, allmähliches Absterben des Adels), sondern auch psychologische Konsequenzen diese Phänomene, wie sie die Seelen des russischen Volkes beeinflussten („Dorf“, „Suchodol“, ein Zyklus von „Bauern“-Geschichten). A. I. Kuprin zeigte die unschönen Seiten des Armeelebens: die Rechtlosigkeit der Soldaten, die Leere und mangelnde Spiritualität der „Herrenoffiziere“ („Das Duell“). Eines der neuen Phänomene in der Literatur war die Widerspiegelung des Lebens und Kampfes des Proletariats. Der Initiator dieses Themas war A. M. Gorki („Feinde“, „Mutter“).

Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Eine ganze Galaxie talentierter „Bauern“-Dichter kam zur russischen Poesie – S. A. Yesenin, N. A. Klyuev, S. A. Klychkov.

Gleichzeitig erklang die Stimme der Vertreter des Realismus der neuen Generation, die gegen das Hauptprinzip der realistischen Kunst protestierten – die direkte Darstellung der umgebenden Welt. Nach Ansicht der Ideologen dieser Generation ist Kunst als Synthese zweier gegensätzlicher Prinzipien – Materie und Geist – in der Lage, die bestehende Welt nicht nur „darzustellen“, sondern auch zu „transformieren“ und eine neue Realität zu schaffen.

Die Begründer einer neuen Richtung in der Kunst waren symbolistische Dichter, die der materialistischen Weltanschauung den Kampf ansagten und argumentierten, dass Glaube und Religion die Eckpfeiler der menschlichen Existenz und Kunst seien. Sie glaubten, dass Dichter die Fähigkeit besitzen, sich durch künstlerische Symbole mit der transzendentalen Welt zu verbinden. Ursprünglich nahm die Symbolik die Form der Dekadenz an. Dieser Begriff bedeutete eine Stimmung der Dekadenz, Melancholie und Hoffnungslosigkeit sowie einen ausgeprägten Individualismus. Diese Merkmale waren charakteristisch für die frühe Poesie von K. D. Balmont, A. A. Blok, V. Ya. Bryusov.

Nach 1909 begann eine neue Etappe in der Entwicklung der Symbolik. Es ist in slawophilen Tönen gemalt, zeigt Verachtung für den „rationalistischen“ Westen und lässt den Tod der westlichen Zivilisation, einschließlich des offiziellen Russland, ahnen. Gleichzeitig wendet er sich den spontanen Volkskräften, dem slawischen Heidentum zu, versucht in die Tiefen der russischen Seele einzudringen und sieht im russischen Volksleben die Wurzeln der „Wiedergeburt“ des Landes. Besonders lebhaft erklangen diese Motive in den Werken von Blok (den poetischen Zyklen „Auf dem Kulikovo-Feld“, „Mutterland“) und A. Bely („Silberne Taube“, „Petersburg“). Die russische Symbolik ist zu einem globalen Phänomen geworden. Mit ihm wird vor allem das Konzept des „Silbernen Zeitalters“ in Verbindung gebracht.

Gegner der Symbolisten waren die Acmeisten (vom griechischen „acme“ – der höchste Grad von etwas, blühende Kraft). Sie leugneten die mystischen Bestrebungen der Symbolisten, verkündeten den inneren Wert des wirklichen Lebens und forderten, den Worten ihre ursprüngliche Bedeutung zurückzugeben und sie von symbolischen Interpretationen zu befreien. Das Hauptkriterium für die Beurteilung der Kreativität für Akmeisten (N. S. Gumilev, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam) war der tadellose ästhetische Geschmack, die Schönheit und die Verfeinerung des künstlerischen Wortes.

Russische Kunstkultur des frühen 20. Jahrhunderts. erlebte den Einfluss des Avantgardismus, der seinen Ursprung im Westen hatte und alle Arten von Kunst umfasste. Diese Bewegung absorbierte verschiedene künstlerische Strömungen, die ihren Bruch mit traditionellen kulturellen Werten verkündeten und die Idee der Schaffung einer „neuen Kunst“ verkündeten. Prominente Vertreter der russischen Avantgarde waren die Futuristen (von lat. „futurum“ – Zukunft). Ihre Poesie zeichnete sich durch eine erhöhte Aufmerksamkeit nicht auf den Inhalt, sondern auf die Form der poetischen Konstruktion aus. Die programmatischen Einstellungen der Futuristen waren auf einen trotzigen Antiästhetizismus ausgerichtet. In ihren Werken verwendeten sie vulgäres Vokabular, Fachjargon, die Sprache von Dokumenten, Plakaten und Plakaten. Sammlungen futuristischer Gedichte trugen charakteristische Titel: „Ein Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks“, „Toter Mond“ usw. Der russische Futurismus wurde von mehreren Dichtergruppen vertreten. Die bekanntesten Namen wurden von der St. Petersburger Gruppe „Gilea“ zusammengestellt – V. Khlebnikov, D. D. Burlyuk, V. V. Mayakovsky, A. E. Kruchenykh, V. V. Kamensky. Gedichtsammlungen und öffentliche Reden von I. Severyanin erfreuten sich eines überwältigenden Erfolgs.

Malerei.Ähnliche Prozesse fanden in der russischen Malerei statt. Vertreter der realistischen Schule hatten starke Positionen inne und die Gesellschaft der Wanderer war aktiv. I. E. Repin vollendete 1906 das grandiose Gemälde „Sitzung des Staatsrates“. Bei der Aufdeckung der Ereignisse der Vergangenheit interessierte sich V. I. Surikov vor allem für das Volk als historische Kraft, das schöpferische Prinzip im Menschen. Die realistischen Grundlagen der Kreativität wurden auch von M. V. Nesterov bewahrt.

Der Trendsetter war jedoch der Stil namens „modern“. Modernistische Bestrebungen beeinflussten die Arbeit so bedeutender realistischer Künstler wie K. A. Korovin und V. A. Serov. Unterstützer dieses Trends haben sich in der World of Art Society zusammengeschlossen. „Miriskusniki“ nahm gegenüber den Peredwischniki eine kritische Position ein und glaubte, dass diese durch die Ausübung einer für die Kunst untypischen Funktion der russischen Malerei schadeten. Kunst ist ihrer Meinung nach eine eigenständige Sphäre Menschliche Aktivität, und es sollte nicht von politischen und sozialen Einflüssen abhängen. Über einen langen Zeitraum (der Verein entstand 1898 und bestand mit Unterbrechungen bis 1924) umfasste die „Welt der Kunst“ fast alle bedeutenden russischen Künstler – A. N. Benois, L. S. Bakst, B. M. Kustodiev, E. E. Lansere, F. A. Malyavin, N. K. Roerich, K. A. Somov. „Die Welt der Kunst“ hat nicht nur die Entwicklung der Malerei, sondern auch der Oper, des Balletts, der dekorativen Kunst, der Kunstkritik und des Ausstellungswesens tief geprägt.

1907 wurde in Moskau eine Ausstellung mit dem Titel „Blaue Rose“ eröffnet, an der 16 Künstler teilnahmen (P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, M. S. Saryan usw.). Es handelte sich um suchende Jugendliche, die ihre Individualität in der Synthese westlicher Erfahrungen und nationaler Traditionen zu finden suchten. Vertreter der Blauen Rose waren eng mit symbolistischen Dichtern verbunden, deren Auftritte ein unverzichtbarer Bestandteil der Eröffnungstage waren. Aber der Symbolismus war in der russischen Malerei nie eine einzige Stilrichtung. Dazu gehörten beispielsweise so unterschiedliche Künstler in ihrem Stil wie M. A. Vrubel, K. S. Petrov-Vodkin und andere.

Eine Reihe der größten Meister – V. V. Kandinsky, A. V. Lentulov, M. Z. Chagall, P. N. Filonov und andere – gingen als Vertreter einzigartiger Stile, die avantgardistische Trends mit russischen Nationaltraditionen verbanden, in die Geschichte der Weltkultur ein.

Skulptur. Auch die Bildhauerei erlebte in dieser Zeit einen kreativen Aufschwung. Ihr Erwachen war größtenteils auf die Tendenzen des Impressionismus zurückzuführen. P. P. Trubetskoy erzielte auf diesem Weg der Erneuerung bedeutende Erfolge. Weithin bekannt wurden seine skulpturalen Porträts von L. N. Tolstoi, S. Yu. Witte, F. I. Schaljapin und anderen. Ein wichtiger Meilenstein in der Geschichte der russischen Monumentalskulptur war das im Oktober 1909 in St. Petersburg eröffnete Denkmal für Alexander III. Es wurde konzipiert als eine Art Antipode zu einem anderen großen Denkmal – „Der Bronzene Reiter“ von E. Falconet.

Die Kombination aus Impressionismus und modernistischen Tendenzen kennzeichnet das Werk von A. S. Golubkina. Gleichzeitig ist das Hauptmerkmal ihrer Werke nicht die Darstellung eines bestimmten Bildes oder einer bestimmten Tatsache des Lebens, sondern die Schaffung eines allgemeinen Phänomens: „Old Age“ (1898), „Walking Man“ (1903), „Soldier“. “ (1907), „Schlafen“ (1912) usw. .

S. T. Konenkov hat die russische Kunst des „Silbernen Zeitalters“ maßgeblich geprägt. Seine Skulptur verkörperte die Kontinuität der Traditionen des Realismus in neue Richtungen. Er entwickelte eine Leidenschaft für die Arbeit von Michelangelo („Samson bricht die Ketten“), russische Volksholzskulpturen („Lesovik“, „Die Bettlerbrüder“), die Wandertraditionen („Steinbrecher“), traditionelle realistische Porträts („A.P. Tschechow“). Und trotz alledem blieb Konenkov ein Meister der hellen kreativen Individualität.

Im Allgemeinen war die russische Bildhauerschule wenig von Avantgarde-Trends beeinflusst und entwickelte nicht ein so komplexes Spektrum innovativer Bestrebungen, die für die Malerei charakteristisch sind.

Die Architektur. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Der Architektur eröffneten sich neue Möglichkeiten. Dies war auf den technischen Fortschritt zurückzuführen. Das schnelle Wachstum der Städte, ihre Industrieausrüstung, die Entwicklung des Verkehrs und Veränderungen im öffentlichen Leben erforderten neue architektonische Lösungen; Nicht nur in den Hauptstädten, sondern auch in Provinzstädten entstanden Bahnhöfe, Restaurants, Geschäfte, Märkte, Theater und Bankgebäude. Gleichzeitig wurde der traditionelle Bau von Palästen, Herrenhäusern und Landgütern fortgesetzt. Das Hauptproblem Die Architektur begann, nach einem neuen Stil zu suchen. Und genau wie in der Malerei wurde die neue Richtung in der Architektur „modern“ genannt. Eines der Merkmale dieser Richtung war die Stilisierung russischer Architekturmotive – der sogenannte neorussische Stil.

Der berühmteste Architekt, dessen Werk die Entwicklung des russischen, insbesondere des Moskauer Jugendstils maßgeblich prägte, war F. O. Shekhtel. Zu Beginn seines Schaffens stützte er sich nicht auf russische, sondern auf mittelalterliche gotische Vorbilder. In diesem Stil wurde das Herrenhaus des Fabrikanten S.P. Ryabushinsky (1900-1902) erbaut. Anschließend wandte sich Shekhtel mehr als einmal den Traditionen der russischen Holzarchitektur zu. In dieser Hinsicht ist der Bau des Jaroslawl-Bahnhofs in Moskau (1902-1904) sehr bezeichnend. In seiner weiteren Tätigkeit näherte sich der Architekt immer mehr der Richtung des „rationalistischen Modernismus“, die sich durch eine deutliche Vereinfachung architektonischer Formen und Strukturen auszeichnet. Die bedeutendsten Gebäude, die diesen Trend widerspiegelten, waren die Ryabushinsky Bank (1903) und die Druckerei der Zeitung „Morning of Russia“ (1907).

Gleichzeitig nahmen neben den Architekten der „Neuen Welle“ auch Anhänger des Neoklassizismus (I. V. Zholtovsky) sowie Meister, die die Technik der Vermischung verschiedener Architekturstile (Eklektizismus) nutzten, bedeutende Positionen ein. Das bezeichnendste in dieser Hinsicht war der architektonische Entwurf des Metropol-Hotelgebäudes in Moskau (1900), das nach dem Entwurf von V. F. Walcott erbaut wurde.

Musik, Ballett, Theater, Kino. Anfang des 20. Jahrhunderts - Dies ist die Zeit des kreativen Aufstiegs der großen russischen Komponisten und Erneuerer A. N. Skrjabin, I. F. Strawinsky, S. I. Tanejew, S. V. Rachmaninow. In ihrer Arbeit versuchten sie, über die traditionelle klassische Musik hinauszugehen und neue musikalische Formen und Bilder zu schaffen. Auch die Musikkultur hat einen bedeutenden Aufschwung erlebt. Die russische Gesangsschule wurde durch die Namen der herausragenden Opernsänger F. I. Chaliapin, A. V. Nezhdanova, L. V. Sobinov und I. V. Ershov vertreten.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Das russische Ballett nahm führende Positionen in der weltweiten choreografischen Kunst ein. Die russische Ballettschule stützte sich auf die akademischen Traditionen des späten 19. Jahrhunderts und die Bühnenproduktionen des herausragenden Choreografen M. I. Petipa, die zu Klassikern wurden. Gleichzeitig ist das russische Ballett neuen Trends nicht entgangen. Die jungen Regisseure A. A. Gorsky und M. I. Fokin vertraten im Gegensatz zur Ästhetik des Akademismus das Prinzip der Bildhaftigkeit, nach dem nicht nur der Choreograf und Komponist, sondern auch der Künstler vollwertige Urheber der Aufführung wurden. Die Ballette von Gorsky und Fokine wurden in der Kulisse von K. A. Korovin, A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich aufgeführt. Die russische Ballettschule des „Silbernen Zeitalters“ bescherte der Welt eine Galaxie brillanter Tänzer – A. T. Pavlov, T. T. Karsavin, V. F. Nijinsky und andere.

Ein bemerkenswertes Merkmal der Kultur des frühen 20. Jahrhunderts. wurden zu Werken herausragender Theaterregisseure. K. S. Stanislavsky, der Begründer der psychologischen Schauspielschule, glaubte, dass die Zukunft des Theaters im tiefgreifenden psychologischen Realismus liegt, in der Lösung der wichtigsten Aufgaben der Schauspieltransformation. V. E. Meyerhold führte Recherchen im Bereich theatralischer Konventionen, Verallgemeinerungen und der Verwendung von Elementen der Volksfarce und des Maskentheaters durch. E. B. Vakhtangov bevorzugte ausdrucksstarke, spektakuläre und freudige Darbietungen.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. die Tendenz zur Verbindung wurde immer deutlicher verschiedene Arten Kreative Aktivitäten. An der Spitze dieses Prozesses stand die „Welt der Kunst“, die nicht nur Künstler, sondern auch Dichter, Philosophen und Musiker vereinte. In den Jahren 1908-1913. S. P. Diaghilev organisierte „Russische Jahreszeiten“ in Paris, London, Rom und anderen Hauptstädten Westeuropas, präsentiert durch Ballett- und Opernaufführungen, Theatermalerei, Musik usw.

Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. In Russland entstand nach Frankreich eine neue Kunstform – das Kino. Im Jahr 1903 erschienen die ersten „elektrischen Theater“ und „Illusionen“, und bis 1914 waren bereits etwa 4.000 Kinos gebaut worden. 1908 wurde der erste russische Spielfilm „Stenka Rasin und die Prinzessin“ gedreht und 1911 der erste abendfüllende Film „Die Verteidigung von Sewastopol“. Die Kinematographie entwickelte sich schnell und erfreute sich großer Beliebtheit. Im Jahr 1914 gab es in Russland etwa 30 inländische Filmunternehmen. Und obwohl der Großteil der Filmproduktion aus Filmen mit primitiven melodramatischen Handlungen bestand, traten weltberühmte Filmemacher auf: Regisseur Ya. A. Protazanov, Schauspieler I. I. Mozzhukhin, V. V. Kholodnaya, A. G. Koonen. Der unbestrittene Verdienst des Kinos war seine Zugänglichkeit für alle Bevölkerungsschichten. Russische Filme, die hauptsächlich als Verfilmungen klassischer Werke entstanden, wurden zum ersten Zeichen für die Entstehung der „Massenkultur“ – einem unverzichtbaren Merkmal der bürgerlichen Gesellschaft.

Impressionismus- eine Kunstrichtung, deren Vertreter danach streben, die reale Welt in ihrer Beweglichkeit und Variabilität einzufangen, ihre flüchtigen Eindrücke zu vermitteln.
Nobelpreis- ein Preis für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Wissenschaft, Technologie und Literatur, der jährlich von der Schwedischen Akademie der Wissenschaften auf Kosten der vom Erfinder und Industriellen A. Nobel hinterlassenen Mittel verliehen wird.
Noosphäre- ein neuer, evolutionärer Zustand der Biosphäre, in dem intelligentes menschliches Handeln zum entscheidenden Faktor der Entwicklung wird.
Futurismus- eine Richtung in der Kunst, die das künstlerische und moralische Erbe leugnet, einen Bruch mit der traditionellen Kultur und die Schaffung einer neuen predigt.

Was Sie zu diesem Thema wissen müssen:

Sozioökonomische und politische Entwicklung Russlands zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Nikolaus II.

Innenpolitik des Zarismus. Nikolaus II. Erhöhte Unterdrückung. „Polizeisozialismus“

Russisch-Japanischer Krieg. Gründe, Fortschritte, Ergebnisse.

Revolution 1905 - 1907 Charakter, Antriebskräfte und Merkmale der Russischen Revolution von 1905-1907. Etappen der Revolution. Die Gründe für die Niederlage und die Bedeutung der Revolution.

Wahlen zur Staatsduma. Ich Staatsduma. Die Agrarfrage in der Duma. Auflösung der Duma. II. Staatsduma. Staatsstreich vom 3. Juni 1907

Politisches System vom 3. Juni. Wahlgesetz 3. Juni 1907 III. Staatsduma. Die Ausrichtung der politischen Kräfte in der Duma. Aktivitäten der Duma. Regierungsterror. Niedergang der Arbeiterbewegung 1907-1910.

Stolypins Agrarreform.

IV. Staatsduma. Parteizusammensetzung und Duma-Fraktionen. Aktivitäten der Duma.

Politische Krise in Russland am Vorabend des Krieges. Arbeiterbewegung im Sommer 1914. Krise an der Spitze.

Internationale Stellung Russlands zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Der Beginn des Ersten Weltkriegs. Ursprung und Natur des Krieges. Russlands Kriegseintritt. Einstellung zum Krieg der Parteien und Klassen.

Fortschritt der Militäreinsätze. Strategische Kräfte und Pläne der Parteien. Ergebnisse des Krieges. Rolle Ostfront im ersten weltkrieg.

Die russische Wirtschaft während des Ersten Weltkriegs.

Arbeiter- und Bauernbewegung 1915-1916. Revolutionäre Bewegung in Armee und Marine. Das Anwachsen der Antikriegsstimmung. Bildung der bürgerlichen Opposition.

Russische Kultur des 19. – frühen 20. Jahrhunderts.

Die Verschärfung der gesellschaftspolitischen Widersprüche im Land im Januar-Februar 1917. Beginn, Voraussetzungen und Art der Revolution. Aufstand in Petrograd. Bildung des Petrograder Sowjets. Nichtständiger Ausschuss der Staatsduma. Befehl N I. Bildung der Provisorischen Regierung. Abdankung von Nikolaus II. Die Gründe für die Entstehung der Doppelherrschaft und ihr Wesen. Die Februarrevolution in Moskau, an der Front, in der Provinz.

Von Februar bis Oktober. Die Politik der Provisorischen Regierung in Bezug auf Krieg und Frieden, in Agrar-, National- und Arbeitsfragen. Beziehungen zwischen der Provisorischen Regierung und den Sowjets. Ankunft von W. I. Lenin in Petrograd.

Politische Parteien (Kadetten, Sozialrevolutionäre, Menschewiki, Bolschewiki): politische Programme, Einfluss auf die Massen.

Krisen der Provisorischen Regierung. Versuchter Militärputsch im Land. Das Anwachsen der revolutionären Stimmung unter den Massen. Bolschewisierung der Sowjets der Hauptstadt.

Vorbereitung und Durchführung eines bewaffneten Aufstands in Petrograd.

II. Allrussischer Sowjetkongress. Entscheidungen über Macht, Frieden, Land. Bildung von Regierungs- und Verwaltungsorganen. Zusammensetzung der ersten Sowjetregierung.

Sieg des bewaffneten Aufstands in Moskau. Regierungsabkommen mit den linken Sozialrevolutionären. Wahlen zur Verfassunggebenden Versammlung, ihre Einberufung und Auflösung.

Die ersten sozioökonomischen Veränderungen im Bereich der Industrie, Landwirtschaft, Finanzen, Arbeit und Frauenthemen. Kirche und Staat.

Vertrag von Brest-Litowsk, seine Bedingungen und Bedeutung.

Wirtschaftsaufgaben der Sowjetregierung im Frühjahr 1918. Verschärfung der Nahrungsmittelfrage. Einführung der Ernährungsdiktatur. Arbeitslebensmittelabteilungen. Kämme.

Der Aufstand der linken Sozialrevolutionäre und der Zusammenbruch des Zweiparteiensystems in Russland.

Die erste sowjetische Verfassung.

Ursachen von Intervention und Bürgerkrieg. Fortschritt der Militäreinsätze. Menschliche und materielle Verluste während des Bürgerkriegs und der militärischen Intervention.

Innenpolitik der sowjetischen Führung während des Krieges. „Kriegskommunismus“. GOELRO-Plan.

Die Kulturpolitik der neuen Regierung.

Außenpolitik. Verträge mit Grenzländern. Russlands Teilnahme an den Konferenzen von Genua, Den Haag, Moskau und Lausanne. Diplomatische Anerkennung der UdSSR durch die wichtigsten kapitalistischen Länder.

Innenpolitik. Sozioökonomische und politische Krise der frühen 20er Jahre. Hungersnot 1921-1922 Übergang zu einer neuen Wirtschaftspolitik. Die Essenz von NEP. NEP im Bereich Landwirtschaft, Handel, Industrie. Finanzreform. Wirtschaftliche Erholung. Krisen während der NEP-Zeit und ihr Zusammenbruch.

Projekte zur Gründung der UdSSR. I. Sowjetkongress der UdSSR. Die erste Regierung und die Verfassung der UdSSR.

Krankheit und Tod von W. I. Lenin. Innerparteilicher Kampf. Der Beginn der Bildung des Stalin-Regimes.

Industrialisierung und Kollektivierung. Entwicklung und Umsetzung der ersten Fünfjahrespläne. Sozialistischer Wettbewerb – Ziel, Formen, Führer.

Bildung und Stärkung des staatlichen Systems der Wirtschaftsführung.

Der Kurs zur vollständigen Kollektivierung. Enteignung.

Ergebnisse der Industrialisierung und Kollektivierung.

Politische, nationalstaatliche Entwicklung in den 30er Jahren. Innerparteilicher Kampf. Politische Unterdrückung. Bildung der Nomenklatura als Managerschicht. Stalins Regime und die Verfassung der UdSSR von 1936

Sowjetische Kultur in den 20-30er Jahren.

Außenpolitik der zweiten Hälfte der 20er – Mitte der 30er Jahre.

Innenpolitik. Wachstum der Militärproduktion. Sofortmaßnahmen im Bereich des Arbeitsrechts. Maßnahmen zur Lösung des Getreideproblems. Bewaffnete Kräfte. Das Wachstum der Roten Armee. Militärreform. Repressionen gegen die Führungskader der Roten Armee und der Roten Armee.

Außenpolitik. Nichtangriffspakt und Freundschafts- und Grenzvertrag zwischen der UdSSR und Deutschland. Der Beitritt der Westukraine und Westweißrusslands zur UdSSR. Sowjetisch-finnischer Krieg. Eingliederung der baltischen Republiken und anderer Gebiete in die UdSSR.

Periodisierung des Großen Vaterländischen Krieges. Die Anfangsphase des Krieges. Das Land in ein Militärlager verwandeln. Militärische Niederlagen 1941-1942 und ihre Gründe. Große militärische Ereignisse. Kapitulation Nazi-Deutschlands. Beteiligung der UdSSR am Krieg mit Japan.

Sowjetischer Rücken während des Krieges.

Deportation von Völkern.

Guerillakrieg.

Menschliche und materielle Verluste während des Krieges.

Bildung einer Anti-Hitler-Koalition. Erklärung der Vereinten Nationen. Das Problem der zweiten Front. „Big Three“-Konferenzen. Probleme der Friedensregelung und der umfassenden Zusammenarbeit nach dem Krieg. UdSSR und UNO.

Der Beginn des Kalten Krieges. Der Beitrag der UdSSR zur Schaffung des „sozialistischen Lagers“. RGW-Ausbildung.

Innenpolitik der UdSSR Mitte der 40er – Anfang der 50er Jahre. Wiederherstellung der Volkswirtschaft.

Soziales und politisches Leben. Politik im Bereich Wissenschaft und Kultur. Anhaltende Unterdrückung. „Leningrader Affäre“. Kampagne gegen Weltoffenheit. „Der Fall der Ärzte“

Sozioökonomische Entwicklung der sowjetischen Gesellschaft Mitte der 50er – erste Hälfte der 60er Jahre.

Gesellschaftspolitische Entwicklung: XX. Parteitag der KPdSU und Verurteilung des Personenkults um Stalin. Rehabilitation von Opfern von Repression und Abschiebung. Innerparteilicher Kampf in der zweiten Hälfte der 50er Jahre.

Außenpolitik: Schaffung der Abteilung für innere Angelegenheiten. Einmarsch sowjetischer Truppen in Ungarn. Verschärfung der sowjetisch-chinesischen Beziehungen. Spaltung des „sozialistischen Lagers“. Sowjetisch-amerikanische Beziehungen und die Kubakrise. UdSSR und Länder der „Dritten Welt“. Verkleinerung der Streitkräfte der UdSSR. Moskauer Vertrag zur Begrenzung von Atomtests.

UdSSR Mitte der 60er – erste Hälfte der 80er Jahre.

Sozioökonomische Entwicklung: Wirtschaftsreform von 1965

Zunehmende Schwierigkeiten in der wirtschaftlichen Entwicklung. Sinkende sozioökonomische Wachstumsraten.

Verfassung der UdSSR 1977

Soziales und politisches Leben der UdSSR in den 1970er – frühen 1980er Jahren.

Außenpolitik: Vertrag über die Nichtverbreitung von Kernwaffen. Festigung der Nachkriegsgrenzen in Europa. Moskauer Vertrag mit Deutschland. Konferenz über Sicherheit und Zusammenarbeit in Europa (KSZE). Sowjetisch-amerikanische Verträge der 70er Jahre. Sowjetisch-chinesische Beziehungen. Einmarsch sowjetischer Truppen in die Tschechoslowakei und Afghanistan. Verschärfung der internationalen Spannungen und der UdSSR. Verschärfung der sowjetisch-amerikanischen Konfrontation in den frühen 80er Jahren.

UdSSR 1985-1991

Innenpolitik: ein Versuch, die sozioökonomische Entwicklung des Landes zu beschleunigen. Ein Versuch, das politische System der sowjetischen Gesellschaft zu reformieren. Konventionen Volksabgeordnete. Wahl des Präsidenten der UdSSR. Mehrparteiensystem. Verschärfung der politischen Krise.

Verschärfung der nationalen Frage. Versuche, die nationalstaatliche Struktur der UdSSR zu reformieren. Erklärung der Staatssouveränität der RSFSR. „Novoogaryovsky-Prozess“. Zusammenbruch der UdSSR.

Außenpolitik: Sowjetisch-amerikanische Beziehungen und das Problem der Abrüstung. Vereinbarungen mit führenden kapitalistischen Ländern. Abzug der sowjetischen Truppen aus Afghanistan. Veränderte Beziehungen zu den Ländern der sozialistischen Gemeinschaft. Zusammenbruch des Rates für gegenseitige Wirtschaftshilfe und der Warschauer-Pakt-Organisation.

Die Russische Föderation in den Jahren 1992-2000

Innenpolitik: „Schocktherapie“ in der Wirtschaft: Preisliberalisierung, Phasen der Privatisierung von Gewerbe- und Industriebetrieben. Produktionsrückgang. Erhöhte soziale Spannungen. Wachstum und Verlangsamung der Finanzinflation. Verschärfung des Kampfes zwischen Exekutive und Legislative. Auflösung des Obersten Rates und des Kongresses der Volksdeputierten. Oktoberereignisse 1993. Abschaffung der lokalen Behörden Sowjetmacht. Wahlen zur Bundesversammlung. Verfassung der Russischen Föderation 1993 Bildung einer Präsidialrepublik. Verschärfung und Überwindung nationaler Konflikte im Nordkaukasus.

Parlamentswahlen 1995. Präsidentschaftswahlen 1996. Macht und Opposition. Ein Versuch, zum Kurs der liberalen Reformen (Frühjahr 1997) zurückzukehren und dessen Scheitern. Finanzkrise vom August 1998: Ursachen, wirtschaftliche und politische Folgen. „Zweiter Tschetschenienkrieg“. Parlamentswahlen 1999 und früher Präsidentschaftswahlen 2000 Außenpolitik: Russland in der GUS. Beteiligung russischer Truppen an „Hot Spots“ der Nachbarländer: Moldawien, Georgien, Tadschikistan. Beziehungen zwischen Russland und dem Ausland. Abzug russischer Truppen aus Europa und den Nachbarländern. Russisch-amerikanische Abkommen. Russland und die NATO. Russland und der Europarat. Jugoslawienkrisen (1999-2000) und die Position Russlands.

Danilov A.A., Kosulina L.G. Geschichte des Staates und der Völker Russlands. 20. Jahrhundert.

). Hierzu zählen auch Autoren aus der russischen Diaspora, deren Werk ebenfalls als der Moderne zugehörig gilt ( cm. LITERATUR DES RUSSISCHEN IM AUSLAND). Es gibt einen anderen Ansatz, der versucht, die gesamte Grenzära als ein Ganzes zu betrachten, in einem komplexen Zusammenhang nicht nur verschiedener literarischer Bewegungen, sondern aller Phänomene des kulturellen Lebens dieser Zeit (Kunst, Philosophie, religiöse und politische Bewegungen). . Diese Idee des „Silbernen Zeitalters“ hat sich in den letzten Jahrzehnten sowohl in der westlichen als auch in der heimischen Wissenschaft verbreitet.

Die Grenzen des bezeichneten Zeitraums werden von verschiedenen Forschern unterschiedlich definiert. Die meisten Wissenschaftler datieren den Beginn des „Silbernen Zeitalters“ auf die 1890er Jahre, einige auf die 1880er Jahre. Die Meinungsverschiedenheiten über die endgültige Grenze sind groß (von 1913–1915 bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts). Allerdings setzt sich allmählich die Ansicht durch, dass das „Silberne Zeitalter“ Anfang der 1920er Jahre zu Ende ging.

Im modernen Sprachgebrauch hat der Ausdruck „Silberzeitalter“ entweder keinen wertenden Charakter oder trägt einen Hauch von Poetisierung in sich (Silber als Edelmetall, Mondsilber, besondere Spiritualität). Die anfängliche Verwendung des Begriffs war eher negativ, weil Das silberne Zeitalter, das auf das goldene Zeitalter folgt, bedeutet Niedergang, Erniedrigung und Dekadenz. Diese Idee geht auf die Antike zurück, auf Hesiod und Ovid, die Zyklen bauten Geschichte der Menschheit entsprechend dem Generationswechsel der Götter (unter dem Titanen Krona-Saturn gab es ein goldenes Zeitalter, unter seinem Sohn Zeus-Jupiter begann das silberne Zeitalter). Die Metapher des „goldenen Zeitalters“ als einer glücklichen Zeit für die Menschheit, in der der ewige Frühling herrschte und die Erde selbst Früchte trug, erhielt in der europäischen Kultur, beginnend mit der Renaissance (hauptsächlich in der pastoralen Literatur), eine neue Entwicklung. Daher sollte der Ausdruck „Silberzeitalter“ auf eine Abnahme der Qualität des Phänomens, seine Regression, hinweisen. Mit diesem Verständnis wurde die russische Literatur des Silbernen Zeitalters (Modernismus) dem „goldenen Zeitalter“ Puschkins und seiner Zeitgenossen als „klassische“ Literatur gegenübergestellt.

R. Ivanov-Razumnik und V. Piast, die als erste den Ausdruck „Silberzeitalter“ verwendeten, stellten ihn nicht dem „Goldenen Zeitalter“ von Puschkin gegenüber, sondern hoben ihn in der Literatur des frühen 20. Jahrhunderts hervor. zwei poetische Perioden (das „goldene Zeitalter“, mächtige und talentierte Dichter; und das „silberne Zeitalter“, Dichter von weniger Macht und geringerer Bedeutung). Für Piast ist das „Silberne Zeitalter“ in erster Linie ein chronologisches Konzept, obwohl die Abfolge der Perioden mit einem gewissen Rückgang des poetischen Niveaus einhergeht. Im Gegenteil, Ivanov-Razumnik verwendet es als bewertend. Für ihn ist das „Silberne Zeitalter“ ein Niedergang der „kreativen Welle“, deren Hauptzeichen „autarke Technologie, ein Rückgang des spirituellen Aufschwungs bei scheinbarer Steigerung des technischen Niveaus und der Brillanz der Form“ sind. ”

N. Otsup, der Popularisator des Begriffs, verwendete ihn auch in unterschiedlichen Bedeutungen. In einem Artikel aus dem Jahr 1933 definierte er das Silberne Zeitalter weniger chronologisch als vielmehr qualitativ, sondern als eine besondere Art der Kreativität.

In der Folge wurde der Begriff des „Silbernen Zeitalters“ poetisch und verlor seine negative Konnotation. Es wurde als bildliche, poetische Bezeichnung einer Epoche neu interpretiert, die von einer besonderen Art von Kreativität, einer besonderen Tonalität der Poesie, mit einem Hauch von hoher Tragik und raffinierter Raffinesse geprägt war. Der Ausdruck „Silberzeitalter“ ersetzte analytische Begriffe und löste eine Debatte über die Einheit oder Widersprüchlichkeit der Prozesse des frühen 20. Jahrhunderts aus.

Das Phänomen, das mit dem Begriff „Silberzeitalter“ bezeichnet wird, war ein beispielloser kultureller Aufschwung, eine Spannung kreativer Kräfte, die nach der populistischen Zeit in Russland aufkam und von Positivismus und einer utilitaristischen Einstellung zum Leben und zur Kunst geprägt war. Mit dem „Verfall des Populismus“ in den 1880er Jahren ging eine allgemeine Niedergangsstimmung einher, „das Ende des Jahrhunderts“. In den 1890er Jahren begann die Überwindung der Krise. Nachdem die russische Kultur den Einfluss des europäischen Modernismus (hauptsächlich des Symbolismus) organisch akzeptiert hatte, schuf sie ihre eigenen Versionen der „neuen Kunst“, die die Geburt eines anderen kulturellen Bewusstseins markierten.

Trotz aller Unterschiede in der Poetik und den kreativen Einstellungen hatten die modernistischen Bewegungen, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert entstanden, dieselben ideologischen Wurzeln und hatten viele Gemeinsamkeiten. „Was die jungen Symbolisten einte, war nicht ein gemeinsames Programm … sondern die gleiche Entschlossenheit der Verleugnung und Ablehnung der Vergangenheit, die ihren Vätern ins Gesicht geworfen wurde“, schrieb er in seinem Buch Erinnerungen A. Bely. Diese Definition lässt sich auf die gesamte Reihe der damals auftretenden Trends erweitern. Im Gegensatz zur Idee der „Nützlichkeit der Kunst“ betonten sie die innere Freiheit des Künstlers, seine Auserwähltheit, ja sogar den Messianismus und die transformative Rolle der Kunst in Bezug auf das Leben. N. Berdyaev, der dieses Phänomen „russische kulturelle Renaissance“ (oder „russische spirituelle Renaissance“) nannte, beschrieb es folgendermaßen: „Jetzt können wir mit Sicherheit sagen, dass der Beginn des 20. Jahrhunderts in unserem Land von einer Renaissance des Spirituellen geprägt war.“ Kultur, eine philosophische und literarisch-ästhetische Renaissance, eine Verschärfung religiöser und mystischer Sensibilität. Nie zuvor hat die russische Kultur eine solche Verfeinerung erreicht wie damals.“ Im Gegensatz zu Kritikern, die den Ausdruck „Silberzeitalter“ bevorzugten, stellte Berdjajew den Beginn des 20. Jahrhunderts nicht gegenüber. Puschkins Ära, brachte sie aber einander näher: „Es gab eine Ähnlichkeit mit der romantisch-idealistischen Bewegung des frühen 19. Jahrhunderts.“ Er drückte das allgemeine Gefühl eines Wendepunkts, des Übergangs aus, der an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert herrschte: „Unter der russischen Intelligenz, der kultiviertesten, gebildetsten und begabtesten, herrschte eine spirituelle Krise, es gab einen Übergang.“ Es handelt sich um einen anderen Kulturtyp, der vielleicht näher an der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts liegt als an der zweiten. Diese spirituelle Krise war mit dem Zerfall der Integrität der ausschließlich sozial orientierten revolutionären intellektuellen Weltanschauung verbunden, sie war ein Bruch mit der russischen „Aufklärung“, mit dem Positivismus im weitesten Sinne des Wortes, sie war eine Proklamation der Rechte an der „ jenseitig“. Es war Befreiung menschliche Seele von der Unterdrückung der Gesellschaftlichkeit, die Befreiung der schöpferischen Kräfte von der Unterdrückung des Utilitarismus.“

Apokalyptische Bestrebungen, ein Gefühl der Krise im Leben und in der Kunst waren einerseits mit der Verbreitung der Ideen von Schopenhauer, Nietzsche und Spengler in Russland und andererseits mit der Erwartung neuer Revolutionen verbunden. Einige Bewegungen verzeichneten einen Zustand des Chaos, der mit dem Bewusstsein des „Endes“ verbunden war (Expressionismus), während andere zur Erneuerung aufriefen und auf eine bereits nahende Zukunft hofften. Aus diesem Fokus auf die Zukunft entstand die Idee eines „neuen Menschen“: der nietzscheanische Übermensch und die Androgyne der Symbolisten, der neue Adam der Akmeisten, der „Futurist“ der Futuristen ( cm. FUTURISMUS). Gleichzeitig existierten sogar innerhalb einer Richtung gegensätzliche Bestrebungen nebeneinander: extremer Individualismus, Ästhetizismus (im dekadenten Teil des Symbolismus) und die Verkündigung der Weltseele, neuer Dionysianismus, Konziliarismus (bei den „jüngeren“ Symbolisten). Die Suche nach der Wahrheit, dem ultimativen Sinn der Existenz, ergab sich verschiedene Formen Mystik, Okkultismus, der zu Beginn des 19. Jahrhunderts populär war, kam wieder in Mode. Ein charakteristischer Ausdruck dieser Gefühle war der Roman von V. Bryusov Feuerengel. Es entstand Interesse am russischen Sektierertum („Chlystowismus“ von N. Klyuev, einzelne Motive in der Poesie von S. Yesenin, Roman Silberne Taube Weiß). Der nach innen gerichtete neoromantische Rausch in den Tiefen des menschlichen Ichs verband sich mit der Wiederentdeckung der Welt in ihrer sinnlich erfassbaren Gegenständlichkeit. Ein besonderer Trend um die Jahrhundertwende war die neue Mythenbildung, verbunden auch mit der Erwartung einer sich abzeichnenden Zukunft, mit der Notwendigkeit, die menschliche Existenz neu zu denken. Die Verschmelzung von Alltäglichem und Existentiellem, Alltag und Metaphysik ist in den Werken von Schriftstellern unterschiedlicher Richtungen erkennbar.

Gleichzeitig bestand der allgemeine Wunsch, die künstlerische Form zu erneuern und die Sprache neu zu beherrschen. Die Modernisierung der Verse, die mit den Experimenten der Symbolisten begann, die seltene Wörter und Kombinationen in die Poesie einführten, wurde von den Futuristen auf ein poetisches Niveau gebracht. Die Symbolisten, die das Erbe von Verlaine („Musik zuerst!“) und Mallarmé (mit seiner Idee, eine bestimmte Stimmung, „suggestive“ Poesie) hervorzurufen, weiterentwickelten, suchten nach einer Art „Magie der Worte“, in der ihr Besonderes lag , musikalische Kombination würde mit einem geheimen, unaussprechlichen Inhalt korrelieren. Bryusov beschrieb die Geburt eines symbolistischen Werkes folgendermaßen: „Wörter verlieren ihre übliche Bedeutung, Figuren verlieren ihre spezifische Bedeutung – was bleibt, ist ein Mittel, die Elemente der Seele zu beherrschen und ihnen üppig-süße Kombinationen zu verleihen, was wir tun.“ ästhetisches Vergnügen nennen.“ Bely sah im „verkörperten“, „lebendigen“ (schöpferischen) Wort ein rettendes Prinzip, das einen Menschen im „Zeitalter des allgemeinen Niedergangs“ vor dem Tod schützt: „Wir rufen aus dem Staub einer zusammenbrechenden Kultur hervor und beschwören sie mit den Klängen von.“ Wörter"; „Die Menschheit lebt, solange die Poesie der Sprache existiert“ ( Die Magie der Worte, 1910). Die Moskauer Futuristen – „Budetlyaner“ – griffen die These der Symbolisten über die Bedeutung des Wortes für den Aufbau des Lebens auf und schlugen einen radikalen Ansatz zur Aktualisierung sprachlicher Mittel vor. Sie verkündeten den Wert des „selbst existierenden Wortes“, „des wahren Wortes jenseits des Lebens und des lebenswichtigen Nutzens“, die Notwendigkeit der Wortschöpfung, die Schaffung einer neuen, „universellen“ Sprache. V. Khlebnikov suchte nach „dem Zauberstein, der alle slawischen Wörter von einem in ein anderes umwandelt“. A. Kruchenykh schrieb: „Die größte Ausdruckskraft wird durch abgehackte Wörter und ihre bizarren, raffinierten Kombinationen (abstruse Sprache) erreicht, und genau das zeichnet die Sprache der schnellen Moderne aus.“ V. Mayakovsky, der die Poesie weniger mit Hilfe von „Zaumi“ als vielmehr durch die Einführung umgangssprachlicher Wörter, Neologismen und ausdrucksstarker Bilder reformierte, versuchte auch, „mit Hilfe der Poesie die Zukunft näher zu bringen“. Die Acmeisten forderten mit einer anderen Bedeutung, „das Wort als solches“ zu bewerten – in seiner Vollständigkeit, in der Einheit seiner Form und seines Inhalts, in seiner Realität als Material, wie ein Stein, der Teil einer architektonischen Struktur wird. Klarheit des poetischen Bildes, Ablehnung der Unbestimmtheit und Mystik der Symbolisten und des futuristischen Klangspiels, ein „gesundes“ Verhältnis von Wort und Bedeutung – das waren die Forderungen der Acmeisten, die die Poesie aus dem Bereich des reinen Experiments zurückführen wollten Harmonie und Leben. Eine weitere Variante des Kreativprogramms wurde von Imagism präsentiert. Die Fokussierung auf ein helles, unerwartetes Bild und den „Rhythmus der Bilder“ wurde von den Imagisten in ihren Werken proklamiert Erklärungen(1919). Grundlage ihrer Methode war die Schaffung einer Metapher durch die Verbindung inkompatibler Konzepte und bedeutungsferner Objekte, „Bild als Selbstzweck“, „Bild als Thema und Inhalt“.

Poetische Leistungen wurden weiterentwickelt und in Prosa fortgeführt. Die Technik des „Bewusstseinsstroms“, nichtlineares Geschichtenerzählen, die Verwendung von Leitmotiven und Montage als Prinzipien der Textorganisation, Ausdruckskraft und sogar Unlogik von Bildern kennzeichnen die Prosawerke des Symbolismus und Expressionismus ( Petersburg Weiß, Blutstropfen Und Kleiner Teufel F. Sologub, Prosa von E. Gabrilovich und L. Andreev).

Auf ihre Weise erfüllten Schriftsteller, die die Tradition des Realismus fortsetzten (A. Tschechow, I. Bunin, A. Kuprin, I. Schmelev, B. Zaitsev, A. N. Tolstoi) und marxistische Schriftsteller (M. Gorki), die Voraussetzungen für die Aktualisierung des künstlerische Form. . Neorealismus des frühen 20. Jahrhunderts. nahm die kreativen Entdeckungen der Modernisten auf. Das Verständnis des Alltagslebens ist das Hauptmerkmal dieser Richtung. Der Theoretiker der „neuen Realisten“ V. Veresaev forderte den Theoretiker der „neuen Realisten“ auf, nicht nur die Realität abzubilden, sondern „auf den geheimnisvollen Rhythmus zu hören, von dem das Weltleben erfüllt ist“ und den Zeitgenossen die notwendige Philosophie zu vermitteln des Lebens. Die Abkehr vom Positivismus der „alten Realisten“ hin zu Existenzfragen war mit einem Wandel der Poetik verbunden, der sich vor allem in der „Lyrisierung“ der Prosa niederschlug. Allerdings gab es auch einen umgekehrten Einfluss der realistischen Darstellung, der sich in der „Objektivierung“ der Poesie ausdrückte. So manifestierte sich eines der wesentlichen Merkmale dieser Zeit – der Wunsch nach künstlerischer Synthese. Synthetischer Natur war der Wunsch, die Poesie der Musik, der Philosophie (bei den Symbolisten) und einer sozialen Geste (bei den Futuristen) näher zu bringen.

Ähnliche Prozesse fanden auch in anderen Künsten statt: in der Malerei, im Theater, in der Architektur und in der Musik. Somit entsprach die Symbolik dem „Totalen“, das sich auf alle bildenden und angewandten Künste sowie auf die Architektur erstreckte, dem „modernen“ Stil (in Frankreich „Art Nouveau“, in Deutschland „Art Nouveau“, in Deutschland „Secession“ genannt). Österreich). Der Impressionismus, der als Strömung in der Malerei entstand, schuf eine ebenso kraftvolle Strömung in der Musik und beeinflusste die Literatur. Das Gleiche gilt für den Expressionismus, der der Malerei, der Musik, der Literatur und dem Theater gleichermaßen bedeutende Ergebnisse brachte. Und darin spiegelte sich auch die für diese Zeit charakteristische Tendenz zur Synthese wider. Es war kein Zufall, dass so „synthetische“ Schöpfer wie der Komponist und Künstler M. Churlenis, die Dichter und Künstler Woloschin, Majakowski, Kruchenykh und andere auftauchten.

Das russische Theater erlebte eine besondere Blüte. Da die Theaterkunst grundsätzlich synthetisch ist, nahm sie Einflüsse aus der Literatur (Schauspiel) und der Musik (Oper und Ballett) auf. Durch die Szenografie wurde er mit neuen künstlerischen Strömungen in Verbindung gebracht. Künstler wie A. Benois, Bakst, M. Dobuzhinsky und N. Roerich wandten sich der Gestaltung von Theater-, Opern- und Ballettaufführungen zu. Wie andere Künste verweigerte auch das Theater das Gebot der Lebendigkeit.

Gleichzeitig gab es neben dem Wunsch nach Einheit auch den Wunsch nach Differenzierung, nach einer klaren Definition des eigenen kreativen Programms. Zahlreiche „Strömungen“, Gruppen, Verbände, die innerhalb jeder der Künste entstanden, erklärten ihre künstlerischen Leitlinien in theoretischen Manifesten, die einen ebenso wichtigen Teil der Kreativität darstellten wie ihre praktischen Manifestationen. Die Situation in den aufeinanderfolgenden Richtungen der modernistischen Literatur ist bezeichnend: Jede nachfolgende definierte sich in Abstoßung von der vorherigen und bestätigte sich durch Negation. Akmeismus und Futurismus, die die Symbolik erbten, widersetzten sich ihr aus unterschiedlichen Gründen und kritisierten gleichzeitig einander und alle anderen Richtungen: Akmeisten in Artikeln Das Erbe der Symbolik und des Akmeismus Und Morgen des Akmeismus, Kubo-Futuristen im Programmmanifest Ein Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks (1912).

Alle diese Tendenzen spiegelten sich in Philosophie und Kritik wider.

In die gleiche Richtung entwickelte sich die Kreativität der Figuren der ersten Auswanderungswelle, die die in Russland entwickelten Kulturformen an „andere Ufer“ übertrug.

Also die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. kann als eine besondere Etappe der russischen Kultur betrachtet werden, die in ihrer Gesamtheit mit der ganzen Vielfalt ihrer Phänomene in sich vereinbar ist. Sie brachte in Russland ein neues Bewusstsein der „nichtklassischen Ära“ und eine entsprechende neue Kunst hervor, in der die „Neuerschaffung“ der Realität durch ihre kreative „Neuerschaffung“ ersetzt wurde.

Tatiana Mikhailova

Philosophie des Silbernen Zeitalters

Herkömmlicherweise kann der Beginn des „Silbernen Zeitalters“ in der Philosophie mit der Zeit zwischen den beiden russischen Revolutionen in Verbindung gebracht werden. Vor der ersten Revolution von 1905 war sich die russische Intelligenz in der Frage der Notwendigkeit mehr oder weniger einig politische Reformen(Angesichts der Regierungsform als Hauptgrund für die unbefriedigende Lage im Land und in der Gesellschaft) richtete sich die öffentliche Meinung nach der Einführung der Grundfreiheiten im Jahr 1905 auf die Suche nach neuen Formen der Weltanschauung und Leben.

Philosophen und Schriftsteller dieser Zeit erfassten zum ersten Mal den Zustand der persönlichen Freiheit und suchten nach einer Antwort auf die Frage: „Wie kann die Freiheit des Menschen für seine persönliche und soziale Entwicklung verwirklicht werden?“ Nach der Revolution von 1917 und dem Bürgerkrieg befanden sich die meisten Philosophen des „Silbernen Zeitalters“ im Exil, wo sich ihre Interessen zunehmend auf die religiöse Seite des Lebens der russisch-orthodoxen Gemeinschaft im Ausland konzentrierten. Infolgedessen entsteht ein Phänomen der spirituellen Kultur des 20. Jahrhunderts wie die russische Religionsphilosophie.

Zu den Philosophen des Silbernen Zeitalters gehören traditionell N. A. Berdyaev, S. N. Bulgakov, B. P. Vysheslavtsev, S. L. Frank, N. O. Lossky, F. A. Stepun, P. B. Struve, V. N. Ilyina, L. P. Karsavina,

Im Jahr 1907 wurde die St. Petersburger Religions- und Philosophische Gesellschaft gegründet. In dieser Zeit wurden traditionelle Themen des philosophischen und religiösen Denkens in neuen literarischen Formen weiterentwickelt. Die Ära des „Silbernen Zeitalters“ der russischen Kultur ist reich an Erfahrungen, metaphysische Ideen in künstlerischer Kreativität zum Ausdruck zu bringen. Solche Beispiele „literarischer“ Metaphysik sind die Werke zweier Schriftsteller und Polemiker – D. S. Merezhkovsky und V. V. Rozanov.

Die Hauptplattform für Philosophen des „Silbernen Zeitalters“ war die Teilnahme an literarischen und philosophischen Zeitschriften (Logos, New Ideas in Philosophy, Put’ Publishing House) und Sammlungen. Sammlung Meilensteine (1909) (cm. MEILENSTEINE UND VEKHOVTSY) hat einen ausgeprägten ideologischen Charakter. Die Autoren – M. O. Gershenzon, Berdyaev, S. N. Bulgakov, A. Izgoev, B. Kistyakovsky, P. B. Struve, Frank – wollten die Stimmung der Intelligenz beeinflussen, ihnen neue kulturelle, religiöse und metaphysische Ideale bieten. Gleichzeitig wurde vor allem die Tradition des russischen Radikalismus kritisiert. Bedeutung Wekh als wichtigstes Dokument der Ära war eine Art Wandel im philosophischen Paradigma der russischen Gesellschaft. Es muss jedoch berücksichtigt werden, dass der Hauptübergang zu religiösen und philosophischen Ansichten bei Berdyaev, Bulgakov und Frank viel später, bereits in der Emigration, erfolgte.

Die Philosophen des Silbernen Zeitalters hatten unterschiedliche Schicksale: Einige von ihnen verließen zusammen mit der „weißen Bewegung“ ihre Heimat, einige wurden aus Sowjetrussland vertrieben und lebten im Exil, einige waren Repressionen ausgesetzt und starben während der Stalin-Jahre. Es gab auch diejenigen, die sich in das universitäre und akademische philosophische Leben in der UdSSR einfügen konnten. Dennoch ist die bedingte Vereinigung dieser Denker unter dem Namen „Philosophen des Silbernen Zeitalters“ auf der Grundlage einer Kombination aus breiter Gelehrsamkeit, die auf der europäischen Kulturtradition basiert, sowie literarischem und journalistischem Talent legitim.

Fedor Blücher

Literatur:

Ippolit Udushev [Ivanov-Razumnik R.V.]. Schauen Sie und etwas. Auszug.(Zum 100. Jahrestag von „Woe from Wit“). – In: Zeitgenössische Literatur . L., 1925
Otsup N. Silberzeitalter. – In: Numbers, hrsg. Nikolai Otsup. Buch 7–8. Paris, 1933
Veide V. Russlands Aufgabe. New York, 1956
Otsup N. Zeitgenossen. Paris, 1961
Makovsky S. Auf Parnass« Silbernes Zeitalter» . München, 1962
Kolobaeva L.A . Der Begriff der Persönlichkeit in der russischen Literatur der Wende 19 - gestartet 20V. M., 1990
Gasparov M.L. Poetik« silbernes Zeitalter" – Im Buch: Russische Poesie des „Silbernen Zeitalters“: eine Anthologie. M., 1993
Erinnerungen an das Silberne Zeitalter. Komp. Kreid V. M., 1993
Berdyaev N. Russische spirituelle Renaissance des frühen 20. Jahrhunderts und die Zeitschrift« Weg» (bis zum zehnjährigen Jubiläum« Wege"). – Im Buch: Berdyaev N. Philosophie der Kreativität, Kultur und Kunst. In 2 Bänden, Bd. 2. M., 1994
Geschichte der russischen Literatur: 20. Jahrhundert: Silberzeitalter. Ed. Niva J., Sermana I., Strady V., Etkinda E.M. M., 1995
Jesuitova L.A. Was im kulturellen Russland des 19. bis frühen 20. Jahrhunderts als „goldenes“ und „silbernes Zeitalter“ bezeichnet wurde. – In der Sammlung: Gumilyov-Lesungen: Materialien der internationalen Konferenz der Philologen-Slawisten . St. Petersburg, 1996
Etkind A. Sodom und Psyche: Essays zur Geistesgeschichte des Silbernen Zeitalters. M., 1996
Piast Vl. Treffen. M., 1997
Imaginäre Dichter. – Komp. E. M. Shneiderman. St. Petersburg – M., 1997
Etkind A. Khlyst: Sekten, Literatur und Revolution. M., 1998
Bogomolov N.A. Russische Literatur des frühen 20. Jahrhunderts und Okkultismus. M., 1999
Hardy W. Leitfaden zum Jugendstil. M., 1999
Ronen O. Das Silberne Zeitalter als Absicht und Fiktion. M., 2000
Keldysh V.A. Russische Literatur« silbernes Zeitalter» wie ein komplexes Ganzes. – Im Buch: Russische Literatur um die Jahrhundertwende (1890 – Anfang der 1920er Jahre) . M., 2001
Koretskaya I.V. Literatur im Kreis der Künste. – Im Buch: Russische Literatur um die Jahrhundertwende (1890 – Anfang der 1920er Jahre). M., 2001
Isupov K.G. Philosophie und Literatur des „Silbernen Zeitalters“(Konvergenzen und Schnittpunkte). – Im Buch: Russische Literatur um die Jahrhundertwende (1890 – Anfang der 1920er Jahre). M., 2001
Smirnova L.A. Silberzeitalter. – Im Buch: Literarische Enzyklopädie der Begriffe und Konzepte. M., 2003
Mildon V.I. Russische Renaissance oder Falschheit« silbernes Zeitalter» . – Fragen der Philosophie. M., 2005, Nr. 1

Das Silberne Zeitalter ist die Ära der Moderne, die in der russischen Literatur verkörpert ist. Dies ist eine Zeit, in der innovative Ideen alle Bereiche der Kunst erfassten, einschließlich der Kunst des Wortes. Obwohl es nur ein Vierteljahrhundert dauerte (von 1898 bis etwa 1922), stellt sein Vermächtnis die goldene Furt der russischen Poesie dar. Bis heute haben die Gedichte dieser Zeit auch vor dem Hintergrund moderner Kreativität nicht ihren Charme und ihre Originalität eingebüßt. Wie wir wissen, wurden die Werke von Futuristen, Imagisten und Symbolisten zur Grundlage vieler berühmter Lieder. Um die aktuellen kulturellen Realitäten zu verstehen, müssen Sie daher die Primärquellen kennen, die wir in diesem Artikel aufgelistet haben.

Das Silberne Zeitalter ist eine der wichtigsten Schlüsselperioden der russischen Poesie und umfasst den Zeitraum vom späten 19. bis frühen 20. Jahrhundert. Es gibt immer noch Streitigkeiten darüber, wer diesen Begriff als erster verwendet hat. Einige glauben, dass das „Silberne Zeitalter“ Nikolai Avdeevich Otsup gehört, einem berühmten Kritiker. Andere neigen zu der Annahme, dass der Begriff dem Dichter Sergej Makowski zu verdanken ist. Es gibt aber auch Optionen in Bezug auf Nikolai Alexandrowitsch Berdjajew, einen berühmten russischen Philosophen, Rasumnikow Wassiljewitsch Iwanow, einen russischen Literaturwissenschaftler, und den Dichter Wladimir Aleksejewitsch Piast. Eines ist jedoch sicher: Die Definition wurde in Analogie zu einer anderen, nicht weniger wichtigen Periode erfunden – dem Goldenen Zeitalter der russischen Literatur.

Der zeitliche Rahmen des Zeitraums ist willkürlich, da es schwierig ist, die genauen Geburtsdaten des Silbernen Zeitalters der Poesie zu ermitteln. Der Anfang wird meist mit dem Werk von Alexander Alexandrowitsch Blok und seiner Symbolik in Verbindung gebracht. Das Ende wird auf das Datum der Hinrichtung von Nikolai Stepanowitsch Gumilyov und den Tod des zuvor erwähnten Blok zurückgeführt. Obwohl Anklänge an diese Zeit in den Werken anderer berühmter russischer Dichter zu finden sind – Boris Pasternak, Anna Achmatowa, Ossip Mandelstam.

Symbolismus, Imagismus, Futurismus und Akmeismus sind die Haupttrends des Silbernen Zeitalters. Sie alle gehören einer Kunstrichtung wie dem Modernismus an.

Die Hauptphilosophie der Moderne war die Idee des Positivismus, also Hoffnung und Glaube an das Neue – an eine neue Zeit, an ein neues Leben, an die Entstehung des Neuesten/Modernen. Die Menschen glaubten, dass sie für etwas Hohes geboren wurden, dass sie ihr eigenes Schicksal hatten, das sie erkennen mussten. Jetzt ist Kultur auf ewige Entwicklung, ständigen Fortschritt ausgerichtet. Aber diese ganze Philosophie brach mit dem Aufkommen der Kriege zusammen. Sie waren es, die die Weltanschauung und Einstellung der Menschen für immer veränderten.

Futurismus

Der Futurismus ist eine der Richtungen der Moderne, die ein wesentlicher Bestandteil der russischen Avantgarde ist. Dieser Begriff tauchte erstmals im Manifest „Ein Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks“ auf, das von Mitgliedern der St. Petersburger Gruppe „Gilea“ verfasst wurde. Zu seinen Mitgliedern gehörten Wladimir Majakowski, Wassili Kamenski, Welimir Chlebnikow und andere Autoren, die meist als „Budetlyaner“ bezeichnet wurden.

Paris gilt als Begründer des Futurismus, sein Gründer kam jedoch aus Italien. Allerdings wurde 1909 in Frankreich das Manifest von Filippo Tommaso Marinetti veröffentlicht, das den Platz dieser Bewegung in der Literatur verschleierte. Darüber hinaus „erreichte“ der Futurismus auch andere Länder. Marinetti prägte Ansichten, Ideen und Gedanken. Er war ein exzentrischer Millionär, der sich vor allem für Autos und Frauen interessierte. Doch als der Mann nach dem Unfall mehrere Stunden lang neben dem pulsierenden Herzen des Motors lag, beschloss er, die Schönheit der Industriestadt, die Melodie eines rumpelnden Autos und die Poetik des Fortschritts zu verherrlichen. Nun war das Ideal für den Menschen nicht die umgebende Natur, sondern vielmehr die Stadtlandschaft, der Lärm und das Grollen einer geschäftigen Metropole. Der Italiener bewunderte auch die exakten Wissenschaften und kam auf die Idee, Gedichte mithilfe von Formeln und Grafiken zu verfassen, schuf eine neue „Leiter“-Größe usw. Seine Poesie erwies sich jedoch als so etwas wie ein weiteres Manifest, eine theoretische und leblose Rebellion gegen alte Ideologien. Aus künstlerischer Sicht gelang der Durchbruch des Futurismus nicht seinem Begründer, sondern einem russischen Bewunderer seiner Entdeckung, Wladimir Majakowski. Im Jahr 1910 kam eine neue literarische Bewegung nach Russland. Hier wird sie durch die vier einflussreichsten Gruppen vertreten:

Moskauer Gruppe „Zentrifuge“ (Nikolai Aseev, Boris Pasternak usw.);
Die bereits erwähnte St. Petersburger Gruppe „Gilea“;
St. Petersburger Gruppe „Moscow Egofuturists“ unter der Kontrolle des Verlags „Petersburg Herald“ (Igor Severyanin, Konstantin Olimpov usw.);
Moskauer Gruppe „Moskauer Ego-Futuristen“ unter der Leitung des Verlags „Mezzanine of Art“ (Boris Lavrenev, Vadim Shershenevich usw.).

Da alle diese Gruppen einen großen Einfluss auf den Futurismus hatten, entwickelte er sich heterogen. Es entstanden Zweige wie Egofuturismus und Kubofuturismus.

Der Futurismus beeinflusste nicht nur die Literatur. Auch auf die Malerei hatte er großen Einfluss. Charakteristisch Solche Gemälde stellen einen Kult des Fortschritts und einen Protest gegen traditionelle künstlerische Regeln dar. Diese Bewegung vereint die Merkmale des Kubismus und des Expressionismus. Die erste Ausstellung fand 1912 statt. Dann zeigten sie in Paris Gemälde, die es darstellten verschiedene Bedeutungen Bewegung (Autos, Flugzeuge usw.). Futuristische Künstler glaubten, dass die Technologie in Zukunft eine führende Rolle einnehmen würde. Der wichtigste innovative Schritt war der Versuch, Bewegung unter statischen Bedingungen darzustellen.

Die Hauptmerkmale dieser Bewegung in der Poesie sind wie folgt:

Verleugnung von allem Alten: der alten Lebensweise, der alten Literatur, der alten Kultur;
Orientierung am Neuen, an der Zukunft, am Kult der Veränderung;
ein Gefühl der bevorstehenden Veränderung;
Schaffung neuer Formen und Bilder, unzählige und radikale Experimente:
Erfindung neuer Wörter, Redewendungen, Größen.
Desemantisierung der Sprache.

Wladimir Majakowski

Wladimir Wladimirowitsch Majakowski (1893 – 1930) ist ein berühmter russischer Dichter. Einer der größten Vertreter des Futurismus. Er begann 1912 mit literarischen Experimenten. Dank des Dichters wurden Neologismen wie „nate“, „holoshtanny“, „serpasty“ und viele andere in die russische Sprache eingeführt. Auch Wladimir Wladimirowitsch leistete einen großen Beitrag zur Versifikation. Seine „Leiter“ hilft dabei, beim Lesen Akzente richtig zu setzen. Und die lyrischen Zeilen im Werk „Lilichka! (Statt eines Briefes)“ wurde zu den ergreifendsten Liebesgeständnissen in der Lyrik des 20. Jahrhunderts. Wir haben es ausführlich in einem separaten Artikel besprochen.

Zu den berühmtesten Werken des Dichters zählen die folgenden Beispiele des Futurismus: das bereits erwähnte „“, „V.I. Lenin“, „“, Gedichte „Ich hole es aus meiner weiten Hose“, „Könntest du? (Hören Sie!)“, „Gedichte über den sowjetischen Pass“, „Linker Marsch“, „“ usw.

Zu Mayakovskys Hauptthemen gehören:

der Platz des Dichters in der Gesellschaft und sein Ziel;
Patriotismus;
Verherrlichung des sozialistischen Systems;
revolutionäres Thema;
Liebesgefühle und Einsamkeit;
Entschlossenheit auf dem Weg zum Traum.

Nach Oktober 1917 ließ sich der Dichter (mit seltenen Ausnahmen) nur noch von revolutionären Ideen inspirieren. Er lobt die Kraft des Wandels, die bolschewistische Ideologie und die Größe von Wladimir Iljitsch Lenin.

Igor Severyanin

Igor Severyanin (1887 – 1941) ist ein berühmter russischer Dichter. Einer der Vertreter des Egofuturismus. Er ist vor allem für seine schockierende Poesie bekannt, die seine eigene Persönlichkeit verherrlicht. Der Schöpfer war sich sicher, dass er die reine Verkörperung des Genies war, deshalb verhielt er sich oft selbstsüchtig und arrogant. Aber das geschah nur in der Öffentlichkeit. Im gewöhnlichen Alltag unterschied sich Northerner nicht von anderen, und nach seiner Auswanderung nach Estland „gab“ er die modernistischen Experimente vollständig auf und begann, sich im Einklang mit der klassischen Poesie zu entwickeln. Seine bekanntesten Werke sind die Gedichte „!“, „Nachtigallen des Klostergartens“, „Klassische Rosen“, „Nocturne“, „Ein Mädchen weinte im Park“ und die Sammlungen „Der donnernde Kelch“, „Victoria regia“, „Zlatolira“. Wir haben es in einem anderen Artikel ausführlich besprochen.

Die Hauptthemen der Arbeit von Igor Severyanin:

technischer Fortschritt;
eigenes Genie;
der Platz des Dichters in der Gesellschaft;
Liebesthema;
Satire und Geißelung sozialer Laster;
Politik.

Er war der erste Dichter in Russland, der sich selbst mutig als Futurist bezeichnete. Doch 1912 gründete Igor Severyanin eine neue, eigene Bewegung – den Egofuturismus, der sich durch die Verwendung von Fremdwörtern und das Vorhandensein eines Gefühls der „Selbstliebe“ auszeichnet.

Alexey Kruchenykh

Alexey Eliseevich Kruchenykh (1886 - 1968) – russischer Dichter, Journalist, Künstler. Einer der Vertreter des russischen Futurismus. Der Schöpfer wurde berühmt, weil er „Zaum“ in die russische Poesie einbrachte. „Zaumy“ ist eine abstrakte, bedeutungslose Rede, die es dem Autor erlaubt, beliebige Wörter (seltsame Kombinationen, Neologismen, Wortteile usw.) zu verwenden. Alexey Kruchenykh veröffentlicht sogar seine eigene „Erklärung einer abstrusen Sprache“.

Самое известное стихотворение поэта ‑ «Дыр бул щыл», но существуют и другие произведения: «Железобетонные гири — дома», «Уехала», «Тропический лес», «В игорном доме», «Зима», «Смерть художника, «Русь» und andere.

Zu den Hauptthemen von Khlebnikovs Werk gehören:

Thema Liebe;
Thema Sprache;
Schaffung;
Satire;
Thema Essen.

Welimir Chlebnikow

Velimir Chlebnikov (1885 – 1922) ist ein berühmter russischer Dichter, eine der Hauptfiguren der Avantgarde in Russland. Berühmt wurde er vor allem als Begründer des Futurismus in unserem Land. Wir sollten auch nicht vergessen, dass es Chlebnikov zu verdanken war, dass radikale Experimente auf dem Gebiet der „Kreativität des Wortes“ und des bereits erwähnten „Gehirns“ begannen. Manchmal wurde der Dichter „Vorsitzender der Welt“ genannt. Die Hauptwerke sind Gedichte, Gedichte, Supergeschichten, autobiografische Materialien und Prosa. Beispiele für Futurismus in der Poesie sind:

"Vogel im Käfig";
„Zeiten sind Schilfrohr“;
„Aus dem Sack“;
„Grasshopper“ und andere.

Zu den Gedichten:

"Menagerie";
„Waldmelancholie“;
„Liebe kommt wie ein schrecklicher Tornado“ usw.

Supergeschichten:

„Zangezi“;
„Krieg in der Mausefalle.“

„Nikolai“;
„Groß ist der Tag“ (Nachahmung von Gogol);
„Klippe aus der Zukunft.“

Autobiografische Materialien:

„Autobiografische Notiz“;
„Antworten auf den Fragebogen von S. A. Wegnerov.“

Die Hauptthemen der Arbeit von V. Khlebnikov:

das Thema der Revolution und ihre Verherrlichung;
Thema Prädestination, Schicksal;
Verbindung der Zeiten;
Naturthema.

Imagismus

Der Imagismus ist eine der Bewegungen der russischen Avantgarde, die auch im Silbernen Zeitalter auftauchte und sich verbreitete. Der Begriff kommt vom englischen Wort „image“, was übersetzt „Bild“ bedeutet. Diese Richtung ist ein Ableger des Futurismus.

Der Imagismus erschien erstmals in England. Die Hauptvertreter waren Ezra Pound und Percy Wyndham Lewis. Erst 1915 erreichte dieser Trend unser Land. Aber der russische Imagismus unterschied sich deutlich vom englischen. Tatsächlich ist davon nur noch der Name übrig geblieben. Zum ersten Mal hörte die russische Öffentlichkeit die Werke des Imagismus am 29. Januar 1919 im Gebäude des Allrussischen Dichterverbandes in Moskau. Es sorgt dafür, dass sich das Bild des Wortes über den Entwurf, die Idee erhebt.

Der Begriff „Imaginismus“ taucht erstmals 1916 in der russischen Literatur auf. Damals erschien Vadim Shershenevichs Buch „Green Street...“, in dem der Autor die Entstehung einer neuen Bewegung verkündet. Umfangreicher als Futurismus.

Genau wie der Futurismus beeinflusste auch der Imagismus die Malerei. Die beliebtesten Künstler sind: Georgy Bogdanovich Yakulov (Avantgarde-Künstler), Sergey Timofeevich Konenkov (Bildhauer) und Boris Robertovich Erdman.

Die Hauptmerkmale des Imagismus:

das Primat des Bildes;
umfangreiche Verwendung von Metaphern;
Inhalt der Arbeit = Entwicklung des Bildes + Beinamen;
Beiname = Vergleiche + Metaphern + Antithese;
Gedichte erfüllen in erster Linie eine ästhetische Funktion;
ein Werk = ein fantasievoller Katalog.

Sergey Yesenin

Sergei Aleksandrovich Yesenin (1895 - 1925) ist ein berühmter russischer Dichter, einer der beliebtesten Vertreter des Imagismus, ein herausragender Schöpfer bäuerlicher Lyrik. Wir haben in einem Aufsatz seinen Beitrag zur Kultur des Silbernen Zeitalters beschrieben.

In seinem kurzen Leben gelang es ihm, für seine außergewöhnliche Kreativität berühmt zu werden. Jeder las seine herzlichen Gedichte über Liebe, Natur und das russische Dorf. Der Dichter galt aber auch als einer der Begründer des Imagismus. 1919 gründete er zusammen mit anderen Dichtern – V.G. Shershenevich und A.B. Mariengof – erzählte der Öffentlichkeit zum ersten Mal die Prinzipien dieser Bewegung. Das Hauptmerkmal war, dass die Gedichte der Imagisten von unten nach oben gelesen werden können. Am Wesen der Arbeit ändert sich jedoch nichts. Doch 1922 erkannte Sergej Alexandrowitsch, dass diese innovative kreative Vereinigung sehr begrenzt war, und schrieb 1924 einen Brief, in dem er die Schließung der Imagistengruppe ankündigte.

Die Hauptwerke des Dichters (es ist zu beachten, dass nicht alle im Stil des Imagismus geschrieben sind):

„Geh, Rus, mein Lieber!“;
„Brief an eine Frau“;
"Rowdy";
„Du liebst mich nicht, du hast kein Mitleid mit mir ...“;
„Ich habe noch einen Spaß übrig“;
Gedicht "";

Die Hauptthemen von Yesenins Kreativität:

Thema des Mutterlandes;
Naturthema;
Liebestexte;
Melancholie und spirituelle Krise;
Nostalgie;
Überdenken der historischen Transformationen des 20. Jahrhunderts

Anatoli Mariengof

Anatoly Borisovich Mariengof (1897 - 1962) – russischer imaginärer Dichter, Dramatiker und Prosaautor. Zusammen mit S. Yesenin und V. Shershenevich gründete er eine neue Richtung des Avantgardismus – den Imagismus. Berühmt wurde er vor allem durch seine revolutionäre Literatur, da die meisten seiner Werke dieses politische Phänomen preisen.

Zu den Hauptwerken des Dichters zählen Bücher wie:

„Ein Roman ohne Lügen“;
„“ (eine Verfilmung dieses Buches wurde 1991 veröffentlicht);
„Der rasierte Mann“;
„Unsterbliche Trilogie“;
„Anatoly Mariengof über Sergei Yesenin“;
„Ohne Feigenblatt“;
„Schaufenster des Herzens.“

Zu Gedichtbeispielen des Imagismus:

"Treffen";
„Memory Jugs“;
„Marsch der Revolutionen“;
„Hände mit Krawatte“;
„September“ und viele andere.

Themen von Mariengofs Werken:

Revolution und ihre Feier;
das Thema „Russizität“;
Bohème-Leben;
sozialistische Ideen;
antiklerikaler Protest.

Zusammen mit Sergei Yesenin und anderen Imagisten beteiligte sich der Dichter an der Erstellung von Ausgaben der Zeitschrift „Hotel for Travelers in Beauty“ und des Buches „Imagists“.

Symbolismus

- eine Bewegung, an deren Spitze ein innovatives Bildsymbol stand, das das künstlerische ersetzte. Der Begriff „Symbolik“ kommt vom französischen „symbolisme“ und dem griechischen „symbolon“ – Symbol, Zeichen.

Frankreich gilt als Urvater dieses Trends. Schließlich gründete dort im 18. Jahrhundert der berühmte französische Dichter Stéphane Mallarmé mit anderen Dichtern eine neue literarische Bewegung. Dann „wanderte“ die Symbolik in andere europäische Länder und gelangte bereits Ende des 18. Jahrhunderts nach Russland.

Dieses Konzept taucht erstmals in den Werken des französischen Dichters Jean Moreas auf.

Zu den Hauptmerkmalen der Symbolik gehören:

Doppelwelt – Aufteilung in Realität und Scheinwelt;
Musikalität;
Psychologie;
das Vorhandensein eines Symbols als Grundlage von Bedeutung und Idee;
mystische Bilder und Motive;
Vertrauen in die Philosophie;
Kult der Individualität.

Alexander Blok

Alexander Alexandrowitsch Blok (1880 – 1921) ist ein berühmter russischer Dichter, einer der bedeutendsten Vertreter des Symbolismus in der russischen Poesie.

Der Block gehört zur zweiten Entwicklungsstufe dieser Bewegung in unserem Land. Er ist ein „Junior-Symbolist“, der in seinen Werken die philosophischen Ideen des Denkers Wladimir Sergejewitsch Solowjow verkörperte.

Zu den Hauptwerken von Alexander Blok zählen folgende Beispiele russischer Symbolik:

„Auf der Eisenbahn“;
"Fabrik";
„Nacht, Straße, Laterne, Apotheke...“;
„Ich betrete dunkle Tempel“;
„Das Mädchen sang im Kirchenchor“;
„Ich habe Angst, dich zu treffen“;
„Oh, ich möchte verrückt leben“;
Gedicht „“ und vieles mehr.

Themen von Bloks Kreativität:

das Thema des Dichters und sein Platz im Leben der Gesellschaft;
Thema aufopfernde Liebe, Liebesanbetung;
das Thema des Mutterlandes und das Verständnis seines historischen Schicksals;
Schönheit als Ideal und Heil der Welt;
Thema Revolution;
mystische und folkloristische Motive

Valery Bryusov

Valery Yakovlevich Bryusov (1873 - 1924) - russischer symbolistischer Dichter, Übersetzer. Einer der berühmtesten Vertreter des Silbernen Zeitalters der russischen Poesie. Er stand zusammen mit A.A. an den Ursprüngen der russischen Symbolik. Block. Der Erfolg des Schöpfers begann mit einem Skandal im Zusammenhang mit dem monostischen Gedicht „Oh, schließ deine blassen Beine“. Dann, nach der Veröffentlichung noch provokanterer Werke, findet sich Bryusov im Epizentrum des Ruhms wieder. Er wird zu verschiedenen geselligen und poetischen Abenden eingeladen und sein Name wird zu einer echten Marke in der Kunstwelt.

Beispiele symbolistischer Gedichte:

"Alles ist vorbei";
"In der Vergangenheit";
"Napoleon";
"Frau";
„Schatten der Vergangenheit“;
"Mason";
„Ein schmerzhaftes Geschenk“;
„Wolken“;
„Bilder der Zeit“.

Die Hauptthemen in den Werken von Valery Yakovlevich Bryusov:

Mystik und Religion;
Probleme des Einzelnen und der Gesellschaft;
Flucht in eine fiktive Welt;
die Geschichte der Heimat.

Andrey Bely

Andrei Bely (1880 – 1934) – russischer Dichter, Schriftsteller, Kritiker. Bely gilt ebenso wie Blok als einer der bekanntesten Vertreter des Symbolismus in unserem Land. Es ist erwähnenswert, dass der Schöpfer die Ideen des Individualismus und Subjektivismus unterstützte. Er glaubte, dass die Symbolik eine bestimmte Weltanschauung einer Person darstellt und nicht nur eine Bewegung in der Kunst. Er betrachtete die Gebärdensprache als die höchste Manifestation der Sprache. Der Dichter war auch der Meinung, dass jede Kunst eine Art Geist sei, die mystische Energie höherer Mächte.

Er nannte seine Werke Sinfonien, darunter „Dramatisch“, „Nördlich“, „Symphonisch“ und „Rückkehr“. Zu den berühmten Gedichten gehören: „Und Wasser? Der Moment ist klar...“, „Ace (Azure ist blass“), „Balmont“, „Madman“ und andere.

Die Themen im Werk des Dichters sind:

Thema Liebe oder Leidenschaft für eine Frau;
der Kampf gegen die bürgerliche Vulgarität;
ethische und moralische Aspekte der Revolution;
mystische und religiöse Motive;

Konstantin Balmont

Konstantin Dmitrievich Balmont (1867 – 1942) – russischer symbolistischer Dichter, Literaturkritiker und Schriftsteller. Er wurde berühmt für seinen „optimistischen Narzissmus“. Laut dem berühmten russischen Dichter Anninsky hat er in seinen Werken die wichtigsten philosophischen Fragen aufgeworfen. Die Hauptwerke des Dichters sind die Sammlungen „Unter dem nördlichen Himmel“, „Wir werden wie die Sonne sein“ und „Brennende Gebäude“ sowie die bekannten Gedichte „Schmetterling“, „Im blauen Tempel“ und „Es gibt keinen Tag“. dass ich nicht an Dich denke ...“ Dies sind sehr aufschlussreiche Beispiele für Symbolik.

Die Hauptthemen in Balmonts Werk:

der erhöhte Platz des Dichters in der Gesellschaft;
Individualismus;
Unendlichkeitsthema;
Fragen des Seins und Nichtseins;
Schönheit und Geheimnis der umgebenden Welt.

Wjatscheslaw Iwanow

Wjatscheslaw Iwanowitsch Iwanow (1866 – 1949) – Dichter, Kritiker, Dramatiker, Übersetzer. Obwohl er die Blütezeit des Symbolismus lange überlebte, blieb er dennoch seinen ästhetischen und literarischen Prinzipien treu. Der Schöpfer ist für seine Idee der dionysischen Symbolik bekannt (er wurde vom antiken griechischen Gott der Fruchtbarkeit und des Weins, Dionysos, inspiriert). Seine Poesie wurde von antiken Bildern und philosophischen Fragen dominiert, die von antiken griechischen Philosophen wie Epikur gestellt wurden.

Ivanovs Hauptwerke:

„Alexander Blok“
"Die Arche";
"Nachricht";
"Waage";
„Zeitgenossen“;
„Tal ist ein Tempel“;
„Der Himmel lebt“

Kreative Themen:

das Geheimnis natürlicher Harmonie;
Thema Liebe;
Thema Leben und Tod;
mythologische Motive;
die wahre Natur des Glücks.

Akmeismus

Der Akmeismus ist die letzte Bewegung, die die Poesie des Silbernen Zeitalters ausmachte. Der Begriff kommt vom griechischen Wort „acme“, was „Anbruch von etwas“, „Gipfel“ bedeutet.

Als literarische Manifestation entstand der Akmeismus zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Ab 1900 versammelten sich junge Dichter in der Wohnung des Dichters Wjatscheslaw Iwanow in St. Petersburg. In den Jahren 1906–1907 trennte sich eine kleine Gruppe von allen anderen und bildete einen „Kreis junger Leute“. Er zeichnete sich durch seinen Eifer aus, sich vom Symbolismus zu lösen und etwas Neues zu schaffen. Auch die Literaturgruppe „Werkstatt der Dichter“ leistete einen großen Beitrag zur Entwicklung des Akmeismus. Darunter waren Dichter wie Anna Achmatowa, Ossip Mandelstam, Georgi Adamowitsch, Wladimir Narbut und andere. „Workshop..“ wurde von Nikolai Gumilyov und Sergei Gorodetsky geleitet. Nach 5-6 Jahren trennte sich ein weiterer Teil von dieser Gruppe, die sich selbst Acmeisten nannten.

Der Akmeismus spiegelte sich auch in der Malerei wider. Die Ansichten von Künstlern wie Alexandra Benois (Das Bad der Marquise und der venezianische Garten), Konstantin Somov (Der verspottete Kuss), Sergei Sudeikin und Leon Bakst (alle waren Teil der Künstlergruppe „World of Arts“ aus dem späten 19. Jahrhundert) ähnelten den Ansichten akmeistischer Autoren. Auf allen Bildern können wir sehen, wie moderne Welt konfrontiert die Welt der Vergangenheit. Jede Leinwand stellt eine Art stilisierte Dekoration dar.

Hauptmerkmale des Akmeismus:

Ablehnung der Ideen der Symbolik, Opposition gegen sie;
Rückkehr zu den Ursprüngen: Verbindungen zu früheren Dichtern und literarischen Bewegungen;
das Symbol ist keine Möglichkeit mehr, den Leser zu beeinflussen/zu beeinflussen;
die Abwesenheit von allem Mystischen;
physiologische Weisheit mit der inneren Welt des Menschen verbinden.
Streben nach Einfachheit und größtmöglicher Klarheit von Bild, Thema und Stil.

Anna Achmatowa

Anna Andreevna Achmatowa (1889 – 1966) – russische Dichterin, Literaturkritikerin, Übersetzerin. Sie ist auch eine Nominierte für den Nobelpreis für Literatur. Die Welt erkannte sie 1914 als talentierte Dichterin. In diesem Jahr erschien die Sammlung „Rosary Beads“. Darüber hinaus verstärkte sich ihr Einfluss in Bohemienkreisen nur noch, und das Gedicht „“ verschaffte ihr skandalösen Ruhm. In der Sowjetunion begünstigte die Kritik ihr Talent nicht; hauptsächlich ging ihr Ruhm in den Untergrund, in den Samizdat, aber Werke aus ihrer Feder wurden von Hand abgeschrieben und auswendig gelernt. Sie war es, die Joseph Brodsky in den frühen Phasen seines Schaffens förderte.

Zu den bedeutenden Kreationen gehören:

„Ich habe gelernt, einfach und weise zu leben“;
„Sie verschränkte ihre Hände über einem dunklen Schleier“;
„Ich habe den Kuckuck gefragt...“;
„Der grauäugige König“;
„Ich bitte nicht um deine Liebe“;
„Und jetzt bist du schwer und langweilig“ und andere.

Die Themen der Gedichte können genannt werden:

das Thema der ehelichen und mütterlichen Liebe;
das Thema der wahren Freundschaft;
das Thema der stalinistischen Repressionen und des Leidens des Volkes;
Thema Krieg;
der Platz des Dichters in der Welt;
Reflexion über das Schicksal Russlands.

Grundsätzlich sind Anna Akhmatovas lyrische Werke in Richtung des Akmeismus geschrieben, manchmal werden jedoch auch Manifestationen von Symbolik beobachtet, meist vor dem Hintergrund einer Handlung.

Nikolay Gumilyov

Nikolai Stepanovich Gumilev (1886 – 1921) – russischer Dichter, Kritiker, Prosaautor und Literaturkritiker. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war er Teil der Ihnen bereits bekannten „Werkstatt der Dichter“. Es war diesem Schöpfer und seinem Kollegen Sergei Gorodetsky zu verdanken, dass Acmeism gegründet wurde. Sie leiteten diese Pionierabteilung aus allgemeine Gruppe. Gumilyovs Gedichte sind klar und transparent, es gibt weder Pomp noch Abstruses in ihnen, weshalb sie immer noch auf Bühnen und Musiktiteln gesungen und gespielt werden. Er spricht einfach, aber schön und erhaben über komplexe Gefühle und Gedanken. Wegen seiner Verbindung mit den Weißgardisten wurde er von den Bolschewiki erschossen.

Zu den Hauptwerken gehören:

"Giraffe";
„Verlorene Straßenbahn“
„Mehr als einmal erinnern“;
„Aus einem Strauß ganzer Flieder“;
"Komfort";
"Die Flucht";
„Ich habe über mich selbst gelacht“;
„Meine Leser“ und vieles mehr.

Das Hauptthema von Gumilyovs Gedichten ist die Überwindung von Misserfolgen und Hindernissen im Leben. Er berührte auch philosophische, Liebes- und militärische Themen. Sein Blick auf die Kunst ist interessant, denn Kreativität ist für ihn immer ein Verzicht, immer eine Belastung, der man sich vorbehaltlos hingibt.

Osip Mandelstam

Osip Emilievich Mandelstam (1891 – 1938) – berühmter Dichter, Literaturkritiker, Übersetzer und Prosaschriftsteller. Er ist Autor origineller Liebestexte und widmete der Stadt viele Gedichte. Sein Werk zeichnet sich durch eine satirische und deutlich oppositionelle Ausrichtung gegenüber der damaligen Regierung aus. Er hatte keine Angst davor, heiße Themen anzusprechen und unangenehme Fragen zu stellen. Wegen seiner bissigen und beleidigenden „Engagement“ gegenüber Stalin wurde er verhaftet und verurteilt. Das Geheimnis seines Todes im Arbeitslager ist bis heute ungelöst.

Beispiele für Akmeismus finden sich in seinen Werken:

"Notre Dame"
„Wir leben, ohne das Land unter uns zu spüren“;
"Schlaflosigkeit. Homer. Enge Segel...";
„Silentium“
„Selbstporträt“;
„Es ist ein sanfter Abend. Die Dämmerung ist wichtig...";
„Du lächelst“ und vieles mehr.

Themen in Mandelstams Werken:

die Schönheit von St. Petersburg;
Thema Liebe;
der Platz des Dichters im öffentlichen Leben;
das Thema Kultur und Freiheit der Kreativität;
politischer Protest;
Dichter und Macht.

Sergey Gorodetsky

Sergei Mitrofanovich Gorodetsky (1884 - 1967) – russischer akmeistischer Dichter, Übersetzer. Seine Arbeit zeichnet sich durch das Vorhandensein folkloristischer Motive aus; er liebte Volksepos und die alte russische Kultur. Nach 1915 wurde er Bauerndichter und beschrieb die Bräuche und das Leben des Dorfes. Während seiner Tätigkeit als Kriegsberichterstatter verfasste er einen Gedichtzyklus, der dem Völkermord an den Armeniern gewidmet war. Nach der Revolution beschäftigte er sich hauptsächlich mit Übersetzungen.

Bedeutende Werke des Dichters, die als Beispiele des Akmeismus gelten können:

"Armenien";
"Birke";
Zyklus „Frühling“;
"Stadt";
"Wolf";
„Mein Gesicht ist ein Versteck der Geburten“;
„Erinnerst du dich, ein Schneesturm kam“;
"Lila";
"Schnee";
"Serie."

Die Hauptthemen in den Gedichten von Sergei Gorodetsky:

die natürliche Pracht des Kaukasus;
Thema des Dichters und der Poesie;
Armenischer Genozid;
Thema Revolution;
Thema Krieg;
Liebe und philosophische Texte.

Die Arbeit von Marina Tsvetaeva

Marina Iwanowna Zwetajewa (1892 – 1941) – berühmte russische Dichterin, Übersetzerin, Prosaschriftstellerin. Sie ist vor allem für ihre Liebesgedichte bekannt. Sie neigte auch dazu, über die ethischen Aspekte der Revolution nachzudenken, und in ihren Werken war die Nostalgie für die alten Zeiten deutlich zu erkennen. Vielleicht war sie deshalb gezwungen, das Land der Sowjets zu verlassen, wo ihre Arbeit nicht geschätzt wurde. Sie beherrschte andere Sprachen hervorragend und ihre Popularität verbreitete sich nicht nur in unserem Land. Das Talent der Dichterin wird in Deutschland, Frankreich und der Tschechischen Republik bewundert.

Tsvetaevas Hauptwerke:

„Du kommst, du siehst aus wie ich“;
„Ich werde dich aus allen Ländern und allen Himmeln erobern.“;
"Heimweh! Für eine lange Zeit…";
„Mir gefällt, dass du bei mir nicht krank bist“;
„Ich würde gerne mit dir zusammenleben“;

Die Hauptthemen im Werk der Dichterin:

Thema des Mutterlandes;
Thema Liebe, Eifersucht, Trennung;
Thema Heimat und Kindheit;
Thema des Dichters und seine Bedeutung;
historisches Schicksal des Vaterlandes;
spirituelle Verwandtschaft.

Ein erstaunliches Merkmal von Marina Tsvetaeva ist, dass ihre Gedichte keiner literarischen Strömung angehören. Sie alle liegen außerhalb jeder Richtung.

Kreativität von Sofia Parnok

Sofia Yakovlevna Parnok (1885 - 1933) - russische Dichterin, Übersetzerin. Berühmtheit erlangte sie durch ihre skandalöse Freundschaft mit der berühmten Dichterin Marina Zwetajewa. Tatsache ist, dass der Kommunikation zwischen ihnen mehr als nur eine freundschaftliche Beziehung zugeschrieben wurde. Parnok erhielt auch den Spitznamen „Russische Sappho“ für ihre Aussagen über das Recht von Frauen auf unkonventionelle Liebe und Gleichberechtigung mit Männern.

Hauptwerke:

"Weiße Nacht";
„In einem unfruchtbaren Land kann kein Getreide wachsen“;
„Noch kein Geist, fast kein Fleisch“;
„Ich liebe dich in deinem Raum“;
„Wie hell ist das Licht heute“;
"Divination";
„Die Lippen waren zu fest gespitzt.“

Die Hauptthemen im Werk der Dichterin sind Liebe ohne Vorurteile, spirituelle Verbindung zwischen Menschen und Unabhängigkeit von der öffentlichen Meinung.

Parnok gehört keiner bestimmten Richtung an. Ihr ganzes Leben lang versuchte sie, ihren besonderen Platz in der Literatur zu finden, ohne an eine bestimmte Bewegung gebunden zu sein.

Interessant? Speichern Sie es an Ihrer Wand!

Silberzeitalter in der russischen Literatur
Das russische poetische „Silberzeitalter“ passt traditionell in den Beginn des 20. Jahrhunderts, tatsächlich liegt sein Ursprung im 19. Jahrhundert und alle seine Wurzeln reichen bis zum „Goldenen Zeitalter“, zum Werk von A. S. Puschkin, zum Erbe zurück von Puschkins Galaxie, zu Tyutchevs Philosophie, in die impressionistischen Texte von Fet, in Nekrasovs Prosa, in die Grenzlinien von K. Sluchevsky, voller tragischer Psychologismen und vager Vorahnungen. Mit anderen Worten: In den 90er Jahren begann man in den Entwürfen für Bücher zu blättern, die bald die Bibliothek des 20. Jahrhunderts bilden sollten. Seit den 90er Jahren begann die literarische Aussaat, die Triebe hervorbrachte.
Der Begriff „Silberzeitalter“ selbst ist sehr bedingt und umfasst ein Phänomen mit kontroversen Umrissen und ungleichmäßigem Relief. Dieser Name wurde zuerst vom Philosophen N. Berdyaev vorgeschlagen, gelangte aber schließlich in den 60er Jahren dieses Jahrhunderts in die literarische Verbreitung.
Die Poesie dieses Jahrhunderts war vor allem von Mystik und einer Krise des Glaubens, der Spiritualität und des Gewissens geprägt. Die Zeilen wurden zu einer Sublimation von Geisteskrankheit, geistiger Disharmonie, innerem Chaos und Verwirrung.
Die gesamte Poesie des „Silbernen Zeitalters“, die gierig das Erbe der Bibel, der antiken Mythologie, der Erfahrungen der europäischen und Weltliteratur aufnimmt, ist eng mit der russischen Folklore mit ihren Liedern, Klageliedern, Erzählungen und Liedern verbunden.
Allerdings heißt es manchmal, dass das „Silberzeitalter“ ein Phänomen der Verwestlichung sei. Tatsächlich wählte er als Bezugspunkte den Ästhetizismus von Oscar Wilde, den individualistischen Spiritualismus von Alfred de Vigny, den Pessimismus von Schopenhauer und den Übermenschen von Nietzsche. Das „Silberne Zeitalter“ fand seine Vorfahren und Verbündeten in verschiedenen europäischen Ländern und in verschiedenen Jahrhunderten: Villon, Mallarmé, Rimbaud, Novalis, Shelley, Calderon, Ibsen, Maeterlinck, d'Annuzio, Gautier, Baudelaire, Verhaeren.
Mit anderen Worten: Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts kam es zu einer Neubewertung der Werte aus der Perspektive des Europäismus. Aber im Licht einer neuen Ära, die das genaue Gegenteil der von ihr abgelösten war, erschienen nationale, literarische und folkloristische Schätze in einem anderen Licht, heller als je zuvor.
Es war ein kreativer Raum voller Sonnenschein, hell und lebenspendend, der nach Schönheit und Selbstbestätigung dürstete. Und obwohl wir diese Zeit das „Silberne“ und nicht das „goldene Zeitalter“ nennen, war es vielleicht die kreativste Ära in der russischen Geschichte.

„Silver Age“ wird von den meisten Lesern als Metapher für gute, beliebte Schriftsteller des frühen 20. Jahrhunderts wahrgenommen. Je nach persönlichem Geschmack können hier A. Blok und V. Mayakovsky, D. Merezhkovsky und I. Bunin, N. Gumilev und S. Yesenin, A. Akhmatova und A. Kruchenykh, F. Sologub und A. Kuprin auftreten.
„Schulliteraturkritik“ wird zur Vervollständigung des Bildes durch die oben erwähnte Liste von M. Gorki und einer Reihe von „Snanievtsev“-Autoren hinzugefügt
(Künstler gruppieren sich um den Gorki-Verlag „Znanie“).
Mit diesem Verständnis wird das Silberne Zeitalter zum Synonym für das seit langem bestehende und viel wissenschaftlichere Konzept der „Literatur des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts“.
Die Poesie des Silbernen Zeitalters kann in mehrere Hauptbewegungen unterteilt werden, wie zum Beispiel: SYMBOLISMUS. (D. Merezhkovsky,
K. Balmont, V. Bryusov, F. Sologub, A. Blok, A. Bely), PREDACMEISM. ACMEISM.(M. Kuzmin, N. Gumilyov,
A. Akhmatova, O. Mandelstam),
„BAUERNLITERATUR“ (N. Klyuev, S. Yesenin)
FUTURISTEN DES SILBERNEN ZEITALTERS (I. Severyanin, V. Khlebnikov)

SYMBOLISMUS

Der russische Symbolismus als literarische Bewegung entstand an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert.
Die theoretischen, philosophischen und ästhetischen Wurzeln und Schaffensquellen symbolistischer Schriftsteller waren sehr vielfältig. So betrachtete V. Bryusov den Symbolismus als eine rein künstlerische Bewegung, Merezhkovsky stützte sich auf die christliche Lehre, Vyach. Iwanow suchte theoretischen Halt in der Philosophie und Ästhetik der Antike, gebrochen durch die Philosophie Nietzsches; A. Bely liebte Vl. Solovyov, Schopenhauer, Kant, Nietzsche.
Das künstlerische und journalistische Organ der Symbolisten war die Zeitschrift „Scales“ (1904 – 1909). „Für uns Vertreter des Symbolismus als harmonischer Weltanschauung“, schrieb Ellis, „gibt es nichts Fremderes als die Unterordnung der Idee von Leben, interner Pfad individuell - äußere Verbesserung der Formen des Gemeinschaftslebens. Für uns kann es nicht darum gehen, den Weg des einzelnen heroischen Individuums mit den instinktiven Bewegungen der Massen in Einklang zu bringen, die stets engstirnig egoistischen, materiellen Motiven untergeordnet sind.“
Diese Einstellungen bestimmten den Kampf der Symbolisten gegen die demokratische Literatur und Kunst, der in der systematischen Verleumdung Gorkis zum Ausdruck kam, um zu beweisen, dass er, nachdem er sich den Reihen der proletarischen Schriftsteller angeschlossen hatte, als Künstler endete und versuchte, den Revolutionär zu diskreditieren demokratische Kritik und Ästhetik, ihre großen Schöpfer - Belinsky, Dobrolyubov, Chernyshevsky. Die Symbolisten versuchten auf jede erdenkliche Weise, Puschkin, Gogol und den sogenannten Wjatsch zu „ihren“ zu machen. Ivanov „ein verängstigter Spion des Lebens“, Lermontov, der laut demselben Vyach. Ivanov war der erste, der vor der „Vorahnung des Symbols der Symbole – der ewigen Weiblichkeit“ zitterte.
Mit diesen Einstellungen ist ein scharfer Kontrast zwischen Symbolismus und Realismus verbunden. „Während realistische Dichter“, schreibt K. Balmont, „die Welt naiv betrachten, wie einfache Beobachter, die sich ihrer materiellen Grundlage unterwerfen, dominieren symbolistische Dichter, indem sie mit ihrer komplexen Beeinflussbarkeit Materialität neu erschaffen, die Welt und dringen in ihre Geheimnisse ein.“ Symbolisten streben danach um Vernunft und Intuition gegenüberzustellen. „...Kunst ist das Verständnis der Welt auf andere, nicht rationale Weise“, sagt V. Bryusov und nennt die Werke der Symbolisten „mystische Schlüssel der Geheimnisse“, die einem Menschen helfen, Freiheit zu erlangen ."
Das Erbe der Symbolisten wird durch Poesie, Prosa und Drama repräsentiert. Am charakteristischsten ist jedoch die Poesie.
V. Ya. Bryusov (1873 - 1924) ging einen komplexen und schwierigen Weg der ideologischen Suche. Die Revolution von 1905 erweckte die Bewunderung des Dichters und trug zum Beginn seiner Abkehr vom Symbolismus bei. Allerdings gelangte Bryusov nicht sofort zu einem neuen Kunstverständnis. Brjusows Haltung gegenüber der Revolution ist komplex und widersprüchlich. Er begrüßte die reinigenden Kräfte, die sich erhoben hatten, um die alte Welt zu bekämpfen, glaubte aber, dass sie nur die Elemente der Zerstörung brachten:

Ich sehe einen neuen Kampf im Namen eines neuen Willens!
Pause – ich werde bei dir sein! bauen - nein!

Die Poesie von V. Bryusov dieser Zeit ist geprägt vom Wunsch nach einem wissenschaftlichen Verständnis des Lebens und dem Erwachen des Interesses an der Geschichte. A. M. Gorki schätzte die enzyklopädische Bildung von V. Ya. Bryusov sehr und nannte ihn den kulturellsten Schriftsteller Russlands. Brjusow akzeptierte und begrüßte die Oktoberrevolution und beteiligte sich aktiv am Aufbau der sowjetischen Kultur.
Die ideologischen Widersprüche der damaligen Zeit beeinflussten (auf die eine oder andere Weise) einzelne realistische Schriftsteller. Im Schaffensleben von L. N. Andreev (1871 - 1919) kam es zu einer gewissen Abkehr von der realistischen Methode. Der Realismus als Richtung der künstlerischen Kultur hat jedoch seine Stellung behalten. Russische Schriftsteller interessierten sich weiterhin für das Leben in all seinen Erscheinungsformen, das Schicksal des einfachen Mannes und wichtige Probleme des öffentlichen Lebens.
Die Traditionen des kritischen Realismus wurden im Werk des größten russischen Schriftstellers I. A. Bunin (1870 - 1953) weiter bewahrt und weiterentwickelt. Seine bedeutendsten Werke dieser Zeit sind die Erzählungen „Village“ (1910) und „Sukhodol“ (1911).
Das Jahr 1912 markierte den Beginn eines neuen revolutionären Aufschwungs im gesellschaftspolitischen Leben Russlands.
D. Merezhkovsky, F. Sologub, Z. Gippius, V. Bryusov, K. Balmont und andere sind eine Gruppe „hochrangiger“ Symbolisten, die die Gründer der Bewegung waren. In den frühen 900er Jahren entstand eine Gruppe „jüngerer“ Symbolisten – A. Bely, S. Solovyov, Vyach. Ivanov, A. Blok und andere.
Die Plattform der „jüngeren“ Symbolisten basiert auf der idealistischen Philosophie von Vl. Solovyov mit seiner Idee des Dritten Testaments und dem Kommen der ewigen Weiblichkeit.Vl. Solowjew argumentierte, dass die höchste Aufgabe der Kunst „... die Schaffung eines universellen spirituellen Organismus“ sei, dass ein Kunstwerk ein Bild eines Objekts und Phänomens „im Licht der zukünftigen Welt“ sei, das mit einem verbunden ist Verständnis der Rolle des Dichters als Theurg und Geistlicher. Dies beinhaltet, wie A. Bely erklärte, „die Kombination der Höhepunkte der Symbolik als Kunst mit Mystik“.
Die Erkenntnis, dass es „andere Welten“ gibt und dass die Kunst danach streben sollte, sie auszudrücken, bestimmt die künstlerische Praxis der Symbolik als Ganzes, deren drei Prinzipien im Werk von D. Merezhkovsky „Über die Ursachen des Niedergangs und“ verkündet werden neue Trends in der modernen russischen Literatur.“ Dabei handelt es sich um „...mystische Inhalte, Symbole und die Erweiterung der künstlerischen Beeinflussbarkeit.“
Basierend auf der idealistischen Prämisse des Primats des Bewusstseins argumentieren Symbolisten, dass die Realität, die Realität, die Schöpfung des Künstlers ist:

Mein Traum - und alle Räume,
Und alle Nachfolgen
Die ganze Welt ist nur meine Dekoration,
Meine Spuren
(F. Sologub)

„Nachdem man die Fesseln des Denkens gebrochen hat, ist es ein Traum, gefesselt zu sein“, fordert K. Balmont. Die Berufung des Dichters besteht darin, die reale Welt mit der transzendentalen Welt zu verbinden.

Die poetische Erklärung der Symbolik kommt in Vyachs Gedicht deutlich zum Ausdruck. Ivanov „Unter den tauben Bergen“:

Und ich dachte: „Oh Genie! Wie dieses Horn,
Ihr müsst das Lied der Erde singen, damit es in euren Herzen ist
Wachen Sie mit einem anderen Lied auf. Gesegnet ist, wer hört.“
.Und hinter den Bergen ertönte eine Antwortstimme:
„Die Natur ist ein Symbol, wie dieses Horn. Sie
Geräusche für Echo. Und das Echo ist Gott.
Gesegnet ist, wer das Lied hört und das Echo hört.“

Die Poesie der Symbolisten ist Poesie für die Elite, für die Aristokraten des Geistes.
Ein Symbol ist ein Echo, ein Hinweis, ein Hinweis; es vermittelt eine verborgene Bedeutung.

Symbolisten streben danach, eine komplexe, assoziative, abstrakte und irrationale Metapher zu schaffen. Dies ist „klingend-resonante Stille“ von V. Bryusov, „Und Rebellion ist dunkel in hellen Augen“ von Vyach. Ivanov, „Trockene Wüsten der Morgendämmerung“ von A. Bely und von ihm: „Tag – matte Perle – Träne – fließt von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang.“ Diese Technik wird im Gedicht 3 von Gippius „Die Näherin“ sehr genau offenbart.

Alle Phänomene haben einen Stempel.
Das eine scheint mit dem anderen verschmolzen zu sein.
Nachdem ich eines akzeptiert habe, versuche ich es zu erraten
Dahinter steckt etwas anderes, etwas Verborgenes.

Sehr sehr wichtig in der Poesie der Symbolisten erlangte die klangvolle Ausdruckskraft der Verse beispielsweise bei F. Sologub:
Und zwei tiefe Gläser
Aus dünn klingendem Glas
Du legst es in die helle Tasse
Und der süße Schaum ergoss sich,
Leela, Leela, Leela, rockte
Zwei dunkelrote Gläser.
Weißer, Lilie, weißer
Du warst weiß und ala..."

Die Revolution von 1905 fand im Werk der Symbolisten eine einzigartige Brechung.
Merezhkovsky begrüßte das Jahr 1905 mit Entsetzen, da er mit eigenen Augen das Kommen des „kommenden Burschen“ miterlebt hatte, den er vorhergesagt hatte. Aufgeregt und mit dem großen Wunsch, es zu verstehen, näherte sich Blok den Ereignissen. V. Bryusov begrüßte das reinigende Gewitter.
In den zehnten Jahren des 20. Jahrhunderts musste die Symbolik aktualisiert werden. „In den Tiefen der Symbolik selbst“, schrieb V. Bryusov in dem Artikel „Die Bedeutung der modernen Poesie“, „entstanden neue Bewegungen, die versuchten, dem heruntergekommenen Organismus neue Kraft zu verleihen.“ Aber diese Versuche waren zu parteiisch, ihre Gründer waren zu sehr von den gleichen Schultraditionen durchdrungen, als dass die Erneuerung von Bedeutung gewesen wäre.“
Das letzte Jahrzehnt vor Oktober war geprägt von der Suche nach modernistischer Kunst. Die Kontroverse um den Symbolismus, die 1910 unter der künstlerischen Intelligenz stattfand, offenbarte ihre Krise. Wie N. S. Gumilev es in einem seiner Artikel formulierte: „Der Symbolismus hat seinen Entwicklungskreis abgeschlossen und ist nun im Niedergang.“ Es wurde durch acmeizl~ (vom griechischen „acme“ – der höchste Grad von etwas, eine Blütezeit) ersetzt. Als Begründer des Akmeismus gelten N. S. Gumilev (1886 – 1921) und S. M. Gorodetsky (1884 – 1967). Zur neuen Dichtergruppe gehörten A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam, M. A. Zenkevich, M. A. Kuzmin und andere.

ACMEISMUS
Im Gegensatz zur symbolistischen Unbestimmtheit verkündeten die Akmeisten den Kult der realen irdischen Existenz, „eine mutige, feste und klare Sicht auf das Leben“. Gleichzeitig versuchten sie jedoch, in ihrer Poesie vor allem die ästhetisch-hedonistische Funktion der Kunst zu etablieren und soziale Probleme zu umgehen. In der Ästhetik des Akmeismus kamen dekadente Tendenzen deutlich zum Ausdruck, und der philosophische Idealismus blieb seine theoretische Grundlage. Unter den Akmeisten gab es jedoch Dichter, die in ihrer Arbeit über den Rahmen dieser „Plattform“ hinausgehen und sich neue ideologische und künstlerische Qualitäten aneignen konnten (A. A. Akhmatova, S. M. Gorodetsky, M. A. Zenkevich).

Im Jahr 1912 kündigte sich mit der Sammlung „Hyperborea“ eine neue literarische Bewegung an, die sich den Namen „Acmeismus“ aneignete (vom griechischen Wort „acme“, was bedeutet). Höchster Abschluss etwas, die Zeit seiner Blütezeit). Zur „Werkstatt der Dichter“, wie sich ihre Vertreter nannten, gehörten N. Gumilev, A. Akhmatova, O. Mandelstam, S. Gorodetsky, G. Ivanov, M. Zenkevich und andere. Auch M. Kuzmin und M. Woloschin schlossen sich dieser an Richtung, V. Khodasevich et al.
Die Acmeisten betrachteten sich als Erben eines „würdigen Vaters“ – einer Symbolik, die, in den Worten von N. Gumilyov, „... ihren Entwicklungskreis abgeschlossen hat und nun im Niedergang begriffen ist.“ Die Akmeisten bekräftigten das bestialische, primitive Prinzip (sie nannten sich auch Adamisten) und „erinnerten sich weiterhin an das Unerkennbare“ und verkündeten in seinem Namen jeden Verzicht auf den Kampf um die Veränderung des Lebens. „Im Namen anderer Existenzbedingungen hier, wo es den Tod gibt, zu rebellieren“, schreibt N. Gumilev in seinem Werk „The Heritage of Symbolism and Acmeism“, „ist so seltsam wie ein Gefangener, der eine Mauer einbricht, wenn es eine Lücke gibt.“ Tür vor ihm.“
Das behauptet auch S. Gorodetsky: „Nach all den „Ablehnungen“ wurde die Welt in all ihrer Schönheit und Hässlichkeit unwiderruflich vom Akmeismus akzeptiert.“ Der moderne Mensch fühlte sich wie ein Tier, „ohne Krallen und ohne Fell“ (M. Zenkevich „Wilder Porphyr“), Adam, der „... sich mit demselben klaren, scharfen Auge umsah, alles akzeptierte, was er sah, und Halleluja sang.“ zum Leben und zur Welt“

Und gleichzeitig ertönen bei den Acmeisten ständig Untergangs- und Melancholietöne. Das Werk von A. A. Akhmatova (A. A. Gorenko, 1889 - 1966) nimmt in der Poesie des Akmeismus einen besonderen Platz ein. Ihr erster Gedichtband „Abend“ wurde 1912 veröffentlicht. Kritiker bemerkten sofort die Besonderheiten ihrer Gedichte: Zurückhaltung in der Intonation, betonte Intimität des Themas, Psychologismus. Achmatowas frühe Poesie ist zutiefst lyrisch und emotional. Mit ihrer Liebe zum Menschen und ihrem Glauben an seine spirituellen Kräfte und Fähigkeiten entfernte sie sich deutlich von der akmeistischen Idee des „ursprünglichen Adam“. Der Hauptteil des Schaffens von A. A. Akhmatova fällt in die Sowjetzeit.
A. Akhmatovas erste Kollektionen „Evening“ (1912) und „Rosary“ (1914) brachten ihr großen Ruhm. In ihrem Werk spiegelt sich eine geschlossene, enge, intime Welt wider, gemalt in Tönen von Traurigkeit und Traurigkeit:

Ich bitte nicht um Weisheit oder Stärke.
Oh, lass mich mich einfach am Feuer wärmen!
Mir ist kalt... Geflügelt oder flügellos,
Der schwule Gott wird mich nicht besuchen.

Das wichtigste und einzige Thema der Liebe steht in direktem Zusammenhang mit dem Leiden (was auf die Fakten der Biografie der Pathesin zurückzuführen ist):

Lass es wie einen Grabstein liegen
Auf mein Leben, Liebe.

Charakterisierung des Frühwerks von A. Akhmatova, Al. Surkov sagt, sie erscheine „... als Dichterin von scharf definierter poetischer Individualität und starkem lyrischem Talent... betont „weibliche“ intime lyrische Erfahrungen...“.
A. Akhmatova versteht, dass „wir feierlich und schwierig leben“, dass es „irgendwo ein einfaches Leben und Licht gibt“, aber sie möchte dieses Leben nicht aufgeben:

Ja, ich liebte sie, diese nächtlichen Zusammenkünfte –
Auf dem kleinen Tisch stehen Eisgläser,
Über dem schwarzen Kaffee liegt ein duftender, dünner Dampf,
Der rote Kamin ist schwer, Winterhitze,
Die Heiterkeit eines bissigen literarischen Witzes
Und der erste Blick des Freundes, hilflos und gruselig.

Die Acmeisten versuchten, dem Bild seine lebendige Konkretheit und Objektivität zurückzugeben und es von der mystischen Verschlüsselung zu befreien, über die O. Mandelstam sehr wütend sprach und versicherte, dass die russischen Symbolisten „... alle Worte, alle Bilder versiegelt und sie bestimmt haben.“ ausschließlich für den liturgischen Gebrauch. Es stellte sich als äußerst unangenehm heraus – ich konnte nicht gehen, ich konnte nicht stehen, ich konnte mich nicht hinsetzen. Man kann nicht auf einem Tisch speisen, denn es ist nicht nur ein Tisch. Es ist eine Schande, ein Feuer anzuzünden, denn es könnte etwas bedeuten, mit dem man selbst nicht zufrieden ist.“
Und gleichzeitig behaupten Acmeisten, dass sich ihre Bilder stark von realistischen unterscheiden, weil sie, mit den Worten von S. Gorodetsky, „... zum ersten Mal geboren werden“ „wie bisher ungesehen, aber von nun an real.“ Phänomene.“ Dies bestimmt die Raffinesse und den eigentümlichen Manierismus des akmeistischen Bildes, egal wie absichtliche bestialische Wildheit es erscheinen mag. Zum Beispiel von Woloschin:
Menschen sind Tiere, Menschen sind Reptilien,
Wie eine hundertäugige böse Spinne,
Sie verflechten Blicke zu Ringen.

Der Kreis dieser Bilder wird eingeengt, was zu extremer Schönheit führt und es ermöglicht, bei der Beschreibung eine größere Raffinesse zu erreichen:

Langsamer der Schneestock,
Kristall ist klarer als ein Fenster,
Und ein türkisfarbener Schleier
Achtlos auf einen Stuhl geworfen.
Stoff, berauscht von sich selbst,
Verwöhnt von der Liebkosung des Lichts,
Sie erlebt den Sommer
Wie unberührt im Winter.
Und wenn in eisigen Diamanten
Frost fließt für immer,
Hier ist das Flattern von Libellen
Schnelllebig, blauäugig.
(O. Mandelstam)
Das literarische Erbe von N. S. Gumilyov ist in seinem künstlerischen Wert von großer Bedeutung. In seinem Werk dominierten exotische und historische Themen, und er war ein Sänger von „starker Persönlichkeit“. Gumilyov spielte eine große Rolle bei der Entwicklung der Versform, die sich durch Präzision und Präzision auszeichnete.

Es war vergebens, dass sich die Acmeisten so scharf von den Symbolisten distanzierten. Wir finden in ihrer Poesie die gleichen „anderen Welten“ und die gleiche Sehnsucht nach ihnen. So schrieb N. Gumilyov, der den imperialistischen Krieg als „heilige“ Sache begrüßte und behauptete, dass „Seraphim, klar und geflügelt, hinter den Schultern der Krieger sichtbar sind“, ein Jahr später Gedichte über das Ende der Welt, über das Tod der Zivilisation:

Das friedliche Gebrüll der Monster ist zu hören,
Plötzlich regnet es heftig,
Und alle ziehen die Dicken fest
Hellgrüne Schachtelhalme.

Der einst stolze und mutige Eroberer versteht das Zerstörerische
die Zerstörungskraft der Feindschaft, die die Menschheit verschlungen hat:

Ist es wirklich wichtig? Lass die Zeit vergehen
Wir verstehen dich, Erde:
Du bist nur ein düsterer Pförtner
Am Eingang zu Gottes Feldern.

Dies erklärt ihre Ablehnung der Großen Sozialistischen Oktoberrevolution. Aber ihr Schicksal war nicht dasselbe. Einige von ihnen wanderten aus; N. Gumilyov soll „aktiv an der konterrevolutionären Verschwörung teilgenommen haben“ und wurde erschossen. In dem Gedicht „Arbeiter“ sagte er sein Ende durch einen Proletarier voraus, der eine Kugel abfeuerte, „die mich von der Erde trennen wird“.

Und der Herr wird es mir in vollem Umfang vergelten
Für mein kurzes und kurzes Leben.
Ich habe das in einer hellgrauen Bluse gemacht
Ein kleiner alter Mann.

Dichter wie S. Gorodetsky, A. Akhmatova, V. Narbut und M. Zenkevich konnten nicht auswandern.
Zum Beispiel weigerte sich A. Achmatowa, die die Revolution nicht verstand und nicht akzeptierte, ihr Heimatland zu verlassen:

Ich hatte eine Stimme. Er rief tröstend:
Er sagte: „Komm her,
Verlasse dein Land taub und sündig,
Verlasse Russland für immer.
Ich werde das Blut von deinen Händen waschen,
Ich werde die schwarze Schande aus meinem Herzen nehmen,
Ich werde es mit einem neuen Namen abdecken
Der Schmerz der Niederlage und des Grolls.“
Aber gleichgültig und ruhig
Ich hielt mir die Ohren mit den Händen zu,

Sie kehrte nicht sofort zur Kreativität zurück. Aber der Große Vaterländische Krieg erweckte in ihr erneut die Dichterin, eine patriotische Dichterin, die vom Sieg ihres Vaterlandes überzeugt war („Meine Geste“, „Eid“ usw.). A. Achmatowa schrieb in ihrer Autobiografie, dass für sie in der Poesie „... meine Verbindung mit der Zeit, mit dem neuen Leben meines Volkes“ sei.

FUTURISMUS
Gleichzeitig mit dem Akmeismus in den Jahren 1910–1912. Der Futurismus entstand. Wie andere modernistische Bewegungen war sie intern widersprüchlich. Die bedeutendste futuristische Gruppe, die später den Namen Kubo-Futurismus erhielt, vereinte Dichter wie D. D. Burliuk, V. V. Khlebnikov, A. Kruchenykh, V. V. Kamensky, V. V. Mayakovsky und einige andere. Eine Art Futurismus war der Egofuturismus von I. Severyanin (I.V. Lotarev, 1887 - 1941). In der Gruppe der Futuristen namens „Zentrifuge“ begannen die sowjetischen Dichter N. N. Aseev und B. L. Pasternak ihre kreative Karriere.
Der Futurismus verkündete eine Revolution der Form, unabhängig vom Inhalt, absolute Freiheit der poetischen Rede. Futuristen lehnten literarische Traditionen ab. In ihrem 1912 in der gleichnamigen Sammlung veröffentlichten Manifest mit dem schockierenden Titel „Ein Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks“ forderten sie, Puschkin, Dostojewski und Tolstoi vom „Dampfschiff der Moderne“ zu werfen. A. Kruchenykh verteidigte das Recht des Dichters, eine „abstruse“ Sprache zu schaffen, die keine bestimmte Bedeutung hat. In seinen Schriften wurde die russische Sprache tatsächlich durch eine bedeutungslose Wortfolge ersetzt. Allerdings V. Khlebnikov (1885 - 1922), V.V. Kamensky (1884 - 1961) gelang es in seiner schöpferischen Praxis, interessante Experimente auf dem Gebiet der Wörter durchzuführen, die sich positiv auf die russische und sowjetische Poesie auswirkten.
Unter den futuristischen Dichtern begann der kreative Weg von V. V. Mayakovsky (1893 - 1930). Seine ersten Gedichte erschienen 1912 in gedruckter Form. Von Anfang an ragte Mayakovsky in der Poesie des Futurismus heraus und brachte sein eigenes Thema ein. Er sprach sich immer nicht nur gegen „alles Alte“ aus, sondern auch dafür, etwas Neues im öffentlichen Leben zu schaffen.
In den Jahren vor der Großen Oktoberrevolution war Mayakovsky ein leidenschaftlicher revolutionärer Romantiker, ein Entlarver des Reiches der „Fetten“, der einen revolutionären Sturm erwartete. Das Pathos der Negation des gesamten Systems der kapitalistischen Verhältnisse, der humanistische Glaube an den Menschen erklang mit enormer Kraft in seinen Gedichten „Wolke in Hosen“, „Wirbelsäulenflöte“, „Krieg und Frieden“, „Der Mensch“. Das Thema des 1915 in zensierter Form veröffentlichten Gedichts „Eine Wolke in Hosen“ wurde später von Mayakovsky als vier „Nieder mit“-Rufe definiert: „Nieder mit deiner Liebe!“, „Nieder mit deiner Kunst!“ „Nieder mit deinem System!“, „Nieder mit deiner Religion!“ Er war der erste Dichter, der in seinen Werken die Wahrheit der neuen Gesellschaft zeigte.
In der russischen Poesie der vorrevolutionären Jahre gab es kluge Persönlichkeiten, die sich nur schwer einer bestimmten literarischen Bewegung zuordnen lassen. Dies sind M. A. Voloshin (1877 - 1932) und M. I. Tsvetaeva (1892 - 1941).

Nach 1910 entstand eine andere Richtung – der Futurismus, der sich nicht nur in scharfem Kontrast zur Literatur der Vergangenheit, sondern auch zur Literatur der Gegenwart stellte und mit dem Wunsch, alles und jeden zu stürzen, in die Welt eintrat. Dieser Nihilismus zeigte sich auch in äußeres Design futuristische Kollektionen, die auf Geschenkpapier oder die Rückseite von Tapeten gedruckt wurden, und in den Titeln – „Mares‘ Milk“, „Dead Moon“ usw.
In der ersten Sammlung „Ein Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks“ (1912) wurde eine Erklärung veröffentlicht, unterzeichnet von D. Burliuk, A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky. Darin behaupteten die Futuristen sich selbst und nur sich selbst als die einzigen Vertreter ihrer Zeit. Sie forderten: „Wirf Puschkin, Dostojewski, Tolstoi usw. weg.“ und so weiter. vom Dampfschiff der Moderne“, leugneten sie gleichzeitig die „Parfüm-Unzucht Balmonts“, sprachen vom „schmutzigen Schleim der Bücher, die von den endlosen Leonid Andrejews geschrieben wurden“ und wiesen Gorki, Kuprin, Blok usw. wahllos zurück.
Sie lehnten alles ab und bekräftigten „Morgendämmerung der neu kommenden Schönheit des selbstwertvollen (selbstwertigen) Wortes.“ Im Gegensatz zu Mayakovsky versuchten sie nicht, das bestehende System zu stürzen, sondern lediglich die Reproduktionsformen des modernen Lebens zu aktualisieren.
Die Grundlage des italienischen Futurismus mit seinem Slogan „Krieg ist die einzige Hygiene der Welt“ in der russischen Version wurde geschwächt, aber wie V. Bryusov im Artikel „Die Bedeutung moderner Poesie“ feststellt, erschien diese Ideologie „...“. zwischen den Zeilen, und die Massen der Leser mieden diese Poesie instinktiv.“
„Futuristen waren die ersten, die die Form auf die richtige Höhe erhoben haben“, sagt V. Shershenevich, „und ihr die Bedeutung eines Selbstzwecks, des Hauptelements eines poetischen Werks, verliehen.“ Sie haben Poesie, die für eine Idee geschrieben wurde, völlig abgelehnt.“ Dies erklärt die Entstehung einer Vielzahl erklärter Formprinzipien, wie zum Beispiel: „Im Namen der persönlichen Freiheit verweigern wir die Rechtschreibung“ oder „Wir haben Satzzeichen zerstört“ – weshalb die Rolle der verbalen Masse vorgeschlagen wurde zum ersten Mal und realisiert“ („Tank of Judges“).
Der Zukunftstheoretiker V. Khlebnikov verkündet, dass die Sprache der Zukunft „eine abstruse Sprache sein wird“. Das Wort wird seiner semantischen Bedeutung beraubt und erhält eine subjektive Färbung: „Wir verstehen Vokale als Zeit und Raum (die Natur des Strebens), Konsonanten als Farbe, Klang, Geruch.“ V. Khlebnikov, der versucht, die Grenzen der Sprache und ihrer Fähigkeiten zu erweitern, schlägt die Schaffung neuer Wörter basierend auf Wurzelmerkmalen vor, zum Beispiel:

(Wurzeln: chur... und char...)
Wir sind verzaubert und gemieden.
Dort bezaubernd, hier zurückschreckend, mal ein Churakhar, mal ein Churakhar, hier ein Churil, dort ein Churil.
Vom Churyn aus der Blick der Zauberin.
Es gibt Churavel, es gibt Churavel.
Charari! Churari!
Churel! Charel!
Gebühren und Gebühren.
Und meide und sei verzaubert.

Dem betonten Ästhetizismus der Poesie der Symbolisten und insbesondere der Akmeisten stellen die Futuristen eine bewusste Entästhetisierung gegenüber. So heißt es in D. Burliuk: „Poesie ist ein zerfetztes Mädchen“, „die Seele ist eine Taverne und der Himmel ist Müll“, in V. Shershenevich „auf einem mit Spucke befleckten Platz“ will eine nackte Frau „quetschen“. Milch aus schlaffen Brüsten.“ In der Rezension „Das Jahr der russischen Poesie“ (1914) stellt V. Bryusov unter Hinweis auf die bewusste Unhöflichkeit der Gedichte der Futuristen zu Recht fest: „Es reicht nicht aus, alles, was passiert ist und alles, was außerhalb eines Menschen existiert, mit beleidigenden Worten zu verunglimpfen.“ Kreisen, um etwas Neues zu finden.“
Er weist darauf hin, dass alle ihre Neuerungen imaginär sind, da wir einige von ihnen bei den Dichtern des 18. Jahrhunderts, andere bei Puschkin und Vergil kennengelernt haben und dass die Theorie der Klänge und Farben von T. Gautier entwickelt wurde.
Es ist merkwürdig, dass die Futuristen trotz aller Leugnungen anderer Kunstrichtungen deren Kontinuität in der Symbolik spüren.
Es ist merkwürdig, dass A. Blok, der Severyanins Werk mit Interesse verfolgte, mit Besorgnis sagt: „Er hat kein Thema“, und V. Bryusov weist in einem Severyanin gewidmeten Artikel aus dem Jahr 1915 darauf hin: „Mangelndes Wissen und Unfähigkeit dazu.“ Denken Sie, die Poesie von Igor Severyanin herabzusetzen und ihren Horizont extrem einzuschränken.“ Er wirft dem Dichter schlechten Geschmack und Vulgarität vor und kritisiert besonders scharf seine Kriegsgedichte, die einen „schmerzhaften Eindruck“ machten und „billigen Applaus beim Publikum einbrachten“.
A. Blok hatte bereits 1912 seine Zweifel: „Ich habe Angst vor den Modernisten, dass sie keinen Kern haben, sondern nur talentierte Locken um sich herum, Leere.“
. Die russische Kultur am Vorabend der Großen Oktoberrevolution war das Ergebnis eines komplexen und enormen Weges. Seine charakteristischen Merkmale blieben immer Demokratie, hoher Humanismus und echte Nationalität, trotz Perioden brutaler Regierungsreaktionen, in denen fortschrittliches Denken und fortschrittliche Kultur auf jede erdenkliche Weise unterdrückt wurden.
Das reichste kulturelle Erbe der vorrevolutionären Zeit, über Jahrhunderte geschaffene kulturelle Werte bilden den goldenen Fundus unserer nationalen Kultur

Welimir Chlebnikow
(Wiktor Wladimirowitsch Chlebnikow)
28.X. (09.XI.)1885—28.VI.1922
Khlebnikov erregte Aufmerksamkeit und erregte Interesse durch seine originelle Persönlichkeit, die durch seine für sein Alter seltene Weltanschauung und Unabhängigkeit der Ansichten beeindruckte. Er trifft einen Kreis großstädtischer modernistischer Dichter (darunter Gumilyov und Kuzmin, die er „seinen Lehrer“ nennt) und besucht Vyachs berühmtes „Badehaus“ im künstlerischen Leben St. Petersburgs dieser Jahre. Ivanov, wo sich Schriftsteller, Philosophen, Künstler, Musiker und Schauspieler versammelten.
In den Jahren 1910-1914 wurden seine Gedichte, Gedichte, Dramen und Prosa veröffentlicht, darunter so berühmte wie das Gedicht „Crane“, das Gedicht „Maria Vechora“ und das Theaterstück „Marquise von Deses“. Die erste Broschüre des Dichters mit mathematischen und sprachlichen Experimenten, „Lehrer und Schüler“, wurde in Cherson veröffentlicht. Als Wissenschaftler und Science-Fiction-Autor, Dichter und Publizist ist er völlig in die kreative Arbeit vertieft. Es entstanden die Gedichte „Rural Charm“, „Forest Horror“ usw. und das Theaterstück „The Mistake of Death“. Die Bücher „Roar! Handschuhe. 1908 - 1914“, „Kreationen“ (Band 1). 1916 gab er zusammen mit N. Aseev die Erklärung „Posaune der Marsianer“ heraus, in der Chlebnikows Einteilung der Menschheit in „Erfinder“ und „Erwerber“ formuliert wurde. Die Hauptfiguren seiner Poesie waren die Zeit und das Wort; durch die vom Wort fixierte und in ein räumliches Fragment verwandelte Zeit verwirklichte er für ihn die philosophische Einheit von „Raum-Zeit“. O. Mandelstam schrieb: „Khlebnikov fummelt mit Worten herum wie ein Maulwurf, während er ein ganzes Jahrhundert lang Gänge für die Zukunft in den Boden gegraben hat ...“ 1920 lebte er in Charkow und schrieb viel: „Krieg in der Mausefalle“, „Ladomir“, „Drei Schwestern“, „Ein Kratzer am Himmel“ usw. Im Stadttheater von Charkow findet unter Beteiligung von Jesenin und Mariengof die „blöde“ Wahl Chlebnikows zum „Vorsitzenden des Globus“ statt .
Das Werk von V. Khlebnikov gliedert sich in drei Teile: theoretische Forschung im Bereich Stil und Illustration, poetisches Schaffen und komische Gedichte. Leider werden die Grenzen zwischen ihnen äußerst nachlässig gezogen und oft wird ein wunderbares Gedicht durch eine Beimischung unerwarteter und unangenehmer Witze oder Wortbildungen, die alles andere als durchdacht sind, verdorben.
Viktor Khlebnikov ist sehr sensibel für die Wurzeln von Wörtern und vernachlässigt bewusst die Beugungen, manchmal verwirft er sie vollständig, manchmal verändert er sie bis zur Unkenntlichkeit. Er glaubt, dass jeder Vokal nicht nur die Handlung, sondern auch seine Richtung enthält: So ist der Stier derjenige, der schlägt, die Seite ist das, was getroffen wird; Biber ist das, was gejagt wird, Babr (Tiger) ist derjenige, der jagt usw.
Er nimmt die Wurzel eines Wortes und fügt ihm willkürliche Flexionen hinzu, um neue Wörter zu schaffen. Aus der Wurzel „sme“ ergibt sich also „smekhachi“, „smeevo“, „smeyunchi-ki“, „lachen“ usw.
Als Dichter hegt Viktor Khlebnikov eine glühende Liebe zur Natur. Er ist nie zufrieden mit dem, was er hat. Sein Hirsch verwandelt sich in ein fleischfressendes Tier, er sieht, wie bei der „Vernissage“ tote Vögel auf Damenhüten zum Leben erwachen, wie die Kleidung der Menschen abfällt und sich verwandelt – Wolle in Schafe, Leinen in blaue Flachsblüten.

Osip Mandelstam wurde 1891 in eine jüdische Familie hineingeboren. Von seiner Mutter erbte Mandelstam neben einer Veranlagung zu Herzerkrankungen und Musikalität auch ein ausgeprägtes Gespür für die Klänge der russischen Sprache.
Als Jude beschließt Mandelstam, ein russischer Dichter zu sein – nicht nur „russischsprachig“, sondern eben russisch. Und diese Entscheidung ist nicht so selbstverständlich: Der Beginn des Jahrhunderts war in Russland eine Zeit der raschen Entwicklung der jüdischen Literatur, sowohl auf Hebräisch als auch auf Jiddisch und teilweise auch auf Russisch. Mandelstams Poesie verbindet Judentum und Russland und trägt den Universalismus in sich, indem sie die nationale russische Orthodoxie mit dem nationalen Praktischismus der Juden verbindet.

Mein Personal, meine Freiheit –
Der Kern der Existenz
Wird bald die Wahrheit des Volkes erfahren
Wird die Wahrheit meine werden?

Ich habe mich nicht vor dem Boden verbeugt
Bevor ich mich selbst fand;
Er nahm das Personal und hatte Spaß
Und er ging ins ferne Rom.

Und der Schnee auf den schwarzen Feldern
Sie werden niemals schmelzen
Und die Traurigkeit meiner Familie
Es ist mir immer noch fremd.

Für Mandelstams Generation fielen die erste russische Revolution und die sie begleitenden Ereignisse mit dem Eintritt ins Leben zusammen. Während dieser Zeit begann Mandelstam, sich für Politik zu interessieren, doch dann, an der Wende von der Jugend zur Jugend, verließ er die Politik und wandte sich der Poesie zu.
Mandelstam vermeidet zu auffällige Worte: Er hat weder die Ausgelassenheit raffinierter Archaismen wie Wjatscheslaw Iwanow, noch die Intensivierung von Vulgarismen wie Majakowski, noch die Fülle an Neologismen wie Zwetajewa, noch den Zustrom alltäglicher Ausdrücke und Wörter wie Pasternak .
Es gibt Keuschheitszauber -
Hohe Harmonie, tiefer Frieden,
Weit weg von den ätherischen Leiern
Larks wurde von mir installiert.

In gründlich gewaschenen Nischen
Während der Stunden aufmerksamer Sonnenuntergänge
Ich höre auf meine Penaten
Immer hinreißende Stille.

Der Beginn des Ersten Weltkriegs – die Zeitenwende:

Mein Alter, mein Biest, wer kann
Schauen Sie in Ihre Schüler
Und mit seinem Blut wird er kleben
Zwei Jahrhunderte Wirbel?

Mandelstam stellt fest, dass die Zeit für den endgültigen Abschied von Alexanders Russland (Alexander III. und Alexander Puschkin), dem europäischen, klassischen, architektonischen Russland, vorbei ist. Doch vor ihrem Ende ist es genau die zum Scheitern verurteilte „Größe“, genau „historische Formen und Ideen“, die den Geist des Dichters umgeben. Er muss von ihrer inneren Leere überzeugt sein – nicht durch äußere Ereignisse, sondern durch die innere Erfahrung der Bemühungen, mit der „souveränen Welt“ zu sympathisieren, sich in ihre Struktur hineinzufühlen. Er verabschiedet sich auf seine eigene Art von ihm, indem er alte Motive sortiert, ordnet und mit den Mitteln der Poesie eine Art Katalog für sie zusammenstellt. In Mandelstams Chiffriersystem ist das zum Scheitern verurteilte Petersburg gerade in seiner Eigenschaft als kaiserliche Hauptstadt gleichbedeutend mit Judäa, von dem es heißt, dass es nach der Kreuzigung Christi „versteinert“ sei und mit dem heiligen Abtrünnigen und untergehenden Jerusalem in Verbindung gebracht werde. Die Farben, die die Grundlage des gnadenvollen Judentums charakterisieren, sind Schwarz und Gelb. Das sind also die Farben, die die „souveräne Welt“ von St. Petersburg charakterisieren (die Farben der russischen Kaiserstandarte).
Die bedeutendste Antwort Mandelstams auf die Revolution von 1917 war das Gedicht „Twilight of Freedom“. Es ist sehr schwierig, es im trivialen Sinne unter die Rubrik „Akzeptanz“ oder „Nichtakzeptanz“ der Revolution zu fassen, aber das Thema der Verzweiflung klingt darin sehr laut:

Lasst uns, Brüder, die Dämmerung der Freiheit verherrlichen,
Tolles Dämmerungsjahr!
In das kochende Nachtwasser
Der schwere Netzwald wird abgesenkt.
Du stehst in den dunklen Jahren auf, -
Oh, Sonne, Richter, Leute.

Lasst uns die tödliche Last verherrlichen,
Was der Volksführer unter Tränen aufnimmt.
Lasst uns die Macht der düsteren Last verherrlichen,
Ihre unerträgliche Unterdrückung.
Wer ein Herz hat, muss hören, Zeit,
Während dein Schiff untergeht.

Wir kämpfen gegen Legionen
Sie haben die Schwalben gefesselt – und hier sind sie
Die Sonne ist nicht sichtbar; alle Elemente
Zirpen, Bewegungen, Leben;
Durch die Netze - dichte Dämmerung -
Die Sonne ist nicht sichtbar und die Erde schwebt.

Nun, versuchen wir es: riesig, ungeschickt,
Knarrendes Lenkrad.
Die Erde schwimmt. Habt Mut, Männer.
Den Ozean teilen wie ein Pflug,
Wir werden uns auch in der Lethean-Kälte daran erinnern,
Dass die Erde uns zehn Himmel gekostet hat.

In diesem Bericht habe ich versucht, über die interessantesten Autoren und ihre Werke zu sprechen. Ich habe bewusst Schriftsteller ausgewählt, die nicht so berühmt waren wie zum Beispiel: I. Bunin und N. Gumilyov, A. Blok und V. Mayakovsky, S. Yesenin und A. Akhmatova, A. Kuprin. Aber zu ihrer Zeit nicht weniger brillant und berühmt.

Dichter des „Silbernen Zeitalters“ (Nikolai Gumilyov)
Das „Silberne Zeitalter“ in der russischen Literatur ist die Schaffenszeit der Hauptvertreter der Moderne, die Zeit des Erscheinens vieler talentierter Autoren. Konventionell gilt das Jahr 1892 als Beginn des „Silbernen Zeitalters“, sein tatsächliches Ende kam jedoch mit der Oktoberrevolution.
Modernistische Dichter lehnten soziale Werte ab und versuchten, Gedichte zu schaffen, die die spirituelle Entwicklung des Menschen fördern sollten. Eine der berühmtesten Bewegungen in der modernistischen Literatur war der Akmeismus. Die Acmeisten proklamierten die Befreiung der Poesie von symbolistischen Impulsen zum „Idealen“ und forderten eine Rückkehr von der Polysemie der Bilder zur materiellen Welt, zum Objekt, zur „Natur“. Ihre Poesie hatte aber auch eine Tendenz zum Ästhetizismus, zur Poetisierung von Gefühlen. Dies zeigt sich deutlich im Werk eines prominenten Vertreters des Akmeismus, eines der besten russischen Dichter des frühen 20. Jahrhunderts, Nikolai Gumilyov, dessen Gedichte uns mit der Schönheit des Wortes und der Erhabenheit der geschaffenen Bilder in Erstaunen versetzen.
Gumilyov selbst nannte seine Poesie die Muse ferner Reisen, der Dichter blieb ihr bis ans Ende seiner Tage treu. Die berühmte Ballade „Captains“ aus der Gedichtsammlung „Pearls“, die Gumilev großen Ruhm einbrachte, ist eine Hymne an Menschen, die das Schicksal und die Elemente herausfordern. Der Dichter erscheint vor uns als Sänger der Romantik ferner Reisen, Mut, Risiko, Mut:

Die Schnellflügeligen werden von Kapitänen angeführt -
Entdecker neuer Länder,
Für diejenigen, die keine Angst vor Hurrikanen haben,
Wer hat Malströme und Untiefen erlebt?
Wessen ist nicht der Staub verlorener Urkunden -
Die Brust ist vom Salz des Meeres getränkt,
Wer ist die Nadel auf der zerrissenen Karte?
Markiert seinen mutigen Weg.

Auch in den Militärtexten von Nikolai Gumilyov finden sich romantische Motive. Hier ist ein Auszug aus einem Gedicht aus der Sammlung „Quiver“:

Und blutgetränkte Wochen
Blendend und leicht
Schrapnell explodiert über mir,
Klingen fliegen schneller als Vögel.
Ich schreie und meine Stimme ist wild
Das ist Kupfer, das auf Kupfer trifft,
Ich, der Träger großer Gedanken,
Ich kann nicht, ich kann nicht sterben.
Wie Donnerhämmer
Oder das Wasser wütender Meere,
Goldenes Herz Russland
Es schlägt rhythmisch in meiner Brust.

Die Romantisierung von Schlachten und Heldentaten war ein Merkmal von Gumilyov – einem Dichter und Mann mit einem klar zum Ausdruck gebrachten seltenen ritterlichen Prinzip sowohl in der Poesie als auch im Leben. Zeitgenossen nannten Gumilyov einen Dichter-Krieger. Einer von ihnen schrieb: „Er hat den Krieg mit Einfachheit angenommen ... mit direktem Eifer. Er war vielleicht einer der wenigen Menschen in Russland, deren Seele der Krieg in größter Kampfbereitschaft fand.“ Wie Sie wissen, meldete sich Nikolai Gumilyov während des Ersten Weltkriegs freiwillig an die Front. Anhand seiner Prosa und Poesie können wir schließen, dass der Dichter nicht nur militärische Heldentaten romantisierte, sondern auch den ganzen Schrecken des Krieges sah und erkannte.
In der Sammlung „Quiver“ beginnt ein neues Thema für Gumilyov aufzutauchen – das Thema Russland. Hier sind völlig neue Motive zu hören – die Kreationen und das Genie von Andrei Rublev und ein blutiger Haufen Ebereschen, Eisgang auf der Newa und die alte Rus. Nach und nach erweitert er seine Themen und gelangt in einigen Gedichten zu tiefsten Einsichten, als würde er sein eigenes Schicksal vorhersagen:

Er steht vor einer glühenden Schmiede,
Ein kleiner alter Mann.
Ein ruhiger Blick wirkt unterwürfig
Vom Blinzeln rötlicher Augenlider.
Alle seine Kameraden schliefen ein,
Er ist der Einzige, der noch wach ist:
Er ist ganz damit beschäftigt, eine Kugel abzuwerfen,
Was wird mich von der Erde trennen?

Die letzten lebenslangen Gedichtsammlungen von N. Gumilyov wurden 1921 veröffentlicht – dies sind „Zelt“ (afrikanische Gedichte) und „Feuersäule“. In ihnen sehen wir einen neuen Gumilyov, dessen poetische Kunst durch die Einfachheit hoher Weisheit, reine Farben und den meisterhaften Einsatz prosaischer, alltäglicher und fantastischer Details bereichert wurde. In den Werken von Nikolai Gumilyov finden wir ein Spiegelbild der Welt um uns herum in all ihren Farben. Seine Gedichte beinhalten exotische Landschaften und Bräuche Afrikas. Der Dichter dringt tief in die Welt der Legenden und Traditionen Abessiniens, Roms und Ägyptens ein:

Ich kenne lustige Geschichten mit mysteriösen Zeilen
Über die schwarze Jungfrau, über die Leidenschaft des jungen Anführers,
Aber du hast zu lange den dichten Nebel eingeatmet,
Sie wollen an nichts anderes als an Regen glauben.
Und wie kann ich Ihnen etwas über den tropischen Garten erzählen,
Von schlanken Palmen, vom Duft unglaublicher Kräuter.
Du schreist? Hören Sie... weit weg, am Tschadsee
Eine exquisite Giraffe wandert.

Jedes Gedicht von Gumilev eröffnet eine neue Facette der Ansichten, Stimmungen und Weltanschauungen des Dichters. Inhalt und anspruchsvoller Stil Gumilyovs Gedichte helfen uns, die Fülle des Lebens zu spüren. Sie sind eine Bestätigung dafür, dass der Mensch selbst in der Lage ist, eine helle, farbenfrohe Welt zu schaffen und sich vom grauen Alltag zu lösen. Nikolai Gumilyov, ein hervorragender Künstler, hinterließ ein interessantes Erbe und hatte maßgeblichen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Poesie.

Gumilev Nikolay Stepanowitsch
N. S. Gumilyov wurde in Kronstadt in der Familie eines Militärarztes geboren. Im Jahr 1906 erhielt er eine Abschlussbescheinigung des Nikolaev-Zarkoje-Selo-Gymnasiums, dessen Direktor I. F. Annensky war. Im Jahr 1905 erschien die erste Sammlung des Dichters, „Der Weg der Konquistadoren“, die die Aufmerksamkeit von V. Ya. Bryusov erregte. Die Charaktere der Sammlung scheinen den Seiten von Abenteuerromanen aus der Zeit der Eroberung Amerikas zu entstammen, die der Dichter in seiner Jugend las. Der lyrische Held identifiziert sich mit ihnen – „ein Konquistador in einer eisernen Hülle“. Die Originalität der Sammlung, vollgestopft mit gängigen literarischen Passagen und poetischen Konventionen, wurde durch die Merkmale verliehen, die in Gumilyovs Lebensverhalten vorherrschten: Liebe zum Exotischen, Romantik des Heldentums, Lebenswille und Kreativität.
1907 reiste Gumilev nach Paris, um seine Ausbildung an der Sorbonne fortzusetzen, wo er Vorlesungen über französische Literatur besuchte. Er verfolgt mit Interesse das künstlerische Leben Frankreichs, nimmt einen Briefwechsel mit V. Ya. Bryusov auf und gibt die Zeitschrift „Sirius“ heraus. In Paris erschien 1908 Gumilyovs zweite Sammlung „Romantische Blumen“, in der der Leser erneut auf literarische und historische Exotik treffen sollte, die subtile Ironie, die einzelne Gedichte berührte, jedoch die konventionellen Techniken der Romantik in einen Spielplan übersetzt und Damit werden die Konturen der Positionen des Autors umrissen. Gumilyov arbeitet hart an dem Vers und erreicht dessen „Flexibilität“, „selbstbewusste Strenge“, wie er in seinem programmatischen Gedicht „An den Dichter“ schrieb, und in der von ihm verfolgten Art, „den Realismus der Beschreibungen in die phantastischsten Handlungsstränge einzuführen“. die Traditionen von Lecomte de Lisle, dem französischen Dichter-Parnassianer, der diesen Weg als „Erlösung“ vor symbolistischen „Nebeln“ betrachtet. Laut I. F. Annensky spiegelte dieses „Buch nicht nur die Suche nach Schönheit, sondern auch die Schönheit der Suche“ wider.
Im Herbst 1908 unternahm Gumilev seine erste Reise nach Afrika, nach Ägypten. Der afrikanische Kontinent faszinierte den Dichter: Er wurde zum Pionier des afrikanischen Themas in der russischen Poesie. Die Bekanntschaft mit Afrika „von innen“ erwies sich auf den folgenden Reisen im Winter 1909 - 1910 und 1910 - 1911 als besonders fruchtbar. in Abessinien, deren Eindrücke sich im Zyklus „Abessinische Lieder“ (Sammlung „Alien Sky“) widerspiegelten.
Seit September 1909 war Gumilyov Student an der Fakultät für Geschichte und Philologie der Universität St. Petersburg. Im Jahr 1910 wurde die Sammlung „Perlen“ mit einer Widmung an den „Lehrer“ V. Ya. Bryusov veröffentlicht. Der ehrwürdige Dichter antwortete mit einer Rezension, in der er feststellte, dass Gumilyov „in einer imaginären und fast gespenstischen Welt lebt … er selbst erschafft Länder für sich und bevölkert sie mit Kreaturen, die er selbst erschaffen hat: Menschen, Tiere, Dämonen.“ Gumilyov gibt die Helden seiner frühen Bücher nicht auf, aber sie haben sich merklich verändert. In seiner Poesie intensiviert sich der Psychologismus; statt „Masken“ treten Menschen mit eigenen Charakteren und Leidenschaften auf. Was auch Aufmerksamkeit erregte, war das Selbstvertrauen, mit dem der Dichter die Kunst der Poesie beherrschte.
Zu Beginn der 1910er Jahre war Gumilyov bereits eine prominente Persönlichkeit in St. Petersburger Literaturkreisen. Er ist Mitglied der „jungen“ Redaktion der Zeitschrift „Apollo“, wo er regelmäßig „Briefe zur russischen Poesie“ veröffentlicht – literaturkritische Studien, die eine neue Art der „objektiven“ Rezension darstellen. Ende 1911 leitete er die „Werkstatt der Dichter“, um die sich eine Gruppe Gleichgesinnter bildete, und fungierte als ideologischer Inspirator einer neuen literarischen Bewegung – des Akmeismus, deren Grundprinzipien er verkündete der Manifestartikel „Das Erbe des Symbolismus und des Akmeismus“. Eine poetische Veranschaulichung seiner theoretischen Ideen war seine Sammlung „Alien Sky“ (1912) – der Höhepunkt von Gumilyovs „objektiven“ Texten. Laut M.A. Kuzmin ist das Wichtigste in der Sammlung die Identifikation des lyrischen Helden mit Adam, dem ersten Menschen. Der akmeistische Dichter ist wie Adam, der Entdecker der Welt der Dinge. Er gibt den Dingen „jungfräuliche Namen“, frisch in ihrer ursprünglichen Natur, befreit von früheren poetischen Kontexten. Gumilyov formulierte nicht nur ein neues Konzept des poetischen Wortes, sondern auch sein Verständnis des Menschen als eines Wesens, das sich seiner natürlichen Realität, seiner „weisen Physiologie“ bewusst ist und die Fülle der ihn umgebenden Existenz in sich aufnimmt.
Mit Ausbruch des Ersten Weltkriegs meldete sich Gumilyov freiwillig an der Front. In der Zeitung „Birzhevye Vedomosti“ veröffentlicht er Chronikaufsätze „Notizen eines Kavalleristen“. 1916 erschien das Buch „Quiver“, das sich von den Vorgängern vor allem durch die Erweiterung des thematischen Spektrums unterschied. Italienische Reiseskizzen koexistieren mit meditativen Gedichten mit philosophischem und existenziellem Inhalt. Hier erklingt zum ersten Mal das russische Thema, die Seele des Dichters reagiert auf den Schmerz seines vom Krieg zerstörten Heimatlandes. Sein der Realität zugewandter Blick erlangt die Fähigkeit, sie zu durchschauen. Die in der Sammlung „Bonfire“ (1918) enthaltenen Gedichte spiegelten die Intensität der spirituellen Suche des Dichters wider. Mit der Vertiefung der Philosophie von Gumilyovs Poesie erscheint die Welt in seinen Gedichten zunehmend als göttlicher Kosmos („Bäume“, „Natur“). Ihn beschäftigen „ewige“ Themen: Leben und Tod, die Verderbnis des Körpers und die Unsterblichkeit des Geistes, die Andersartigkeit der Seele.
Gumilev war kein Augenzeuge der revolutionären Ereignisse von 1917. Zu dieser Zeit war er als Teil der russischen Expeditionstruppe im Ausland: in Paris, dann in London. Seine kreativen Aktivitäten in dieser Zeit sind geprägt von einem Interesse an der östlichen Kultur. Gumilev stellte seine Sammlung „The Porcelain Pavilion“ (1918) aus kostenlosen Transkriptionen französischer Übersetzungen klassischer chinesischer Poesie (Li Bo, Du Fu usw.) zusammen. Der „orientalische“ Stil wurde von Gumilyov als eine Art Schule der „verbalen Ökonomie“, poetischer „Einfachheit, Klarheit und Authentizität“ wahrgenommen, die seinen ästhetischen Prinzipien entsprach.
Als Gumilyov 1918 nach Russland zurückkehrte, engagierte er sich sofort mit seiner ihm eigenen Energie im literarischen Leben Petrograds. Er ist Mitglied der Redaktion des Verlags „World Literature“, unter seiner Herausgeberschaft und in seiner Übersetzung erscheinen das babylonische Epos „Gilgamesch“, die Werke von R. Southey, G. Heine, S. T. Coleridge. Er hält Vorlesungen über Vers- und Übersetzungstheorie an verschiedenen Institutionen und leitet das Atelier junger Dichter „Sounding Shell“. Laut einem Zeitgenossen des Dichters, dem Kritiker A. Ya. Levinson, „fühlten sich junge Menschen von allen Seiten zu ihm hingezogen und unterwarfen sich bewundernd dem Despotismus des jungen Meisters, der den Stein der Weisen der Poesie schwang …“
Im Januar 1921 wurde Gumilyov zum Vorsitzenden der Petrograder Zweigstelle des Dichterverbandes gewählt. Im selben Jahr erschien das letzte Buch „Die Feuersäule“. Nun befasst sich der Dichter mit einem philosophischen Verständnis der Probleme des Gedächtnisses, der schöpferischen Unsterblichkeit und des Schicksals des poetischen Wortes. Individuell Lebenskraft, das zuvor Gumilyovs poetische Energie nährte, verschmilzt mit dem Überindividuellen. Der Held seiner Texte denkt über das Unerkennbare nach und stürmt, bereichert durch innere spirituelle Erfahrungen, in das „Indien des Geistes“. Dies war keine Rückkehr in die Kreise des Symbolismus, aber es ist klar, dass Gumilyov in seiner Weltanschauung einen Platz für jene Errungenschaften des Symbolismus gefunden hat, die, wie es ihm zur Zeit des akmeistischen „Sturm und Drang“ schien, an der Spitze standen „in das Reich des Unbekannten.“ Das Thema der Vertrautheit mit dem Weltleben, das in Gumilyovs letzten Gedichten erklingt, stärkt die Motive der Empathie und des Mitgefühls und verleiht ihnen eine universelle und zugleich zutiefst persönliche Bedeutung.
Gumilyovs Leben wurde auf tragische Weise unterbrochen: Er wurde als Teilnehmer einer konterrevolutionären Verschwörung hingerichtet, die, wie nun bekannt wurde, erfunden war. In den Köpfen von Gumilyovs Zeitgenossen weckte sein Schicksal Assoziationen mit dem Schicksal eines Dichters einer anderen Zeit – Andre Chenier, der während der Großen Französischen Revolution von den Jakobinern hingerichtet wurde.

„Silbernes Zeitalter“ der russischen Literatur
Komposition
V. Bryusov, N. Gumilev, V. Mayakovsky
Das 19. Jahrhundert, das „goldene Zeitalter“ der russischen Literatur, ging zu Ende und das 20. Jahrhundert begann. Dieser Wendepunkt ging unter dem schönen Namen „Silberzeitalter“ in die Geschichte ein. Es war der Beginn des großen Aufstiegs der russischen Kultur und der Beginn ihres tragischen Niedergangs. Der Beginn des „Silbernen Zeitalters“ wird üblicherweise den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts zugeschrieben, als die Gedichte von V. Bryusov, I. Annensky, K. Balmont und anderen wunderbaren Dichtern erschienen. Als Höhepunkt des „Silbernen Zeitalters“ gilt das Jahr 1915 – die Zeit seines größten Aufstiegs und Endes. Die gesellschaftspolitische Situation dieser Zeit war geprägt von einer tiefen Krise der bestehenden Regierung, einer stürmischen, unruhigen Atmosphäre im Land, die entscheidende Veränderungen erforderte. Vielleicht kreuzten sich deshalb die Wege von Kunst und Politik. Während die Gesellschaft intensiv nach Wegen zu einem neuen Gesellschaftssystem suchte, versuchten Schriftsteller und Dichter, neue künstlerische Formen zu meistern und kühne experimentelle Ideen vorzuschlagen. Die realistische Darstellung der Realität befriedigte die Künstler nicht mehr und in der Polemik mit den Klassikern des 19. Jahrhunderts etablierten sich neue literarische Strömungen: Symbolismus, Akmeismus, Futurismus. Sie boten unterschiedliche Möglichkeiten, die Existenz zu verstehen, aber jede von ihnen zeichnete sich durch die außergewöhnliche Musik der Verse, den originellen Ausdruck der Gefühle und Erfahrungen des lyrischen Helden und einen Fokus auf die Zukunft aus.
Eine der ersten literarischen Strömungen war der Symbolismus, der so unterschiedliche Dichter wie K. Balmont, V. Bryusov, A. Bely und andere vereinte. Die Theoretiker des Symbolismus glaubten, dass der Künstler mit Hilfe von Bildsymbolen neue Kunst schaffen sollte helfen, die Stimmungen, Gefühle und Gedanken des Dichters auf eine verfeinerte und allgemeinere Weise auszudrücken. Darüber hinaus können Wahrheit und Einsicht bei einem Künstler nicht durch Reflexion entstehen, sondern in einem Moment kreativer Ekstase, als ob sie ihm von oben geschickt würden. Symbolistische Dichter trugen ihre Träume nach oben und stellten globale Fragen darüber, wie man die Menschheit retten, den Glauben an Gott wiederherstellen, Harmonie erreichen und mit der Seele der Welt, der ewigen Weiblichkeit, Schönheit und Liebe verschmelzen kann.
V. Bryusov wurde zum anerkannten Symboliker und verkörperte in seinen Gedichten nicht nur die formalen innovativen Errungenschaften dieser Bewegung, sondern auch ihre Ideen. Bryusovs ursprüngliches kreatives Manifest war ein kurzes Gedicht „An den jungen Dichter“, das von Zeitgenossen als Programm der Symbolik wahrgenommen wurde.

Ein blasser junger Mann mit brennendem Blick,
Jetzt gebe ich dir drei Bündnisse:
Akzeptiere zunächst: Lebe nicht in der Gegenwart,
Nur die Zukunft ist die Domäne des Dichters.

Denken Sie an das zweite: Mitfühlen Sie mit niemandem,
Liebe dich selbst unendlich.
Behalten Sie das Dritte: Anbetungskunst,
Nur für ihn, gedankenlos, ziellos.
Natürlich beschränkt sich die vom Dichter verkündete schöpferische Aussage nicht auf den Inhalt dieses Gedichts. Bryusovs Poesie ist vielfältig, facettenreich und polyphon, wie das Leben, das sie widerspiegelt. Er hatte die seltene Gabe, jede Stimmung, jede Bewegung der Seele erstaunlich genau wiederzugeben. Das vielleicht Hauptmerkmal seiner Poesie liegt in der präzise gefundenen Verbindung von Form und Inhalt.

Und ich möchte, dass alle meine Träume es tun
Nachdem ich das Wort und das Licht erreicht hatte,
Wir haben die Eigenschaften gefunden, die wir wollten.
Das schwierige Ziel, das Bryusov in „Sonnet to Form“ zum Ausdruck brachte, wurde meiner Meinung nach erreicht. Und dies wird durch seine erstaunliche Poesie bestätigt. In dem Gedicht „Kreativität“ gelang es Bryusov, das Gefühl der ersten, noch halbbewussten Phase der Kreativität zu vermitteln, in der sich das zukünftige Werk „durch einen magischen Kristall“ noch vage abzeichnet.

Schatten der ungeschaffenen Kreaturen
schwankt im Schlaf,
Wie das Flicken von Klingen
Auf einer Emaillewand.

Lila Hände
Auf der Emailwand
Im Halbschlaf Geräusche zeichnen
In klingender Stille.
Die Symbolisten betrachteten das Leben als das Leben eines Dichters. Die Konzentration auf sich selbst ist charakteristisch für das Werk des bemerkenswerten symbolistischen Dichters K. Balmont. Er selbst war Sinn, Thema, Bild und Zweck seiner Gedichte. I. Ehrenburg hat dieses Merkmal seiner Poesie sehr genau bemerkt: „Balmont bemerkte nichts auf der Welt außer seiner eigenen Seele.“ Tatsächlich existierte die Außenwelt für ihn nur, um sein poetisches Selbst auszudrücken.

Ich hasse die Menschheit
Ich renne eilig vor ihm weg.
Mein geeintes Vaterland –
Meine Wüstenseele.
Der Dichter wurde nicht müde, den unerwarteten Wendungen seiner Seele, seinen wechselhaften Eindrücken zu folgen. Balmont versuchte, flüchtige Momente, die vergehende Zeit in Bildern und Worten festzuhalten und die Flüchtigkeit zu einem philosophischen Prinzip zu erheben.

Ich kenne keine Weisheit, die für andere geeignet ist,
Ich komponiere nur flüchtige Momente in Versen.
In jedem flüchtigen Moment sehe ich Welten,
Voller wechselnder Regenbogenspiele.
Die Bedeutung dieser Zeilen ist wahrscheinlich, dass ein Mensch jeden Moment leben sollte, in dem sich die Fülle seines Wesens offenbart. Und die Aufgabe des Künstlers besteht darin, diesen Moment der Ewigkeit zu entreißen und in Worte zu fassen. Symbolistische Dichter konnten ihre Epoche mit ihrer Instabilität, Instabilität und ihrem Übergang in der Poesie zum Ausdruck bringen.
So wie die Ablehnung des Realismus den Symbolismus hervorbrachte, entstand im Zuge der Polemik mit dem Symbolismus eine neue literarische Bewegung – der Akmeismus. Er lehnte das Verlangen der Symbolik nach dem Unbekannten ab, die Konzentration auf die Welt seiner eigenen Seele. Laut Gumilev sollte der Akmeismus nicht nach dem Unerkennbaren streben, sondern sich dem Verstehen zuwenden, also der realen Realität, und versuchen, die Vielfalt der Welt so umfassend wie möglich zu erfassen. Mit dieser Sichtweise lässt sich der akmeistische Künstler im Gegensatz zu den Symbolisten auf den Weltrhythmus ein, gibt jedoch Einschätzungen zu den dargestellten Phänomenen ab. Wenn man versucht, die Essenz des Programms des Akmeismus zu verstehen, stößt man im Allgemeinen auf offensichtliche Widersprüche und Inkonsistenzen. Meiner Meinung nach hatte Bryusov Recht, als er Gumilyov, Gorodetsky und Achmatova riet, „den fruchtlosen Anspruch aufzugeben, eine Art Schule des Akmeismus zu gründen“ und stattdessen gute Gedichte zu schreiben. Tatsächlich ist der Name Akmeismus heute, am Ende des 20. Jahrhunderts, nur deshalb erhalten geblieben, weil die Werke so herausragender Dichter wie N. Gumilev, A. Akhmatova und O. Mandelstam damit verbunden sind.
Gumilyovs frühe Gedichte verblüffen durch ihre romantische Männlichkeit, ihre rhythmische Energie und ihre emotionale Intensität. In seinen berühmten „Captains“ erscheint die ganze Welt als Schauplatz des Kampfes, des ständigen Risikos, der höchsten Spannung der Kräfte am Rande von Leben und Tod.

Lass das Meer verrückt spielen und peitschen,
Die Wellenkämme stiegen in den Himmel -
Niemand zittert vor einem Gewitter,
Keiner wird die Segel hissen.
In diesen Zeilen hört man eine kühne Herausforderung an die Elemente und das Schicksal; ihnen stehen Risikobereitschaft, Mut und Furchtlosigkeit gegenüber. Exotische Landschaften und Bräuche Afrikas, Dschungel, Wüsten, wilde Tiere, der geheimnisvolle Tschadsee – diese ganze wunderbare Welt verkörpert die Kollektion „Romantic Flowers“. Nein, das ist keine Romanze. Es scheint, dass der Dichter selbst unsichtbar anwesend und in die Gedichte eingebunden ist. Sein Eindringen in die Welt der Legenden und Traditionen Abessiniens, Roms, Ägyptens und anderer für Europäer exotischer Länder ist so tief. Doch trotz aller Virtuosität in der Darstellung der Realität sind soziale Motive bei Gumilyov und anderen akmeistischen Dichtern äußerst selten. Der Akmeismus zeichnete sich durch extreme Unpolitik und völlige Gleichgültigkeit gegenüber den drängenden Problemen unserer Zeit aus.
Dies ist wahrscheinlich der Grund, warum der Akmeismus einer neuen literarischen Bewegung weichen musste – dem Futurismus, der sich durch revolutionäre Rebellion, oppositionelle Gefühle gegenüber der bürgerlichen Gesellschaft, ihrer Moral, ihrem ästhetischen Geschmack und dem gesamten System der sozialen Beziehungen auszeichnete. Nicht umsonst trug die erste Sammlung von Futuristen, die sich als Dichter der Zukunft betrachteten, den offensichtlich provokanten Titel „Ein Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks“. Mayakovskys frühes Werk war mit dem Futurismus verbunden. In seinen jugendlichen Gedichten spürt man den Wunsch des aufstrebenden Dichters, den Leser mit der Neuheit und Ungewöhnlichkeit seiner Weltanschauung zu überraschen. Und Mayakovsky hat es wirklich geschafft. In dem Gedicht „Nacht“ verwendet er beispielsweise einen unerwarteten Vergleich, indem er die beleuchteten Fenster mit der Hand eines Spielers mit einem Kartenfächer vergleicht. Daher entsteht im Kopf des Lesers das Bild eines Stadtspielers, besessen von Versuchungen, Hoffnungen und dem Durst nach Vergnügen. Aber die Morgendämmerung, die die Laternen, „Könige in der Krone aus Gas“, auslöscht, zerstreut die nächtliche Fata Morgana.

Das Purpurrot und das Weiß werden weggeworfen und zerknittert,
Sie warfen eine Handvoll Dukaten ins Grüne,
Und die schwarzen Handflächen der zusammenlaufenden Fenster
Es wurden brennende gelbe Karten verteilt.
Ja, diese Zeilen ähneln überhaupt nicht den Gedichten der klassischen Dichter. Sie zeigen deutlich die kreative Aussage der Futuristen, die die Kunst der Vergangenheit leugnen. Dichter wie V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, V. Kamensky erkannten in der Verbindung von Poesie und Kampf den besonderen Geisteszustand ihrer Zeit und versuchten, neue Rhythmen und Bilder für die poetische Verkörperung des brodelnden revolutionären Lebens zu finden.
Die Schicksale der bemerkenswerten Dichter des „Silbernen Zeitalters“ verliefen anders. Einige konnten das Leben in ihrer unwirtlichen Heimat nicht ertragen, einige, wie Gumilyov, wurden ohne Schuldgefühle erschossen, einige, wie Achmatowa, blieben bis zu ihren letzten Tagen in ihrer Heimat und erlebten alle damit verbundenen Probleme und Sorgen, einige nannten die „Kugelspitze“. am Ende“, wie Mayakovsky. Aber sie alle haben zu Beginn des 20. Jahrhunderts ein wahres Wunder geschaffen – das „Silberne Zeitalter“ der russischen Poesie.

Analyse von N. Gumilyovs Gedicht „Giraffe“
Nikolai Gumilyov vereinte Mut, Mut, eine poetische Fähigkeit, die Zukunft vorherzusagen, eine kindliche Neugier auf die Welt und eine Leidenschaft für das Reisen. Dem Dichter gelang es, diese Qualitäten und Fähigkeiten in poetische Form zu bringen.
Gumilyov fühlte sich schon immer zu exotischen Orten und schönen, musikalisch klingenden Namen und hellen, fast schattenlosen Gemälden hingezogen. In die Sammlung „Romantische Blumen“ wurde das Gedicht „Giraffe“ (1907) aufgenommen, das lange Zeit „ Visitenkarte„Gumilyov in der russischen Literatur.
Schon in seiner frühen Jugend legte Nikolai Gumilyov besonderen Wert auf die Komposition eines Werkes und die Vollständigkeit seiner Handlung. Der Dichter nannte sich selbst einen „Meister der Märchen“, der in seinen Gedichten blendend helle, sich schnell verändernde Bilder mit außergewöhnlicher Melodie und Musikalität der Erzählung verband.

Eine exquisite Giraffe wandert.

Der lyrische Held spricht eine mysteriöse Frau an, über die wir nur anhand der Position des Autors urteilen können, und führt einen Dialog mit dem Leser, einem der Zuhörer seines exotischen Märchens. Eine Frau, in ihre Sorgen versunken, traurig, will an nichts glauben – warum nicht der Leser? Wenn wir dieses oder jenes Gedicht lesen, äußern wir wohl oder übel unsere Meinung über das Werk, kritisieren es auf die eine oder andere Weise, stimmen nicht immer mit der Meinung des Dichters überein und verstehen sie manchmal überhaupt nicht. Nikolai Gumilyov gibt dem Leser die Möglichkeit, den Dialog zwischen dem Dichter und dem Leser (Hörer seiner Gedichte) von außen zu beobachten.
In seinem fabelhaften Gedicht vergleicht der Dichter zwei Räume, die auf der Skala des menschlichen Bewusstseins weit entfernt und auf der Skala der Erde sehr nahe sind. Der Dichter sagt fast nichts über den Raum, der „hier“ ist, und das ist auch nicht notwendig. Hier herrscht nur „dichter Nebel“, den wir jede Minute einatmen. In der Welt, in der wir leben, gibt es nur noch Traurigkeit und Tränen. Dies lässt uns glauben, dass der Himmel auf Erden unmöglich ist. Nikolai Gumilyov versucht das Gegenteil zu beweisen: „...weit, weit weg, am Tschadsee // Eine exquisite Giraffe wandert.“ Normalerweise wird der Ausdruck „weit, weit weg“ mit einem Bindestrich geschrieben und bezeichnet etwas völlig Unerreichbares. Allerdings lenkt der Dichter, vielleicht mit einer gewissen Ironie, die Aufmerksamkeit des Lesers auf die Frage, ob dieser Kontinent wirklich so weit entfernt ist. Es ist bekannt, dass Gumilyov die Gelegenheit hatte, Afrika zu besuchen, um die von ihm beschriebenen Schönheiten mit eigenen Augen zu sehen (das Gedicht „Giraffe“ wurde vor Gumilyovs erster Reise nach Afrika geschrieben).
Die Welt, in der der Leser lebt, ist völlig farblos, das Leben scheint hier in Grautönen zu fließen. Wie ein kostbarer Diamant funkelt und schimmert die Welt am Tschadsee. Nikolai Gumilyov verwendet in seinen Werken wie andere akmeistische Dichter keine bestimmten Farben, sondern Objekte, die dem Leser die Möglichkeit geben, sich in seiner Fantasie den einen oder anderen Farbton vorzustellen: Die Haut einer Giraffe, die mit einem magischen Muster verziert ist, scheint dies zu tun Ich bin leuchtendes Orange mit rotbraunen Flecken, die dunkelblaue Farbe der Wasseroberfläche, auf der sich Mondlichtblitze wie ein goldener Fächer ausbreiten, die leuchtend orangefarbenen Segel eines Schiffes, das im Sonnenuntergang fährt. Anders als in der Welt, die wir gewohnt sind, ist die Luft in diesem Raum frisch und sauber, sie absorbiert die Verdunstung des Tschadsees, „den Geruch unvorstellbarer Kräuter“...
Es war kein Zufall, dass Nikolai Gumilyov in diesem Gedicht die Giraffe wählte. Fest auf den Beinen stehend, mit langem Hals und einem „magischen Muster“ auf der Haut ist die Giraffe zum Helden vieler Lieder und Gedichte geworden. Vielleicht können wir eine Parallele zwischen diesem exotischen Tier und einem Menschen ziehen: Auch er ist ruhig, stattlich und anmutig gebaut. Der Mensch neigt auch dazu, sich über alle Lebewesen zu stellen. Wenn die Giraffe jedoch friedlich ist und ihr von der Natur „anmutige Harmonie und Glückseligkeit“ geschenkt wird, dann ist der Mensch von Natur aus dazu geschaffen, in erster Linie mit seinesgleichen zu kämpfen.

Analyse des Gedichts von N.S. Gumilyov „Giraffe“
1908 erschien in Paris Nikolai Gumilyovs zweites Buch „Romantische Blumen“, das von Valery Bryusov positiv bewertet wurde. In diesem Buch wurde erstmals das Gedicht „Giraffe“ veröffentlicht.
Das Gedicht besteht aus fünf Vierzeilern (zwanzig Zeilen). Die Idee des Gedichts besteht darin, die Schönheiten und Wunder Afrikas zu beschreiben. Gumilev spricht ausführlich, farbenfroh und anschaulich über die Landschaften des heißen Landes. Nikolai Stepanowitsch konnte diese Pracht tatsächlich beobachten, denn er besuchte Afrika dreimal!
In seinem Gedicht verwendet der Autor die Technik der Antithese, jedoch nicht konkret, sondern implizit. Ein Mann, dessen Auge an die russische Landschaft gewöhnt ist, zeichnet ein so klares Bild eines exotischen Landes.
Die Geschichte handelt von einer „exquisiten Giraffe“. Die Giraffe ist die Verkörperung schöne Realität. Gumilyov verwendet lebendige Beinamen, um die Ungewöhnlichkeit der afrikanischen Landschaft hervorzuheben: eine exquisite Giraffe, anmutige Harmonie, ein magisches Muster, eine Marmorgrotte, geheimnisvolle Länder, unvorstellbare Kräuter. Vergleich wird auch verwendet:
„In der Ferne ist es wie die bunten Segel eines Schiffes,
Und sein Lauf ist sanft, wie der freudige Flug eines Vogels.“
Der Autor richtet das gesamte Gedicht an seine Geliebte, um ihre Stimmung zu verbessern und sie bei Regenwetter von traurigen Gedanken abzulenken. Aber es funktioniert nicht. Es lenkt nicht nur nicht ab, sondern verstärkt im Gegenteil die Traurigkeit gerade aus dem Gefühl des Gegenteils. Das Märchen verstärkt die Einsamkeit der Charaktere.
Dies wird besonders durch die letzte Strophe hervorgehoben. Die Platzierung der Satzzeichen lässt vermuten, dass es dem Autor nicht gelungen ist, das Mädchen aufzuheitern:
„Hören Sie: Weit, weit weg am Tschadsee
Die Giraffe wandert wunderbar.“
"Du schreist? Hören Sie... weit weg, am Tschadsee
Die Giraffe wandert wunderbar.“
Die Person macht eine ungerechtfertigte Pause. Das deutet darauf hin, dass er keine Lust mehr zum Reden hat.

Das Werk von Nikolai Stepanowitsch Gumilyov.
N. S. Gumilyov wurde 1886 in der Stadt Kronstadt in der Familie eines Militärarztes geboren. Im Alter von zwanzig Jahren erhielt er ein Zertifikat (C in allen exakten Wissenschaften, B in den Geisteswissenschaften, A nur in Logik) über den Abschluss des Zarskoje-Selo-Gymnasiums in Nikolajew, dessen Direktor Innokenty Fedorovich Annensky war. Auf Drängen seines Vaters und aus freien Stücken trat er in das Marinekorps ein.
Noch als Gymnasiast veröffentlichte Gumilyov 1905 seine erste Gedichtsammlung „Der Weg der Konquistadoren“. Aber er zog es vor, sich nicht daran zu erinnern, veröffentlichte es nie erneut und ließ es bei der Zählung seiner eigenen Sammlungen sogar weg. Dieses Buch zeigt Spuren unterschiedlichster Einflüsse: von Nietzsche, der den starken Mann verherrlichte, einen Schöpfer, der stolz ein tragisches Schicksal auf sich nahm, bis zu Gumilyovs Zeitgenossen, dem französischen Schriftsteller Andre Gide, dessen Worte „Ich wurde ein Nomade, um wollüstig zu sein.“ Fass alles an, was Nomaden sind!“ als Epigraph aufgefasst.
Kritiker meinten, dass „Der Weg der Konquistadoren“ viele poetische Klischees enthielt. Doch hinter den unterschiedlichsten Einflüssen – westlichen Ästheten und russischen Symbolisten – lässt sich die eigene Stimme des Autors erkennen. Bereits in diesem ersten Buch erscheint Gumilevs ständiger lyrischer Held – ein Eroberer, ein Wanderer, ein Weiser, ein Soldat, der vertrauensvoll und freudig die Welt kennenlernt. Dieser Held widersetzt sich sowohl der Moderne mit ihrem Alltag als auch dem Helden dekadenter Gedichte.
Dieses Buch wurde von Innokenty Annensky freudig begrüßt („...mein kalter, rauchiger Sonnenuntergang / Schaut mit Freude auf die Morgendämmerung“). Bryusov, dessen Einfluss auf den aufstrebenden Dichter zweifellos war, obwohl er in seiner Rezension feststellte, dass „Wiederholungen und Nachahmungen nicht immer erfolgreich waren“, schrieb einen ermutigenden Brief an den Autor.
Ein Jahr später verließ er jedoch die Marineschule und ging zum Studium nach Paris an die Universität Sorbonne. Eine solche Tat war damals ziemlich schwer zu erklären. Der Sohn eines Schiffsarztes, der immer von langen Seereisen geträumt hat, gibt seinen Traum plötzlich auf und verlässt seine Militärkarriere, obwohl Nikolai in Geist und Charakter, in seinen Gewohnheiten und in der Familientradition ein Soldat, ein Diener im besten Sinne ist des Wortes, ein Mann von Ehre und Pflicht. Natürlich ist ein Studium in Paris prestigeträchtig und ehrenhaft, aber nicht für einen Militäroffizier, in dessen Familie Menschen in Zivilkleidung nachsichtig behandelt wurden. In Paris zeigte Gumilyov keinen besonderen Fleiß oder Interesse an der Wissenschaft; aus diesem Grund wurde er später von einer angesehenen Bildungseinrichtung ausgeschlossen.
An der Sorbonne schrieb Nikolai viel, studierte poetische Techniken und versuchte, seinen eigenen Stil zu entwickeln. Die Anforderungen des jungen Gumilyov an die Poesie sind Energie, Klarheit und Klarheit des Ausdrucks, die Rückkehr der ursprünglichen Bedeutung und Brillanz zu Konzepten wie Pflicht, Ehre und Heldentum.
Die 1908 in Paris veröffentlichte Sammlung wurde von Gumilyov „Romantische Blumen“ genannt. Nach Ansicht vieler Literaturwissenschaftler sind die meisten Landschaften in der Poesie buchstäblich, die Motive sind entlehnt. Aber die Liebe zu exotischen Orten und schönen, musikalisch klingenden Namen, helle, fast schattenlose Malerei, ist nicht entlehnt. In „Romantische Blumen“ – also vor Gumilyovs ersten Reisen nach Afrika – war das Gedicht „Giraffe“ (1907) enthalten, das lange Zeit zu Gumilyovs „Visitenkarte“ in der russischen Literatur wurde.
Eine gewisse Fabelhaftigkeit im Gedicht „Giraffe“ zeigt sich schon in den ersten Zeilen:
Hören Sie: weit, weit weg, am Tschadsee
Eine exquisite Giraffe wandert.
Der Leser wird auf den exotischsten Kontinent entführt – Afrika. Gumilyov malt scheinbar absolut unrealistische Bilder:
In der Ferne ist es wie die farbigen Segel eines Schiffes,
Und sein Lauf ist sanft, wie der freudige Flug eines Vogels ...
Die menschliche Vorstellungskraft kann sich die Möglichkeit einer solchen Schönheit auf der Erde einfach nicht vorstellen. Der Dichter lädt den Leser ein, die Welt anders zu betrachten und zu verstehen, dass „die Erde viele wundervolle Dinge sieht“ und ein Mensch, wenn er möchte, dasselbe sehen kann. Der Dichter lädt uns ein, uns von dem „dichten Nebel“ zu befreien, den wir so lange eingeatmet haben, und zu erkennen, dass die Welt riesig ist und dass es auf der Erde noch Paradiese gibt.
Der lyrische Held spricht eine mysteriöse Frau an, über die wir nur anhand der Position des Autors urteilen können, und führt einen Dialog mit dem Leser, einem der Zuhörer seines exotischen Märchens. Eine Frau, in ihre Sorgen versunken, traurig, will an nichts glauben – warum nicht der Leser? Wenn wir dieses oder jenes Gedicht lesen, äußern wir wohl oder übel unsere Meinung über das Werk, kritisieren es auf die eine oder andere Weise, stimmen nicht immer mit der Meinung des Dichters überein und verstehen sie manchmal überhaupt nicht. Nikolai Gumilyov gibt dem Leser die Möglichkeit, den Dialog zwischen dem Dichter und dem Leser (Hörer seiner Gedichte) von außen zu beobachten.
Ein Ringrahmen ist typisch für jedes Märchen. In der Regel endet die Handlung dort, wo sie beginnt. In diesem Fall scheint der Dichter jedoch immer wieder über diesen exotischen Kontinent sprechen zu können, üppige, helle Bilder eines sonnigen Landes zu malen und immer mehr neue, bisher ungesehene Merkmale seiner Bewohner zu offenbaren. Der Ringrahmen zeigt den Wunsch des Dichters, immer wieder vom „Himmel auf Erden“ zu sprechen, um dem Leser einen anderen Blick auf die Welt zu ermöglichen.
In seinem fabelhaften Gedicht vergleicht der Dichter zwei Räume, die auf der Skala des menschlichen Bewusstseins weit entfernt und auf der Skala der Erde sehr nahe sind. Der Dichter sagt fast nichts über den Raum, der „hier“ ist, und das ist auch nicht notwendig. Hier herrscht nur „dichter Nebel“, den wir jede Minute einatmen. In der Welt, in der wir leben, gibt es nur noch Traurigkeit und Tränen. Dies lässt uns glauben, dass der Himmel auf Erden unmöglich ist. Nikolai Gumilyov versucht das Gegenteil zu beweisen: „...weit, weit weg, am Tschadsee / Eine exquisite Giraffe wandert.“ Normalerweise wird der Ausdruck „weit, weit weg“ mit einem Bindestrich geschrieben und bezeichnet etwas völlig Unerreichbares. Allerdings lenkt der Dichter, vielleicht mit einer gewissen Ironie, die Aufmerksamkeit des Lesers auf die Frage, ob dieser Kontinent wirklich so weit entfernt ist. Es ist bekannt, dass Gumilyov die Gelegenheit hatte, Afrika zu besuchen, um die von ihm beschriebenen Schönheiten mit eigenen Augen zu sehen (das Gedicht „Giraffe“ wurde vor Gumilyovs erster Reise nach Afrika geschrieben).
Die Welt, in der der Leser lebt, ist völlig farblos, das Leben scheint hier in Grautönen zu fließen. Wie ein kostbarer Diamant funkelt und schimmert die Welt am Tschadsee. Nikolai Gumilyov verwendet in seinen Werken wie andere akmeistische Dichter keine bestimmten Farben, sondern Objekte, die dem Leser die Möglichkeit geben, sich in seiner Fantasie den einen oder anderen Farbton vorzustellen: Die Haut einer Giraffe, die mit einem magischen Muster verziert ist, erscheint hell Orange mit rotbraunen Flecken, die dunkelblaue Farbe der Wasseroberfläche, auf der sich Mondlichtblitze wie ein goldener Fächer ausbreiten, die leuchtend orangefarbenen Segel eines Schiffes, das im Sonnenuntergang fährt. Anders als in der Welt, die wir gewohnt sind, ist die Luft in diesem Raum frisch und sauber, sie absorbiert die Verdunstung des Tschadsees, „den Geruch unvorstellbarer Kräuter“...
Der lyrische Held scheint von dieser Welt, ihrer reichen Farbpalette, ihren exotischen Gerüchen und Geräuschen so fasziniert zu sein, dass er bereit ist, unermüdlich über die endlosen Weiten der Erde zu sprechen. Diese unstillbare Begeisterung überträgt sich sicherlich auf den Leser.
Es war kein Zufall, dass Nikolai Gumilyov in diesem Gedicht die Giraffe wählte. Fest auf den Beinen stehend, mit langem Hals und einem „magischen Muster“ auf der Haut ist die Giraffe zum Helden vieler Lieder und Gedichte geworden. Vielleicht können wir eine Parallele zwischen diesem exotischen Tier und einem Menschen ziehen: Auch er ist ruhig, stattlich und anmutig gebaut. Der Mensch neigt auch dazu, sich über alle Lebewesen zu stellen. Wenn die Giraffe jedoch friedlich ist und ihr von der Natur „anmutige Harmonie und Glückseligkeit“ geschenkt wird, dann ist der Mensch von Natur aus dazu geschaffen, in erster Linie mit seinesgleichen zu kämpfen.
Die der Giraffe innewohnende Exotik fügt sich sehr organisch in den Kontext einer Märchengeschichte über ein fernes Land ein. Eines der bemerkenswertesten Mittel, um das Bild dieses exotischen Tieres zu schaffen, ist die Technik des Vergleichs: Das magische Muster der Haut der Giraffe wird mit dem Glanz des Nachtlichts verglichen, „in der Ferne ist es wie die farbigen Segel eines Schiffes.“ „Und sein Lauf ist sanft, wie der freudige Flug eines Vogels.“
Die Melodie des Gedichts ähnelt der Ruhe und Anmut einer Giraffe. Die Klänge sind unnatürlich langwierig, melodisch, ergänzen die Märchenbeschreibung und verleihen der Geschichte einen Hauch von Magie. Rhythmisch verwendet Gumilev amphibrachische Pentameter und reimt Linien mit einem männlichen Reim (mit Betonung auf der letzten Silbe). Dies, kombiniert mit stimmhaften Konsonanten, ermöglicht es dem Autor, die exquisite Welt afrikanischer Märchen farbenfroher zu beschreiben.
„Romantische Blumen“ enthüllten auch ein weiteres Merkmal von Gumilyovs Poesie – seine Liebe zu sich schnell entwickelnden heroischen oder abenteuerlichen Handlungen. Gumilyov ist ein Meister der Märchen und Kurzgeschichten; er fühlt sich von berühmten historischen Handlungssträngen, heftigen Leidenschaften und spektakulären und plötzlichen Enden angezogen. Schon in seiner frühen Jugend legte er besonderen Wert auf die Abfassung eines Gedichts und dessen Vollständigkeit. Schließlich entwickelte Gumilyov bereits in dieser Sammlung seine eigenen Methoden des poetischen Schreibens. Beispielsweise verliebte er sich in Frauenreime. Typischerweise basiert die russische Poesie auf dem Wechsel männlicher und weiblicher Reime. Gumilyov verwendet in vielen Gedichten nur die weibliche. So werden melodiöse Monotonie, Musikalität der Erzählung und Geschmeidigkeit erreicht:
Nach Sindbad dem Seefahrer
Im Ausland habe ich Dukaten gesammelt
Und wanderte durch unbekannte Gewässer,
Wo fragmentiert der Glanz der Sonne leuchtete [„Der Adler von Sindbad“, 1907]
Nicht umsonst schrieb V. Bryusov über „Romantische Blumen“, dass Gumilyovs Gedichte „jetzt schön, elegant und größtenteils von der Form her interessant sind“.
Bei seinem ersten Besuch in Paris schickte Gumilyov Gedichte nach Moskau, an die wichtigste symbolistische Zeitschrift „Scales“. Gleichzeitig begann er mit der Herausgabe seiner eigenen Zeitschrift „Sirius“, in der er „neue Werte für eine verfeinerte Weltanschauung und alte Werte in einem neuen Aspekt“ propagierte.
Es ist auch merkwürdig, dass er sich für Reisen interessierte, jedoch nicht für abstrakte Reisen in ferne Meere, sondern für eine Reise in ein bestimmtes Land – Abessinien (Äthiopien). Ein Land, das unauffällig, arm und mit einer sehr angespannten militärisch-politischen Lage ist. Dann wurde dieses Stück des dunklen Kontinents zwischen England, Frankreich und Italien hin- und hergerissen. Kurz gesagt, der Hintergrund war nicht besonders geeignet für eine romantische Reise. Für die Erklärung kann es jedoch mehrere Gründe geben: Abessinien ist das Land der Vorfahren des großen Puschkin, und die schwarzen Abessinier waren damals überwiegend orthodoxe Menschen. Obwohl sein Vater sich weigerte, Geld bereitzustellen, unternahm Nikolai mehrere Reisen nach Abessinien.
Nachdem er 1908 die Sorbonne verlassen hatte, kehrte Gumilyov nach St. Petersburg zurück und widmete sich ganz der Kreativität, indem er aktiv im literarischen Umfeld kommunizierte. 1908 gründete er seine eigene Zeitschrift „Island“. Es kann davon ausgegangen werden, dass der Name die Distanz zwischen Gumilyov und anderen Autoren der Zeitschrift von ihren zeitgenössischen Autoren hervorheben sollte. Bei der zweiten Ausgabe platzte das Magazin. Doch später lernte Gumilyov den Kritiker Sergej Makowski kennen, den er auf die Idee brachte, eine neue Zeitschrift zu gründen. So entstand „Apollo“ – eine der interessantesten russischen Literaturzeitschriften zu Beginn des Jahrhunderts, in der bald die Erklärungen der Akmeisten veröffentlicht wurden. Dort veröffentlicht er nicht nur seine Gedichte, sondern ist auch als Literaturkritiker tätig. Aus der Feder von Gumilev stammen hervorragende analytische Artikel über die Arbeit seiner Zeitgenossen: A. Blok, I. Bunin, V. Bryusov, K. Balmont, A. Bel, N. Klyuev, O. Mandelstam, M. Tsvetaeva.
1910 veröffentlichte Nikolai nach seiner Rückkehr aus Afrika das Buch „Perlen“. Das Gedicht hat, wie bei Symbolisten üblich (und in „Perlen“ folgt er auch der Poetik des Symbolismus), viele Bedeutungen. Wir können sagen, dass es um die Unzugänglichkeit eines harten und stolzen Lebens für diejenigen geht, die an Glückseligkeit und Luxus gewöhnt sind, oder um die Unmöglichkeit eines Traums. Es kann auch als ewiger Konflikt zwischen männlichen und weiblichen Prinzipien interpretiert werden: Das Weibliche ist untreu und wandelbar, das Männliche ist frei und einsam. Man kann davon ausgehen, dass Gumilyov im Bild der Königin, die nach Helden ruft, symbolisch die moderne Poesie darstellte, die der dekadenten Leidenschaften überdrüssig ist und etwas Lebendiges, wenn auch Rohes und Barbarisches will.
Gumilyov ist mit der schrumpfenden, kargen russischen und sogar europäischen Realität zu Beginn des Jahrhunderts grundsätzlich nicht zufrieden. Er interessiert sich nicht für das Alltagsleben (Alltagsgeschichten sind selten und stammen eher aus Büchern als aus dem Leben), Liebe ist meistens schmerzhaft. Eine andere Sache ist eine Reise, bei der es immer einen Platz für das Unerwartete und Geheimnisvolle gibt. Das wahre Manifest des reifen Gumilyov ist „Reise nach China“ (1910):
Warum nagt die Melancholie an unseren Herzen?
Warum quälen wir die Existenz?
Das beste Mädchen kann nicht geben
Mehr als das, was sie hat.

Wir haben alle böse Trauer gekannt,
Jeder hat sein geliebtes Paradies verlassen,
Wir alle, Genossen, glauben an das Meer,
Wir können ins ferne China segeln.
Das Wichtigste für Gumilyov ist ein tödliches Verlangen nach Gefahr und Neuheit, eine ewige Freude am Unbekannten.
Beginnend mit „Perlen“ ist Gumilyovs Poesie ein Versuch, das Sichtbare und Materielle zu durchbrechen. Für den lyrischen Helden Gumilyov ist Fleisch ein Gefängnis. Stolz sagt er: „Ich bin nicht an unser Jahrhundert gefesselt, / wenn ich den Abgrund der Zeiten durchschaue.“ Die sichtbare Welt ist nur ein Schirm für eine andere Realität. Deshalb nannte Achmatowa Gumilyov einen „Visionär“ (einen Betrachter des geheimen Wesens der Dinge). Das in „Reise nach China“ erwähnte Land ist weniger ein wörtliches China, sondern vielmehr ein Symbol des Mysteriums, des Unterschieds zu dem, was die Helden des Gedichts umgibt.
Seine Lieblingsjäger des Unbekannten lernten die Grenzen ihrer Fähigkeiten, ihre Ohnmacht zu erkennen. Sie sind bereits bereit, das zuzugeben
...es gibt noch andere Gebiete auf der Welt
Der Mond der schmerzhaften Qual.
Für höchste Macht, höchste Tapferkeit
Sie sind für immer unerreichbar. [„Kapitän“, 1909]
Im selben Jahr gingen Anna Achmatowa und Nikolai Gumilyov eine Ehe ein; sie kannten sich seit Zarskoje Selo, und ihre Schicksale kreuzten sich mehrmals, zum Beispiel in Paris, wo es Gumilyov als Student an der Sorbonne gelang, zu veröffentlichen eine kleine Zeitschrift „Sirius“. Anna Achmatowa veröffentlichte darin, obwohl sie der Idee ihrer engen Freundin sehr skeptisch gegenüberstand. Das Magazin brach bald zusammen. Aber diese Episode aus dem Leben von Gumilyov charakterisiert ihn nicht nur als Dichter, Träumer, Reisenden, sondern auch als einen Menschen, der Geschäfte machen möchte.
Unmittelbar nach der Hochzeit unternahm das junge Paar eine Reise nach Paris und kehrte erst im Herbst, fast sechs Monate später, nach Russland zurück. Und so seltsam es auch erscheinen mag, fast unmittelbar nach seiner Rückkehr in die Hauptstadt reiste Gumilyov völlig unerwartet, nachdem er seine junge Frau zu Hause zurückgelassen hatte, erneut ins ferne Abessinien. Dieses Land zieht den Dichter auf mysteriöse Weise an und gibt dadurch Anlass zu verschiedenen Gerüchten und Interpretationen.
In St. Petersburg besuchte Gumilyov oft den „Turm“ von Wjatscheslaw Iwanow und las dort seine Gedichte. Ivanov, ein symbolistischer Theoretiker, förderte junge Schriftsteller, drängte ihnen aber gleichzeitig seinen Geschmack auf. 1911 brach Gumilyov mit Ivanov, weil die Symbolik seiner Meinung nach ihren Nutzen verloren hatte.
Im selben Jahr gründete Gumilev zusammen mit dem Dichter Sergei Gorodetsky eine neue literarische Gruppe – „Poets Workshop“. Schon der Name verriet Gumilyovs ursprünglich inhärente Herangehensweise an die Poesie. Laut Gumilyov muss ein Dichter ein Fachmann, ein Handwerker und ein Dichter sein.
Im Februar 1912 verkündete Gumilyov in der Redaktion von Apollo die Geburt einer neuen literarischen Bewegung, die nach einer recht hitzigen Debatte den Namen „Acmeismus“ erhielt. In seinem Werk „Das Erbe des Symbolismus und des Akmeismus“ sprach Gumilyov über den grundlegenden Unterschied zwischen dieser Bewegung und dem Symbolismus: „Der russische Symbolismus richtete seine Hauptkräfte in das Reich des Unbekannten.“ Engel, Dämonen, Geister, schrieb Gumilyov, sollten „andere ... Bilder nicht überwiegen“. Mit den Acmeisten kehrte die Begeisterung für echte Landschaft, Architektur, Geschmack und Geruch in die russischen Verse zurück. So unterschiedlich die Acmeisten auch waren, sie alle waren sich einig durch den Wunsch, dem Wort seine ursprüngliche Bedeutung zurückzugeben, es mit spezifischem Inhalt zu sättigen, der von den symbolistischen Dichtern verwischt wurde.
In Gumilyovs ersten Sammlungen gibt es nur sehr wenige äußere Anzeichen für die Jahre, in denen sie geschrieben wurden. Es gibt fast keine sozialen Probleme, es gibt nicht einmal einen Hinweis auf die Ereignisse, die seine Zeitgenossen beunruhigten ... Und gleichzeitig tragen seine Gedichte viel zur Palette des russischen „Silbernen Zeitalters“ bei – sie sind durchdrungen von dem dieselbe Erwartung großer Veränderungen, dieselbe Müdigkeit gegenüber dem Alten, die Vorahnung eines neuen, beispiellosen, harten und reinen Lebens.
Gumilyovs erstes akmeistisches Buch ist „Alien Sky“ (1912). Sein Autor ist ein strenger, weiser Dichter, der viele Illusionen aufgegeben hat und dessen Afrika sehr spezifische und sogar alltägliche Züge annimmt. Aber die Hauptsache ist, dass das Buch mit dem Titel „Alien Sky“ tatsächlich nicht so sehr über Afrika oder Europa spricht, sondern über Russland, das in seinen Gedichten bisher eher selten vorkam.
Ich bin traurig wegen des Buches, ich schmachte wegen des Mondes,
Vielleicht brauche ich überhaupt keinen Helden,
Hier gehen sie die Gasse entlang, so seltsam zärtlich,
Ein Schuljunge mit einem Schulmädchen, wie Daphnis und Chloe. [„Moderne“, 1911-1912]
Seine nachfolgenden Sammlungen („Quiver“, 1915; „Pillar of Fire“, 1921) sind ohne Gedichte über Russland nicht vollständig. Wenn für Blok Heiligkeit und Brutalität in Russisches Leben waren untrennbar miteinander verbunden, wechselseitig bedingt, dann konnte Gumilyov mit seinem nüchternen, rein rationalen Geist in seinem Kopf das rebellische, spontane Russland vom reichen, mächtigen und patriarchalischen russischen Staat trennen.
Rus schwärmt von Gott, rote Flamme,
Wo man Engel durch den Rauch sehen kann ...
Sie glauben gehorsam den Zeichen,
Liebe deins, lebe deins. [„Alte Anwesen“, 1913]
„Sie“ sind die Bewohner des tiefen Russlands, an die sich der Dichter aus dem Gumilyov-Anwesen in Slepnev erinnert. Nicht weniger aufrichtige Bewunderung für das alte, großväterliche Russland findet sich im Gedicht „Stadt“ (1916):
Das Kreuz wird über der Kirche errichtet,
Ein Symbol klarer, väterlicher Macht,
Und die himbeerklingenden Ruinen
Sprachlich, Mensch.
Wildheit und Selbstlosigkeit, die Spontaneität des russischen Lebens erscheinen Gumilyov als das dämonische Gesicht seines Vaterlandes.
Dieser Weg ist hell und dunkel,
Ein Räuberpfiff auf den Feldern,
Streit, blutige Kämpfe
In Tavernen, so gruselig wie Träume. [„Der Mann“, 1917]
Dieses dämonische Gesicht Russlands lässt Gumilyov es manchmal poetisch bewundern (wie in dem Gedicht „Der Bauer“, das von der Vorahnung eines großen Sturms durchdrungen ist und eindeutig vom Bild von Grigory Rasputin inspiriert ist). Meistens führt jedoch ein solches Russland – wild, brutal – dazu, dass er abgelehnt und abgelehnt wird:
Vergib uns, Stinkende und Blinde,
Vergib den Gedemütigten bis zum Ende!
Wir liegen auf dem Boden und weinen,
Gottes Weg nicht wollen.
…………………………………………….....
Sie rufen also: „Wo ist Schwester Russland?“
Wo ist sie, meine ewige Geliebte?“
Nach oben schauen: im Sternbild Schlange
Ein neuer Stern ist aufgeleuchtet. [„Frankreich“, 1918]
Aber Gumilyov sah auch ein anderes, engelhaftes Gesicht – das monarchische Russland, eine Hochburg der Orthodoxie und im Allgemeinen eine Hochburg des Geistes, die sich stetig und weithin dem Licht entgegen bewegte. Gumilyov glaubte, dass sein Heimatland nach einem reinigenden Sturm in neuem Licht erstrahlen könnte.
Ich weiß, in dieser Stadt -
Das menschliche Leben ist real
Wie ein Boot auf dem Fluss
Aufbruch zum Ziel des Verfolgers. [„Stadt“, 1916]
Der Erste kam Gumilyov wie ein reinigender Sturm vor. Weltkrieg. Daher die Überzeugung, dass er in der Armee sein sollte. Der Dichter war jedoch sein ganzes Leben lang, mit all seinen Ansichten, auf einen solchen Schritt vorbereitet. Und Nikolai, der auf jeder Reise krank wurde, ging bereits im August 1914 als Freiwilliger an die Front. Abenteuerlust, der Wunsch, sich in der Nähe von Gefahren auf die Probe zu stellen, die Sehnsucht, einem hohen Ideal (diesmal Russland) zu dienen, nach der stolzen und freudigen Herausforderung, die ein Krieger bis zum Tod darstellt – alles trieb ihn in den Krieg. Er landete in einem berittenen Aufklärungszug, wo unter ständiger Lebensgefahr Razzien hinter den feindlichen Linien durchgeführt wurden. Es gelang ihm, den Alltag im Schützengraben romantisch wahrzunehmen:
Und es ist so süß, Victory zu kleiden,
Wie ein Mädchen in Perlen,
Einer Rauchspur folgen
Rückzug des Feindes. [„Offensive“, 1914]
Der Krieg zahlte sich jedoch aus: Er wurde nie verwundet (obwohl er sich oft erkältete), seine Kameraden vergötterten ihn, das Kommando belohnte ihn mit Auszeichnungen und neuen Dienstgraden und Frauen – Freunde und Bewunderer – erinnerten sich, dass die Uniform besser zu ihm passte als ein Zivilanzug.
Gumilyov war ein tapferer Kämpfer – Ende 1914 erhielt er für seinen Mut und seine Tapferkeit bei der Aufklärung das St.-Georgs-Kreuz IV und den Rang eines Unteroffiziers. Für seine Auszeichnung wurde ihm 1915 das St.-Georgs-Kreuz III. verliehen und er wurde Unteroffizier. Nikolai schrieb aktiv an der Front; 1916 halfen ihm seine Freunde, eine neue Sammlung mit dem Titel „Quiver“ zu veröffentlichen.
Im Mai 1917 wurde Gumilyov einem in Paris stationierten Sonderexpeditionskorps der russischen Armee zugeteilt. Hier, im Militärattaché, wird Gumilyov nicht nur eine Reihe von Sonderaufträgen des russischen Kommandos ausführen, sondern auch Dokumente für die Mobilisierungsabteilung des gemeinsamen Hauptquartiers der alliierten Streitkräfte in Paris vorbereiten. Es gibt viele Dokumente aus dieser Zeit, deren Schreibstil Gumilyovs Stil ähnelt, aber alle werden der mysteriösen „4. Abteilung“ zugeordnet.
Im Sommer desselben Jahres blieb Gumilyov auf dem Weg zu einer der europäischen Fronten in Paris stecken und ging dann nach London, wo er sich aktiv mit Kreativität beschäftigte. 1918 kehrte er nach Petrograd zurück.
Das Verlangen nach der alten Lebensweise, der Ordnung, der Treue zu den Gesetzen der edlen Ehre und dem Dienst am Vaterland – das zeichnete Gumilyov aus Beunruhigte Zeiten'17 und der Bürgerkrieg. Als er zu den revolutionären Matrosen sprach, las er trotzig: „Ich Belgier habe ihm eine Pistole und ein Porträt meines Herrschers gegeben“ – eines seiner afrikanischen Gedichte. Aber der allgemeine Aufschwung erfasste und versengte auch ihn. Gumilyov akzeptierte den Bolschewismus nicht – für den Dichter war er genau die Verkörperung des dämonischen Antlitzes Russlands. Gumilyov war in allem ein konsequenter Aristokrat (er spielte jedoch eher die Aristokratie – aber sein ganzes Leben war nach den Gesetzen der Kunst aufgebaut!) und hasste den „russischen Aufstand“. Aber er verstand die Gründe für den Aufstand weitgehend und hoffte, dass Russland irgendwann zu seinem ursprünglichen, breiten und klaren Weg zurückkehren würde. Deshalb, glaubte Gumilyov, müsse man jedem Russland dienen – er hielt die Auswanderung für eine Schande.
Und Gumilyov hielt Vorträge vor den Arbeitern, versammelte den Kreis „Sounding Shell“, wo er jungen Menschen das Schreiben und Verstehen von Gedichten beibrachte, übersetzte für den Verlag „World Literature“ und veröffentlichte ein Buch nach dem anderen. Gumilyovs Freunde und Schüler – K. Chukovsky, V. Khodasevich, A. Akhmatova, G. Ivanov, O. Mandelstam und seine anderen Zeitgenossen – sind sich einig: Noch nie war ein Dichter so frei und zugleich harmonisch, mehrdeutig und klar .
An der Wende der Epochen ist das Leben geheimnisvoller denn je: Alles ist von Mystik durchdrungen. Das Thema des reifen Gumilyov ist der Zusammenprall von Vernunft, Pflicht und Ehre mit den Elementen Feuer und Tod, die ihn, den Dichter, unendlich anzogen, ihm aber auch den Tod versprachen, den Soldaten. Diese Haltung gegenüber der Moderne – Hassliebe, Jubel-Ablehnung – ähnelte seiner Haltung gegenüber einer Frau („Und es ist süß für mich – weine nicht, Liebes, – / Zu wissen, dass du mich vergiftet hast“).
Die Gedichtsammlungen „Bonfire“, „Pillar of Fire“, „To the Blue Star“ (1923; posthum von Freunden erstellt und veröffentlicht) sind voller Meisterwerke, die eine völlig neue Etappe in Gumilyovs Schaffen markieren. Nicht umsonst nannte Anna Achmatowa Gumilyov einen „Propheten“. Er sagte auch seine eigene Hinrichtung voraus:
In einem roten Hemd, mit einem Gesicht wie ein Euter,
Der Henker hat mir auch den Kopf abgeschlagen,
Sie lag bei anderen
Hier in einer rutschigen Kiste, ganz unten. [„Die verlorene Straßenbahn“, 1919(?)]
Dies ist eines von Gumilyovs Lieblingsgedichten. Zum ersten Mal ist Gumilyovs Held hier kein reisender Eroberer, kein Gewinner oder gar ein Philosoph, der das Unglück, das ihm widerfährt, standhaft akzeptiert, sondern ein Mann, der von der Fülle an Todesfällen schockiert ist, ein erschöpfter Mann, der jeglichen Rückhalt verloren hat . Es ist, als ob er sich im „Abgrund der Zeit“ verirrt hätte, in den Labyrinthen der Verbrechen und Gräueltaten – und jede Revolution führt zum Verlust seiner Geliebten. Noch nie hatte Gumilyov einen so hilflosen, menschlich einfachen Tonfall:
Mashenka, du hast hier gelebt und gesungen,
Sie hat einen Teppich für mich, den Bräutigam, gewebt,
Wo sind deine Stimme und dein Körper jetzt?
Könnte es sein, dass du tot bist?
Gumilyovs lyrischer Held ist das Bild des souveränen Petersburg mit der „Hochburg der Orthodoxie“ – Isaak und dem Denkmal für Petrus. Aber was einem Denker und Dichter zur Stütze werden kann, tröstet einen Menschen nicht:
Und doch ist das Herz für immer düster,
Es ist schwer zu atmen und es ist schmerzhaft zu leben ...
Mashenka, das hätte ich nie gedacht
Wie kann man lieben und so traurig sein?
Der verstorbene Gumilev ist voller Liebe und Mitgefühl, die Schockierung und Kühnheit seiner Jugend gehören der Vergangenheit an. Aber über Frieden muss nicht gesprochen werden. Der Dichter spürte, dass sich eine große Revolution zusammenbraute, dass die Menschheit an der Schwelle einer neuen Ära stand, und er war schmerzlich besorgt über die Invasion dieses Unbekannten:
Wie einst in den überwucherten Schachtelhalmen
Brüllte aus dem Bewusstsein der Ohnmacht
Die Kreatur ist glitschig und tastet auf den Schultern ab
Flügel, die noch nicht erschienen sind -

So Jahrhundert für Jahrhundert – wie bald, Herr? —
Unter dem Skalpell von Natur und Kunst
Unser Geist schreit, unser Fleisch fällt in Ohnmacht,
Ein Organ für den sechsten Sinn zur Welt bringen. [„Der sechste Sinn“, 1919 (?)]
Dieses Gefühl großer Verheißung, einer gewissen Schwelle hinterlässt Gumilyovs gesamtes, plötzlich verkürztes Leben im Gedächtnis des Lesers.
Am 3. August 1921 wurde Gumilyov wegen des Verdachts der Verschwörung im „Tagantsev-Fall“ verhaftet und am 24. August auf Beschluss von Petrgubchek zur Todesstrafe – Hinrichtung – verurteilt.
Dann traten sie im August 1921 zur Verteidigung von Gumilyov auf berühmte Menschen ihrer Zeit, die einen Brief an die Petrograder Außerordentliche Kommission schrieben, in dem sie im Rahmen ihrer Garantie die Freilassung von N. S. Gumilyov forderten. Dieser Brief konnte jedoch nichts ändern, da er erst am 4. September einging und Petrgubceks Entscheidung am 24. August erfolgte.
Sieben Jahrzehnte lang wurden seine Gedichte in Russland in Listen verbreitet, aber nur im Ausland veröffentlicht. Aber Gumilyov nährte die russische Poesie mit seiner Fröhlichkeit, seiner Leidenschaftlichkeit und seiner Bereitschaft für Herausforderungen. Viele Jahre lang lehrte er die Leser, unter allen Umständen ihre Würde zu wahren, unabhängig vom Ausgang des Kampfes sie selbst zu bleiben und sich dem Leben direkt zu stellen:
Aber wenn Kugeln herumflitzen,
Wenn die Wellen die Seiten brechen,
Ich bringe ihnen bei, wie man keine Angst hat
Haben Sie keine Angst und tun Sie, was Sie tun müssen.
…………………………………………...........
Und wenn ihre letzte Stunde kommt,
Ein sanfter roter Nebel wird deine Augen bedecken,
Ich werde ihnen sofort beibringen, sich zu erinnern
Mein ganzes grausames, süßes Leben,
Mein ganzes heimisches, fremdes Land
Und vor dem Angesicht Gottes erscheinen
Mit einfachen und weisen Worten,
Warten Sie ruhig auf sein Urteil. [„Meine Leser“, 1921]

GIRAFFE
Heute sehe ich, dass Ihr Blick besonders traurig ist
Und die Arme sind besonders dünn und schmiegen sich an die Knie.
Hören Sie: weit, weit weg, am Tschadsee
Eine exquisite Giraffe wandert.

Ihm wird anmutige Harmonie und Glückseligkeit geschenkt,
Und seine Haut ist mit einem magischen Muster verziert,
Nur der Mond wagt es, ihm gleichzukommen,
Zerquetscht und schwankt auf der Feuchtigkeit weiter Seen.

In der Ferne ist es wie die farbigen Segel eines Schiffes,
Und sein Lauf ist sanft, wie der freudige Flug eines Vogels.
Ich weiß, dass die Erde viele wunderbare Dinge sieht,
Bei Sonnenuntergang versteckt er sich in einer Marmorgrotte.

Ich kenne lustige Geschichten aus geheimnisvollen Ländern
Über die schwarze Jungfrau, über die Leidenschaft des jungen Anführers,
Aber du hast zu lange den dichten Nebel eingeatmet,
Sie wollen an nichts anderes als an Regen glauben.

Und wie kann ich Ihnen etwas über den tropischen Garten erzählen,
Von schlanken Palmen, vom Duft unglaublicher Kräuter.
Du schreist? Hören Sie... weit weg, am Tschadsee
Eine exquisite Giraffe wandert.

Jedes Gedicht von Gumilev eröffnet eine neue Facette der Ansichten, Stimmungen und Weltanschauungen des Dichters. Der Inhalt und der exquisite Stil von Gumilyovs Gedichten helfen uns, die Fülle des Lebens zu spüren. Sie sind eine Bestätigung dafür, dass der Mensch selbst in der Lage ist, eine helle, farbenfrohe Welt zu schaffen und sich vom grauen Alltag zu lösen. Nikolai Gumilyov, ein hervorragender Künstler, hinterließ ein interessantes Erbe und hatte maßgeblichen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Poesie.

Die ersten Zeilen des Gedichts zeichnen ein eher düsteres Bild. Wir sehen ein trauriges Mädchen, sie sitzt wahrscheinlich mit an die Brust angezogenen Knien am Fenster und blickt durch einen Tränenschleier auf die Straße. In der Nähe ist ein lyrischer Held, der, um sie zu trösten und zu unterhalten, eine Geschichte über das ferne Afrika, über den Tschadsee erzählt. Also erzählen Erwachsene, die versuchen, das Kind zu trösten, von wundervollen Ländern ...

Nikolai Stepanovich Gumilyov wurde am 15. April (3 nach altem Stil) in Kronstadt in der Familie eines Schiffsarztes geboren. Er verbrachte seine Kindheit in Zarskoje Selo, hier trat er 1903 in das Gymnasium ein, dessen Direktor der berühmte Dichter Innokenty Annensky war. Nach dem Abitur ging Gumilyov nach Paris an die Sorbonne. Zu diesem Zeitpunkt war er bereits Autor des Buches „Der Weg der Konquistadoren“, das von einem der Gesetzgeber der russischen Symbolik, Valery Bryusov, erwähnt wurde. In Paris gab er die Zeitschrift „Sirius“ heraus, kommunizierte aktiv mit französischen und russischen Schriftstellern und stand in intensivem Briefwechsel mit Bryusov, dem er seine Gedichte, Artikel und Geschichten schickte. In diesen Jahren besuchte er Afrika zweimal.

Im Jahr 1908 erschien Gumilevs zweiter Gedichtband – „Romantische Blumen“ mit einer Widmung an seine zukünftige Frau Anna Gorenko (die spätere Dichterin Anna Achmatowa).
Nach seiner Rückkehr nach Russland lebt Gumilyov in Zarskoje Selo, studiert Rechtswissenschaften und anschließend die Fakultät für Geschichte und Philologie der Universität St. Petersburg, schließt das Studium jedoch nie ab. Er tritt in das literarische Leben der Hauptstadt ein und wird in verschiedenen Zeitschriften veröffentlicht. Seit 1909 wurde Gumilyov einer der Hauptmitarbeiter der Zeitschrift Apollo, wo er die Rubrik „Briefe über russische Poesie“ leitete.

Er unternimmt eine lange Reise nach Afrika, kehrt 1910 nach Russland zurück, veröffentlicht die Sammlung „Perlen“, die ihn zu einem berühmten Dichter macht, und heiratet Anna Gorenko. Bald reiste Gumilev erneut nach Afrika, in Abessinien zeichnete er lokale Folklore auf, kommunizierte mit den Einheimischen und lernte den Alltag und die Kunst kennen.

1911-1912 Gumilev entfernt sich von der Symbolik. Zusammen mit dem Dichter Sergei Gorodetsky organisierte er die „Werkstatt der Dichter“, in deren Tiefen das Programm einer neuen literarischen Richtung – der Akmeismus – entstand. Eine poetische Veranschaulichung der theoretischen Berechnungen war die Sammlung „Alien Sky“, die viele für die beste in Gumilyovs Werk hielten.

Im Jahr 1912 bekamen Gumilyov und Akhmatova einen Sohn, Lev.

1914, gleich in den ersten Tagen des Weltkriegs, meldete sich der Dichter freiwillig an die Front – obwohl er völlig vom Militärdienst befreit war. Zu Beginn des Jahres 1915 wurden Gumilyov bereits zwei St.-Georgs-Kreuze verliehen. 1917 landete er in Paris, dann in London, als Militärattaché der speziellen Expeditionstruppe der russischen Armee, die Teil des gemeinsamen Kommandos der Entente war. Einigen Biographen zufolge erfüllte Gumilyov hier einige besondere Aufgaben. Während des Krieges stellte er seine literarische Tätigkeit nicht ein: Die Sammlung „Quiver“ wurde veröffentlicht, die Theaterstücke „Gondla“ und „The Poisoned Tunic“, eine Essayreihe „Notes of a Cavalryman“ und andere Werke wurden geschrieben.

1918 kehrte Gumilyov nach Russland zurück und wurde zu einer der herausragenden Persönlichkeiten im literarischen Leben Petrograds. Er veröffentlicht viel, arbeitet im Verlag World Literature, hält Vorträge, leitet die Petrograder Zweigstelle des Dichterverbandes und arbeitet mit jungen Dichtern im Studio Sounding Shell.

1918 ließ sich Gumilyov von Achmatowa scheiden und heiratete 1919 ein zweites Mal, Anna Nikolajewna Engelhardt. Ihre Tochter Elena wird geboren. Anna Engelhardt-Gumileva ist die Gedichtsammlung „Feuersäule“ gewidmet, deren Veröffentlichung nach dem Tod der Dichterin erschien.

Am 3. August 1921 wurde Gumilev unter dem Vorwurf der Beteiligung an einer antisowjetischen Verschwörung von Professor Tagantsev verhaftet (dieser Fall war, wie die meisten Forscher heute glauben, erfunden). Nach dem Urteil des Gerichts wurde er erschossen. Das genaue Datum der Hinrichtung ist nicht bekannt. Laut Achmatowa fand die Hinrichtung in der Nähe von Berngardowka bei Petrograd statt. Das Grab des Dichters wurde nicht gefunden.
Gumilev starb in der Blüte seiner Schaffenskraft. In den Köpfen seiner Zeitgenossen weckte sein Schicksal Assoziationen mit dem Schicksal eines Dichters einer anderen Zeit – Andre Chenier, der während der Großen Französischen Revolution von den Jakobinern hingerichtet wurde. Fünfundsechzig Jahre lang blieb Gumilyovs Name dem strengsten offiziellen Verbot ausgesetzt.

VSEVOLOD SAKHAROV

Das Silberne Zeitalter der russischen Literatur... Dies wird allgemein als die Periode in der Geschichte der russischen Poesie bezeichnet, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts liegt.

Ein konkreter chronologischer Rahmen ist noch nicht festgelegt. Darüber streiten sich viele Historiker und Schriftsteller aus aller Welt. Das Silberne Zeitalter der russischen Literatur beginnt in den 1890er Jahren und endet im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Es ist das Ende dieser Periode, das Kontroversen hervorruft. Einige Forscher glauben, dass es auf das Jahr 1917 datiert werden sollte, andere bestehen auf dem Jahr 1921. Was ist der Grund dafür? 1917 begann der Bürgerkrieg und das Silberne Zeitalter der russischen Literatur als solches hörte auf zu existieren. Aber gleichzeitig setzten die Schriftsteller, die dieses Phänomen geschaffen haben, in den 20er Jahren ihre Arbeit fort. Es gibt eine dritte Kategorie von Forschern, die argumentieren, dass das Ende des Silbernen Zeitalters in der Zeit von 1920 bis 1930 liegt. Damals beging Wladimir Majakowski Selbstmord und die Regierung tat alles, um die ideologische Kontrolle über die Literatur zu stärken. Daher sind die Fristen recht umfangreich und betragen etwa 30 Jahre.

Wie in jeder Entwicklungsperiode der russischen Literatur ist das Silberne Zeitalter durch die Präsenz verschiedener literarischer Strömungen gekennzeichnet. Sie werden oft mit künstlerischen Methoden identifiziert. Jede Bewegung zeichnet sich durch das Vorhandensein gemeinsamer grundlegender spiritueller und ästhetischer Prinzipien aus. Autoren schließen sich in Gruppen und Schulen zusammen, die jeweils ihren eigenen programmatischen und ästhetischen Rahmen haben. Der literarische Prozess verläuft nach einem klaren Muster.

DEKADENZ

Ende des 19. Jahrhunderts begannen die Menschen, bürgerliche Ideale aufzugeben, da sie sie für sich selbst und die Gesellschaft als Ganzes als inakzeptabel empfanden. Sie weigern sich, an die Vernunft zu glauben. Die Autoren spüren dies und füllen ihre Werke mit den individualistischen Erfahrungen der Figuren. Es tauchen immer mehr literarische Bilder auf, die die sozialistische Position zum Ausdruck bringen. Die künstlerische Intelligenz versuchte, die Schwierigkeiten des wirklichen Lebens in einer fiktiven Welt zu verbergen. Viele Werke sind voller Züge von Mystik und Unwirklichkeit.

MODERNISMUS

Dieser Bewegung liegen eine Vielzahl literarischer Strömungen zugrunde. Aber die russische Literatur des Silbernen Zeitalters zeichnet sich durch die Manifestation völlig neuer künstlerischer und ästhetischer Qualitäten aus. Schriftsteller versuchen, den Umfang einer realistischen Lebensvision zu erweitern. Viele von ihnen möchten einen Weg finden, sich auszudrücken. Nach wie vor nahm die russische Literatur des Silbernen Zeitalters einen wichtigen Platz im kulturellen Leben des gesamten Staates ein. Viele Autoren begannen, sich in modernistischen Gemeinschaften zusammenzuschließen. Sie unterschieden sich in ihrem ideologischen und künstlerischen Erscheinungsbild. Aber eines verbindet sie: Sie alle betrachten Literatur als kostenlos. Die Autoren möchten, dass sie sich nicht von moralischen und sozialen Regeln beeinflussen lässt.

Ende der 1870er Jahre war die russische Literatur des Silbernen Zeitalters von einer Richtung wie dem Symbolismus geprägt. Die Autoren versuchten, sich auf den künstlerischen Ausdruck zu konzentrieren und nutzten dazu intuitive Symbole und Ideen. Dabei kamen die raffiniertesten Gefühle zum Einsatz. Sie wollten alle Geheimnisse des Unterbewusstseins erfahren und sehen, was den Augen gewöhnlicher Menschen verborgen bleibt. In ihren Arbeiten konzentrieren sie sich auf die Schönheit der Kerze. Die Symbolisten des Silbernen Zeitalters brachten ihre Ablehnung des Bürgertums zum Ausdruck. Ihre Werke sind von der Sehnsucht nach spiritueller Freiheit durchdrungen. Genau das haben die Autoren so sehr vermisst! Verschiedene Schriftsteller nahmen die Symbolik auf ihre eigene Weise wahr. Einige – als künstlerische Richtung. Andere - als theoretische Grundlage für die Philosophie. Wieder andere – als christliche Lehre. Das Silberne Zeitalter der russischen Literatur wird durch viele symbolistische Werke repräsentiert.

Zu Beginn des Jahres 1910 begannen die Autoren, sich von der Verfolgung des Ideals zu entfernen. Ihre Werke waren mit materiellen Merkmalen ausgestattet. Sie schufen einen Realitätskult; ihre Helden hatten eine klare Sicht auf das Geschehen. Doch gleichzeitig vermieden es die Autoren, soziale Probleme zu beschreiben. Die Autoren kämpften dafür, Leben zu verändern. Der Akmeismus in der russischen Literatur des Silbernen Zeitalters drückte sich in einer gewissen Untergangsstimmung und Traurigkeit aus. Es zeichnet sich durch Merkmale wie intime Themen, emotionslose Intonationen und psychologische Betonung der Hauptfiguren aus. Lyrik, Emotionalität, Glaube an Spiritualität... All dies ist charakteristisch für die sowjetische Periode der Literaturentwicklung. Das Hauptziel der Acmeisten bestand darin, dem Bild seine frühere Konkretheit zurückzugeben und die Fesseln der fiktiven Verschlüsselung zu übernehmen.

FUTURISMUS

Nach dem Akmeismus begann sich in der russischen Literatur des Silbernen Zeitalters eine Richtung wie der Futurismus zu entwickeln. Man kann es Avantgarde nennen, die Kunst der Zukunft... Die Autoren begannen, die traditionelle Kultur zu leugnen und ihren Werken Merkmale des Urbanismus und der Maschinenindustrie zu verleihen. Sie versuchten, das Unvereinbare zu verbinden: dokumentarisches Material und Fiktion, und experimentierten mit dem sprachlichen Erbe. Und wir müssen zugeben, dass es ihnen gelungen ist. Hauptmerkmal Diese Periode des Silbernen Zeitalters der russischen Literatur ist ein Widerspruch. Dichter schlossen sich nach wie vor in verschiedenen Gruppen zusammen. Eine Revolution der Form wurde ausgerufen. Die Autoren versuchten, es vom Inhalt zu befreien.

Imagismus

In der russischen Literatur des Silbernen Zeitalters gab es auch eine Bewegung wie den Imagismus. Es manifestierte sich in der Schaffung eines neuen Bildes. Der Schwerpunkt lag auf der Metapher. Die Autoren versuchten, echte metaphorische Ketten zu schaffen. Sie verglichen die unterschiedlichsten Elemente gegensätzlicher Bilder und verliehen Wörtern eine direkte und bildliche Bedeutung. Das Silberne Zeitalter der russischen Literatur war in dieser Zeit von schockierenden und anarchischen Zügen geprägt. Die Autoren begannen, sich von der Unhöflichkeit zu lösen.

Das Silberzeitalter zeichnet sich durch Heterogenität und Vielfalt aus. Besonders deutlich wird das Bauernthema. Es kann in den Werken von Schriftstellern wie Koltsov, Surikov, Nikitin beobachtet werden. Aber es war Nekrasov, der ein besonderes Interesse hervorrief. Er schuf echte Skizzen dörflicher Landschaften. Das Thema des Bauernvolkes in der russischen Literatur des Silbernen Zeitalters wurde von allen Seiten thematisiert. Die Autoren sprechen über das schwere Schicksal der einfachen Menschen, wie hart sie arbeiten müssen und wie düster ihr Leben in der Zukunft aussieht. Besondere Aufmerksamkeit verdienen Nikolai Klyuev, Sergei Klychkov und andere Autoren, die selbst aus dem Dorf stammen. Sie beschränkten sich nicht auf das Thema Dorf, sondern versuchten, das Landleben, das Handwerk und die Umwelt zu poetisieren. Ihre Werke offenbaren auch das Thema der jahrhundertealten Nationalkultur.

Die Revolution hatte auch einen erheblichen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Literatur des Silbernen Zeitalters. Bauerndichter nahmen es mit großer Begeisterung auf und widmeten sich ihm im Rahmen ihres Schaffens ganz. Aber Kreativität stand in dieser Zeit nicht an erster Stelle, sie wurde an zweiter Stelle wahrgenommen. Die ersten Positionen wurden von der proletarischen Poesie besetzt. Sie wurde zur Frontlinie erklärt. Nach Abschluss der Revolution ging die Macht an die Bolschewistische Partei über. Sie versuchten, die Entwicklung der Literatur zu kontrollieren. Angetrieben von dieser Idee vergeistigten die Dichter des Silbernen Zeitalters den revolutionären Kampf. Sie verherrlichen die Macht des Landes, kritisieren alles Alte und fordern die Parteiführer auf, sich zu melden. Diese Zeit ist geprägt von der Verherrlichung des Stahl- und Eisenkults. Den Wendepunkt der traditionellen Bauerngründungen erlebten Dichter wie Klyuev, Klychkov und Oreshin.

Das Silberne Zeitalter der russischen Literatur wird immer mit Autoren wie K. Balmont, V. Bryusov, F. Sologub, D. Merezhkovsky, I. Bunin, N. Gumilev, A. Blok, A. Bely identifiziert. Zu dieser Liste können wir M. Kuzmin, A. Akhmatova, O. Mandelstam hinzufügen. Nicht weniger bedeutsam für die russische Literatur sind die Namen I. Severyanin und V. Khlebnikov.

Abschluss

Die russische Literatur des Silbernen Zeitalters ist mit folgenden Merkmalen ausgestattet. Dies ist die Liebe zum kleinen Mutterland, das Festhalten an alten Volksbräuchen und moralischen Traditionen, die weit verbreitete Verwendung religiöser Symbole usw. In ihnen lassen sich christliche Motive und heidnische Überzeugungen nachweisen. Viele Autoren versuchten, sich Volksgeschichten und Bildern zuzuwenden. Die urbane Kultur, die jeder satt hat, hat Züge der Verleugnung angenommen. Es wurde mit dem Kult der Instrumente und des Eisens verglichen. Das Silberne Zeitalter hinterließ der russischen Literatur ein reiches Erbe und füllte den Bestand der russischen Literatur mit hellen und einprägsamen Werken auf.