Wie man den kreativen Weg von Anna Akhmatova kurz beschreibt. Der kreative Weg von A.A. Akhmatova

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OBOUSPO "Lipetsk Regional College of Arts benannt nach K. N. Igumnow"

Öffentlicher Redetext

"Kreativität von Anna Akhmatova

Lipezk 2015

Anna Andreevna Akhmatova (richtiger Name - Gorenko) wurde in die Familie eines Schiffsingenieurs, eines Kapitäns des 2. Großer Brunnen in der Nähe von Odessa. Ein Jahr nach der Geburt ihrer Tochter zog die Familie nach Zarskoje Selo. Hier wurde Akhmatova Schüler des Mariinsky-Gymnasiums, verbrachte jedoch jeden Sommer in der Nähe von Sewastopol. „Meine ersten Eindrücke sind Zarskoje Selo“, schrieb sie in einer späteren autobiografischen Notiz, „die grüne, feuchte Pracht der Parks, die Weide, auf die mich das Kindermädchen brachte, das Hippodrom, auf dem kleine bunte Pferde galoppierten, der alte Bahnhof und noch etwas anderes wurde später Teil der Tsarskoye Selo Ode "".

1905, nach der Scheidung ihrer Eltern, zogen Akhmatova und ihre Mutter nach Jewpatoria. 1906 - 1907. Sie studierte 1908 - 1910 in der Abschlussklasse des Kiewer Fundukleevskaya-Gymnasiums. - in der Rechtsabteilung der Kiewer Höheren Kurse für Frauen. Am 25. April 1910 heiratete sie "jenseits des Dnjepr in einer Dorfkirche" NS Gumilyov, den sie 1903 kennenlernte. 1907 veröffentlichte er ihr Gedicht "Es gibt viele glänzende Ringe an seiner Hand ..." in der Pariser Zeitschrift "Sirius". Die Stilistik von Akhmatovas frühen poetischen Experimenten wurde maßgeblich durch ihre Bekanntschaft mit der Prosa von K. Hamsun, mit der Poesie von V. Ya. Bryusov und A. A. Blok beeinflusst. Achmatowa verbrachte ihre Flitterwochen in Paris, zog dann nach St. Petersburg und lebte von 1910 bis 1916 hauptsächlich in Zarskoje Selo. Sie studierte an den Höheren Geschichts- und Literaturkursen von N.P. Raeva. Am 14. Juni 1910 debütierte Akhmatova auf dem Wyach-Turm. Ivanova. Zeitgenossen zufolge "hörte Wjatscheslaw ihren Gedichten sehr hart zu, billigte nur eine Sache, schwieg über den Rest, kritisierte einen." Das Fazit des "Meisters" war gleichgültig ironisch: "Was für eine dicke Romantik ..."

Nachdem sie 1911 den Nachnamen ihrer Urgroßmutter mütterlicherseits als literarisches Pseudonym gewählt hatte, erschien sie in Petersburger Zeitschriften, darunter Apollo. Seit der Gründung der "Gilde der Dichter" war sie deren Sekretärin und aktive Teilnehmerin.

1912 erschien die erste Sammlung von Akhmatova "Evening" mit einem Vorwort von MA Kuzmin. "Eine liebe, freudige und traurige Welt" öffnet sich den Augen des jungen Dichters, aber die Konzentration der psychologischen Erfahrungen ist so stark, dass sie das Gefühl einer nahenden Tragödie evoziert. In den fragmentarischen Skizzen werden Kleinigkeiten betont, „konkrete Fragmente unseres Lebens“, die ein Gefühl akuter Emotionalität hervorrufen. Diese Aspekte von Achmatovas poetischer Weltanschauung wurden von Kritikern mit den für die neue poetische Schule charakteristischen Tendenzen korreliert. Sie sahen in ihren Gedichten nicht nur die dem Zeitgeist entsprechende Brechung der Idee der ewigen Weiblichkeit, die nicht mehr mit symbolischen Zusammenhängen verbunden ist, sondern auch jene extreme „Verfeinerung“. Eine psychologische Zeichnung, die am Ende der Symbolik möglich wurde. Durch die "niedlichen kleinen Dinger", durch die ästhetische Bewunderung für Freuden und Sorgen machte sich eine schöpferische Sehnsucht nach dem Unvollkommenen breit - eine Eigenschaft, die SM Gorodetsky als "akmeistischen Pessimismus" definierte und damit noch einmal die Zugehörigkeit Akhmatovas zu einer bestimmten Schule unterstrich. Die Traurigkeit, die die Verse von "Evenings" atmeten, schien der Kummer "eines weisen und bereits müden Herzens" zu sein und war durchdrungen " tödliches Gift Ironie ", so G. I. Chulkov, aus der die poetische Genealogie von Akhmatova zu I. F. Annensky hervorging, den Gumilyov das" Banner "für" Suchende nach neuen Wegen " nannte und sich auf die akmeistischen Dichter bezog. Anschließend erzählte Akhmatova, wie eine Offenbarung für sie war ihre Bekanntschaft mit den Gedichten des Dichters, der ihr eine "neue Harmonie" offenbart hatte.

Ihre Texte entpuppten sich nicht nur als "verliebte Schulmädchen", wie Akhmatova ironisch bemerkte. Zu ihren begeisterten Bewunderern gehörten Dichter, die gerade erst in die Literatur eintraten - MI Tsvetaeva, BL Pasternak. Zurückhaltender, Aber dennoch reagierten AA Blok und V. Ya. Bryusov zustimmend auf Akhmatova. In diesen Jahren wurde Akhmatova zum Lieblingsmodell vieler Künstler und Adressat zahlreicher poetischer Widmungen. Ihr Bild wird allmählich zu einem integralen Symbol der St. Petersburger Poesie der Ära des Akmeismus. Während des Ersten Weltkriegs verband Achmatowa ihre Stimme nicht mit den Stimmen von Dichtern, die das offizielle patriotische Pathos teilten, aber sie reagierte mit Schmerz auf die Kriegstragödien (Juli 1914, Gebet usw.). Die im September 1917 erschienene Sammlung "White Flock" hatte keinen so durchschlagenden Erfolg wie die vorherigen Bücher. Aber die neue Intonation von trauriger Feierlichkeit, Gebetsbereitschaft, einem zu persönlichen Prinzip zerstörte das übliche Stereotyp von Achmatovs Poesie, das sich unter den Lesern ihrer frühen Gedichte entwickelt hatte. Diese Veränderungen wurden von OE Mandelstam festgehalten und bemerkte: "Die Stimme der Entsagung wird in Akhmatovas Gedichten immer stärker, und derzeit nähert sich ihre Poesie zu einem der Symbole der Größe Russlands." Nach der Oktoberrevolution verließ Achmatowa ihre Heimat nicht und blieb in ihrem "tauben und sündigen Land". In den Gedichten dieser Jahre (Sammlungen "Wegerich" und "Anno Domini MCMXXI", beide - 1921) verschmilzt die Trauer um das Schicksal der Heimat mit dem Thema der Loslösung von der Eitelkeit der Welt, den Motiven der "großen irdischen Liebe". " sind von mystischen Erwartungsstimmungen des "Bräutigams" gefärbt, und das Verständnis der Kreativität als göttliche Gnade regt zum Nachdenken über das poetische Wort und die Berufung des Dichters an und übersetzt sie in einen "ewigen" Plan.

In den tragischen 1930-1940er Jahren teilte Achmatowa das Schicksal vieler ihrer Landsleute, nachdem sie die Verhaftung ihres Sohnes, Ehemanns, den Tod von Freunden und ihre Exkommunikation aus der Literatur durch ein Parteidekret von 1946 überlebt hatte moralisches Recht, gemeinsam mit den „hundert Millionen Menschen“ zu sagen: „Wir haben sie nicht einen einzigen Schlag von sich abgewendet.“ Akhmatovas Werke aus dieser Zeit - das Gedicht "Requiem" (1935? 1987 in der UdSSR veröffentlicht), Gedichte, die während des Großen Vaterländischen Krieges geschrieben wurden, zeugen von der Fähigkeit des Dichters, die Erfahrung der persönlichen Tragödie nicht vom Verständnis der katastrophalen Natur der Geschichte zu trennen selbst. BM Eikhenbaum betrachtete den wichtigsten Aspekt von Achmatovas poetischer Wahrnehmung der Welt "das Gefühl ihres persönlichen Lebens als ein nationales, nationales Leben, in dem alles von Bedeutung und universeller Bedeutung ist". „Von hier“, notierte der Kritiker, „der Eintritt in die Geschichte, in das Leben des Volkes, von hier aus – eine besondere Art von Mut verbunden mit dem Gefühl, auserwählt zu sein, einer Sendung, einer großen, wichtigen Sache .. ." Eine grausame, disharmonische Welt bricht in Akhmatovas Poesie ein und diktiert neue Themen und neue Poetiken: das Gedächtnis der Geschichte und das Gedächtnis der Kultur, das Schicksal einer Generation, betrachtet in einer historischen Retrospektive ... Multitemporale Erzählpläne kreuzen sich, das "fremde Wort" geht in die Tiefe des Subtextes, die Geschichte wird gebrochen durch die "ewigen" Bilder der Weltkultur, biblischer und evangelischer Motive. Deutliches Understatement wird zu einem der künstlerischen Prinzipien von Akhmatovas Spätwerk. Darauf wurde die Poetik des letzten Werkes aufgebaut - "Gedichte ohne Held" (1940 - 65), mit dem sich Akhmatova in den 1910er Jahren von Petersburg und der Ära, die sie zur Dichterin machte, verabschiedete. Akhmatovas Werk als größtes kulturelles Phänomen des 20. Jahrhunderts. erhielt weltweite Anerkennung.

1964 wurde sie Preisträgerin des internationalen Etna-Taormina-Preises und 1965 wurde ihr die Ehrendoktorwürde in Literatur der Universität Oxford verliehen. Am 5. März 1966 beendete Akhmatova ihre Tage auf Erden. Am 10. März, nach der Trauerfeier in der Nikolsky-Marine-Kathedrale, wurde ihre Asche auf dem Friedhof im Dorf Komarovo bei Leningrad beigesetzt.

A. A.Achmatowa

1912 wurde der erste Gedichtband von Achmatowa "Abend" veröffentlicht, gefolgt von den Sammlungen "Tschetki" (1914), "Weiße Herde" (1917), "Wegerich" (1921) usw. Akhmatova schloss sich der Gruppe der Akmeisten an. Akhmatovas Texte wuchsen auf echtem, lebendigem Boden und schöpften aus ihr die Motive der "großen irdischen Liebe". Kontrast - Besonderheit ihre Poesie; melancholische, tragische Töne wechseln sich mit leichten, jubelnden ab.

Weit entfernt von der revolutionären Realität verurteilte Achmatowa scharf die weiße Auswanderung, Menschen, die mit ihrer Heimat brachen ("Nicht mit denen, die das Land verlassen haben ..."). Im Laufe der Jahre war es schwierig und widersprüchlich, in Akhmatovas Werk neue Akzente zu setzen und die geschlossene Welt der verfeinerten ästhetischen Erfahrungen zu überwinden.

Seit den 30er Jahren. Akhmatovas poetischer Bereich erweitert sich etwas; das Erklingen des Themas des Vaterlandes, der Berufung des Dichters, wird intensiviert. Während des Großen Vaterländischen Krieges stechen patriotische Verse in der armenischen Poesie hervor. In den lyrischen Zyklen „Der Mond im Zenit“, „Aus dem Flugzeug“ erklingen die Motive der Blutsvereinigung mit dem Land.

Der Höhepunkt von Akhmatovas Werk ist das große lyrisch-epische Gedicht ohne Helden (1940-62). Die tragische Handlung des Selbstmords des jungen Dichters spiegelt das Thema des bevorstehenden Zusammenbruchs der alten Welt wider; das Gedicht zeichnet sich durch den Reichtum des figurativen Inhalts, die Verfeinerung des Wortes, des Rhythmus, des Klangs aus.

Wenn man über Anna Andreevna spricht, muss man unbedingt die Erinnerungen von Menschen erwähnen, die sie kannten. In diesen Geschichten spürt man die ganze innere Welt von Akhmatova. Wir laden Sie ein, in die Welt von K.I. Tschukowski: „Ich kannte Anna Andreevna Akhmatova seit 1912. Sie war dünn, schlank, wie ein schüchternes fünfzehnjähriges Mädchen, sie hat ihren Mann, den jungen Dichter NS Gumilyov, der gleichzeitig beim ersten Treffen nannte sie seine Schülerin.

Das war die Zeit ihrer ersten Gedichte und außergewöhnlichen, unerwartet lauten Triumphe. Zwei, drei Jahre vergingen, und in ihren Augen, in ihrer Haltung und im Umgang mit Menschen zeichnete sich ein Hauptmerkmal ihrer Persönlichkeit ab: Majestät. Nicht Arroganz, nicht Arroganz, nicht Arroganz, sondern gerade die Majestät des "königlichen", monumental bedeutsamen Schrittes, ein unzerstörbares Gefühl des Respekts vor sich selbst, vor dem erhabenen Schreibauftrag.

Jedes Jahr wurde sie majestätischer. Es war ihr egal, es kam von alleine. In dem ganzen halben Jahrhundert, das wir uns kennen, erinnere ich mich an kein einziges flehendes, einschmeichelndes, kleinliches oder erbärmliches Lächeln auf ihrem Gesicht.

Akhmatova Biografie Texte Akmeismus

Sie war völlig frei von jeglichem Eigentumsgefühl. Sie liebte und behielt Dinge nicht, sie trennte sich überraschend leicht von ihnen. Sie war eine obdachlose Nomadein und schätzte Eigentum nicht so sehr, dass sie sich bereitwillig davon wie von einer Last befreite. Ihre engen Freunde wussten, dass es sich lohnte, ihr zum Beispiel eine seltene Gravur oder Brosche zu geben, und in ein oder zwei Tagen würde sie diese Geschenke an andere verteilen. Schon in ihrer Jugend, in den Jahren ihres kurzen „Wohlstands“, lebte sie ohne sperrige Schränke und Kommoden, oft sogar ohne Schreibtisch.

Es gab keinen Trost um sie herum, und ich erinnere mich in ihrem Leben nicht an eine solche Zeit, in der die Umgebung um sie herum als gemütlich bezeichnet werden konnte.

Schon die Worte "Atmosphäre", "Behaglichkeit", "Komfort" waren ihr organisch fremd - sowohl im Leben als auch in der von ihr geschaffenen Poesie. Im Leben und in der Poesie war Akhmatova meistens obdachlos ... Es war gewohnheitsmäßige Armut, von der sie nicht einmal versuchte, sich zu befreien.

Sogar Bücher, mit Ausnahme der beliebtesten, die sie las, gab sie anderen. Nur Puschkin, die Bibel, Dante, Shakespeare, Dostojewski waren ihre ständigen Gesprächspartner. Und diese Bücher – das eine oder andere – nahm sie oft mit auf Reisen. Der Rest der Bücher verschwand, nachdem er sie besucht hatte ...

Sie war eine der meistgelesenen Dichterinnen ihrer Zeit. Ich hasste es, Zeit damit zu verschwenden, die modischen Sensationen zu lesen, über die Zeitschriften- und Zeitungskritiker schrien. Aber sie las und las jedes ihrer Lieblingsbücher mehrmals und kehrte immer wieder darauf zurück.

Wenn man Akhmatovas Buch durchblättert, stößt man plötzlich zwischen den traurigen Seiten über Trennung, Waisenschaft, Obdachlosigkeit auf solche Verse, die uns davon überzeugen, dass es im Leben und in der Poesie dieses "heimatlosen Wanderers" ein Haus gab, das ihr diente zu allen Zeiten als ihr treuer und rettender Zufluchtsort.

Dieses Haus ist die Heimat, das Heimatland Russlands. Von klein auf bis in dieses Haus gab sie all ihre leichtesten Gefühle, die sich voll und ganz offenbarten, als er den unmenschlichen Angriffen der Nazis ausgesetzt war. Ihre bedrohlichen Zeilen begannen in der Presse zu erscheinen, die zutiefst mit dem Mut und der Wut des Volkes übereinstimmten.

Anna Akhmatova ist eine Meisterin der Historienmalerei. Die Definition ist seltsam und weit entfernt von früheren Einschätzungen ihrer Fähigkeiten. Es ist unwahrscheinlich, dass diese Definition in den ihr gewidmeten Büchern, Artikeln und Rezensionen mindestens einmal angetroffen wurde - in all der umfangreichen Literatur über sie.

Ihre Bilder lebten nie ihr eigenes Leben, sondern dienten immer dazu, die lyrischen Erfahrungen des Dichters, seine Freuden, Sorgen und Sorgen zu offenbaren. In wenigen Worten und mit Zurückhaltung drückte sie all diese Gefühle aus. Ein kaum wahrnehmbares mikroskopisches Bild war in ihr von so großen Emotionen durchdrungen, dass er allein Dutzende von erbärmlichen Linien ersetzte.

Es gab mehrere Menschen, mit denen sie besonders "gut gelacht" hatte, wie sie gerne sagte. Sie waren Osip Mandelstam und Mikhail Leonidovich Lozinsky - ihre Kameraden, die engsten ...

Im Charakter von Akhmatova gab es viele verschiedene Qualitäten, die nicht in das eine oder andere vereinfachte Schema passten. Ihre reiche, mehrsilbige Persönlichkeit war voller Eigenschaften, die selten in einer Person vereint sind.

... Achmatowas "traurige und bescheidene Größe" war ihr angeborenes Eigentum. Sie blieb immer und überall majestätisch, in allen Lebenslagen - sowohl im Smalltalk als auch in intimen Gesprächen mit Freunden und unter den Schlägen eines heftigen Schicksals - "auch jetzt in Bronze, auf einem Podest, auf einer Medaille!"

Liebestexte in den Werken von A.A. Achmatowa

Unmittelbar nach der Veröffentlichung der ersten Sammlung "Evening" fand eine Art Revolution in der russischen Literatur statt - Anna Akhmatova, "die zweite große Lyrikerin nach Sappho", erschien. Was war revolutionär an Achmatowas Auftritt? Erstens hatte sie praktisch keine literarische Lehrzeit; Nach der Veröffentlichung von The Evening zählten Kritiker sie sofort zu den russischen Dichtern. Zweitens erkannten die Zeitgenossen, dass Achmatowa "nach dem Tod von Blok zweifellos den ersten Platz unter den russischen Dichtern innehatte".

Der moderne Literaturkritiker NN Skatov bemerkte subtil: "... wenn Blok wirklich der charakteristischste Held seiner Zeit ist, dann ist Akhmatova natürlich seine charakteristischste Heldin, die sich in der unendlichen Vielfalt des Frauenschicksals manifestiert."

Und dies ist das dritte Merkmal des revolutionären Charakters ihrer Arbeit. Vor Akhmatova kannte die Geschichte viele Dichterinnen, aber nur sie schaffte es, die weibliche Stimme ihrer Zeit zu werden, eine Dichterin von ewiger, universeller Bedeutung.

Sie hat es wie keine andere geschafft, die am meisten geschätzten Tiefen der weiblichen Innenwelt, Erfahrungen, Zustände und Stimmungen zu offenbaren. Um eine enorme psychologische Überzeugungskraft zu erreichen, verwendet sie ein umfangreiches und lakonisches künstlerisches Mittel der Detailsprache, das für den Leser zu einem "Zeichen der Not" wird. Dies können Details der Kleidung (Hut, Schleier, Handschuh, Ring usw.), Möbel (Tisch, Bett usw.), Pelz, Kerzen, Jahreszeiten, Naturphänomene (Himmel, Meer, Sand, Regen, Überschwemmung usw.) sein. ) etc.), Gerüche und Geräusche der umgebenden, erkennbaren Welt. Achmatowa genehmigt " Bürgerrechte Die Verwendung solcher Details reduziert nicht, "erdet" nicht und vulgarisiert traditionell hohe Themen nicht. Im Gegenteil, die Tiefe der Gefühle und Reflexionen der lyrischen Heldin erhält zusätzliche künstlerische Überzeugungskraft und fast sichtbare Authentizität. Viele prägnante Details von Akhmatova - Künstler konzentrierte nicht nur eine ganze Palette von Erfahrungen in sich, sondern wurde zu allgemein anerkannten Formeln, Aphorismen, die den Zustand der menschlichen Seele ausdrückten. linke Hand"Handschuh mit rechte Hand", und ist zu einem Sprichwort geworden" Wie viele Anfragen von den Geliebten immer! // Eine Frau, die sich entliebt hat, hat keine Wünsche "und vieles mehr. Akhmatova führte über das Handwerk des Dichters eine weitere geniale Formel in die Poesie ein.

Akhmatova würdigt die hohe universelle Rolle der Liebe, ihre Fähigkeit, diejenigen zu inspirieren, die lieben. Wenn Menschen diesem Gefühl verfallen, erfreuen sie sich an den kleinsten alltäglichen Details, die mit liebevollen Augen gesehen werden: Linden, Blumenbeete, dunkle Gassen, Straßen usw. ändern ihre emotionale Färbung selbst solche in der Weltkultur konstanten "Anzeichen von Ärger" wie "der scharfe Schrei einer Krähe am schwarzen Himmel, // Und in den Tiefen der Gasse der Bogen der Krypta" - sie werden auch zu kontrastierenden Zeichen der Liebe in der Akhmatov Kontext. Liebe schärft den Tastsinn:

Schließlich waren die Sterne größer.

Schließlich rochen die Kräuter anders,

Herbstkräuter.

(Liebe siegt betrügerisch ...)

Und doch Akhmatovskaya Liebe Poesie- vor allem die Texte einer Trennung, des Endes einer Beziehung oder eines Gefühlsverlustes. Fast immer ist ihr Gedicht über die Liebe eine Geschichte über die letzte Begegnung („Lied der letzten Begegnung“) oder über eine Abschiedserklärung, eine Art lyrischer fünfter Akt des Dramas.“ wie zum Beispiel in Gedichten über Dido und Kleopatra, Aber ihre Trennungszustände sind überraschend vielfältig und allumfassend: das ist ein gekühltes Gefühl (für sie, für ihn, für beide), und Missverständnis und Versuchung und ein Irrtum und die tragische Liebe des Dichters In a Wort, alle psychologischen Facetten der Trennung wurden in Akhmatovs Texten verkörpert.

Es ist kein Zufall, dass Mandelstam die Ursprünge ihres Werks nicht auf die Poesie, sondern auf die psychologische Prosa des 19. Edles Nest", ganz Dostojewski und teilweise sogar Leskov ... Sie hat ihre poetische Form entwickelt, scharf und militärisch, mit Blick auf die Prosa."

Es war Akhmatova, die es geschafft hat, der Liebe "das Recht der weiblichen Stimme" ("Ich habe Frauen das Sprechen beigebracht", grinst sie im Epigramm "Könnte Biche ...") zu geben und die Vorstellungen von Frauen über das Ideal der Männlichkeit in der Texte, um nach Zeitgenossen eine reiche Palette "männlicher Reize" zu präsentieren - Objekte und Adressaten weiblicher Gefühle.

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Literarischer Name - Anna Akhmatova

Anna Akhmatova wurde 1889 in der Nähe von Odessa in der Familie eines erblichen Adligen, des pensionierten Marinemaschineningenieurs Andrei Gorenko, geboren. Der Vater hatte Angst, dass die poetischen Hobbys seiner Tochter seinen Namen schänden würden, also nahm die zukünftige Dichterin schon in jungen Jahren ein kreatives Pseudonym an - Akhmatova.

„Sie haben mich Anna zu Ehren meiner Großmutter Anna Yegorovna Motovilova genannt. Ihre Mutter war eine Chingizid-Frau, eine tatarische Prinzessin Akhmatova, deren Nachname, ohne zu wissen, dass ich eine russische Dichterin werden würde, meinen literarischen Namen machte.
Anna Achmatowa

Die Kindheit von Anna Akhmatova verbrachte sie in Zarskoje Selo. Wie sich die Dichterin erinnert, lernte sie aus Leo Tolstois "ABC" lesen, sprach Französisch und hörte zu, wie die Lehrerin mit den älteren Schwestern lernte. Mit 11 Jahren schrieb die junge Dichterin ihr erstes Gedicht.

Anna Achmatowa als Kind. Foto: maskball.ru

Anna Achmatowa. Fotos: maskball.ru

Die Familie Gorenko: Inna Erasmovna und Kinder Victor, Andrey, Anna, Iya. Foto: maskball.ru

Akhmatova studierte am Tsarskoye Selo Frauengymnasium "Zuerst schlecht, dann viel besser, aber immer zurückhaltend"... 1905 wurde sie zu Hause unterrichtet. Die Familie lebte in Jewpatoria - Anna Akhmatovas Mutter trennte sich von ihrem Mann und ging an die Südküste, um Tuberkulose zu behandeln, die sich bei Kindern verschlechtert hatte. In den folgenden Jahren zog das Mädchen zu ihren Verwandten nach Kiew - dort absolvierte sie das Fundukleevskaya-Gymnasium und schrieb sich dann in der Rechtsabteilung der Höheren Kurse für Frauen ein.

In Kiew begann Anna mit Nikolai Gumilyov zu korrespondieren, der sie in Zarskoje Selo umwarb. Zu dieser Zeit war der Dichter in Frankreich und gab die Pariser russische Wochenzeitung Sirius heraus. 1907 wurde das erste veröffentlichte Gedicht von Akhmatova „Es gibt viele glänzende Ringe an seiner Hand…“ auf den Seiten von Sirius veröffentlicht. Im April 1910 heirateten Anna Akhmatova und Nikolai Gumilyov - in der Nähe von Kiew, im Dorf Nikolskaya Slobodka.

Wie Achmatowa schrieb: "Keine einzige Generation hat ein solches Schicksal gehabt."... In den 1930er Jahren wurde Nikolai Punin festgenommen und Lev Gumilyov wurde zweimal festgenommen. 1938 wurde er zu fünf Jahren Zwangsarbeitslager verurteilt. Akhmatova schrieb später eines ihrer berühmten Werke über die Gefühle der Frauen und Mütter von "Volksfeinden" - Opfern der Repressionen der 1930er Jahre - das autobiografische Gedicht "Requiem".

1939 wurde die Dichterin in den Verband sowjetischer Schriftsteller aufgenommen. Vor dem Krieg wurde die sechste Sammlung von Akhmatova, From Six Books, veröffentlicht. "Der Vaterländische Krieg von 1941 hat mich in Leningrad gefunden", - schrieb die Dichterin in ihren Memoiren. Achmatowa wurde zuerst nach Moskau, dann nach Taschkent evakuiert - dort trat sie in Krankenhäusern auf, las Gedichten verwundeten Soldaten vor und "fing eifrig die Nachrichten über Leningrad, über die Front" auf. Der Dichter konnte erst 1944 in die nördliche Hauptstadt zurückkehren.

„Ein schrecklicher Geist, der vorgab, meine Stadt zu sein, überraschte mich so sehr, dass ich dieses Treffen mit ihm in Prosa beschrieb ... Prosa schien mir immer sowohl ein Geheimnis als auch eine Versuchung zu sein. Von Anfang an wusste ich alles über Poesie - ich wusste nie etwas über Prosa."
Anna Achmatowa

"Dekadent" und Nobelpreisträger

Im Jahr 1946 wurde vom Organisationsbüro des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei (Bolschewiki) eine Sonderresolution "Über die Zeitschriften" Zvezda" und "Leningrad" herausgegeben - für" die Bereitstellung einer literarischen Tribüne "für" prinzipienlose, ideologische schädliche Werke." Es betraf zwei sowjetische Schriftsteller - Anna Achmatowa und Michail Soschtschenko. Beide wurden aus dem Schriftstellerverband ausgeschlossen.

Kuzma Petrow-Wodkin. Porträt von A. A. Achmatowa. 1922. Staatliches Russisches Museum

Natalia Tretjakowa. Akhmatova und Modigliani beim unvollendeten Porträt

Rinat Kuramshin. Porträt von Anna Akhmatova

„Soschtschenko stellt die sowjetische Ordnung und das sowjetische Volk in einer hässlichen karikierten Form dar und verleumdet das sowjetische Volk als primitiv, ungebildet, dumm, mit spießbürgerlichem Geschmack und Moral. Soshchenkos boshafte Hooligan-Darstellung unserer Realität wird von antisowjetischen Angriffen begleitet.
<...>
Akhmatova ist ein typischer Vertreter leerer, prinzipienloser Poesie, die unserem Volk fremd ist. Ihre von Pessimismus und Dekadenz durchdrungenen Gedichte, die den Geschmack der alten Salonpoesie zum Ausdruck bringen, eingefroren in den Positionen bürgerlich-aristokratischer Ästhetik und Dekadenz, "Kunst für die Kunst", die mit ihrem Volk nicht mithalten will, schaden der Bildung unserer Jugend und können in der sowjetischen Literatur nicht geduldet werden.
Ein Auszug aus der Resolution des Organisationsbüros des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki "Über die Zeitschriften" Zvezda "und" Leningrad "

Lew Gumiljow, der sich nach Verbüßung seiner Strafe freiwillig zur Front meldete und Berlin erreichte, wurde erneut festgenommen und zu zehn Jahren Zwangsarbeitslager verurteilt. In all seinen Jahren der Haft versuchte Akhmatova, die Freilassung ihres Sohnes zu erreichen, aber Lev Gumilyov wurde erst 1956 freigelassen.

1951 wurde die Dichterin wieder in den Schriftstellerverband aufgenommen. Da sie nie ein eigenes Haus hatte, erhielt Akhmatova 1955 vom Literaturfonds ein Landhaus im Dorf Komarovo.

„Ich habe nie aufgehört, Gedichte zu schreiben. Für mich sind sie meine Verbindung mit der Zeit, mit neues Leben meine Leute. Als ich sie schrieb, lebte ich nach den Rhythmen, die in der heroischen Geschichte meines Landes erklangen. Ich bin froh, dass ich in diesen Jahren gelebt und Ereignisse gesehen habe, die ihresgleichen suchen.“
Anna Achmatowa

1962 beendete die Dichterin die Arbeit an Poem Without a Hero, an der sie seit 22 Jahren schrieb. Wie der Dichter und Memoirenschreiber Anatoly Naiman bemerkte, wurde "Gedicht ohne einen Helden" von Akhmatova später über Akhmatova geschrieben - sie erinnerte sich und dachte über die Ära nach, die sie fand.

In den 1960er Jahren wurde Akhmatovas Werk weithin anerkannt - die Dichterin wurde für den Nobelpreis nominiert, erhielt in Italien den Literaturpreis Ätna Taormina. Die Universität Oxford verlieh Akhmatova die Ehrendoktorwürde für Literatur. Im Mai 1964 fand im Majakowski-Museum in Moskau ein Abend zum 75. Geburtstag der Dichterin statt. Im nächsten Jahr erschien die letzte lebenslange Sammlung von Gedichten und Gedichten - "The Run of Time".

Die Krankheit zwang Anna Achmatowa im Februar 1966, in ein kardiologisches Sanatorium in der Nähe von Moskau umzuziehen. Sie ist im März verstorben. Der Dichter wurde in der St.-Nikolaus-Marine-Kathedrale von Leningrad und auf dem Komarow-Friedhof beigesetzt.

Slawische Professorin Nikita Struve

Akhmatovas Werk ist normalerweise in nur zwei Perioden unterteilt - früh (1910 - 1930er Jahre) und spät (1940 - 1960er Jahre). Zwischen ihnen gibt es keine unüberwindbare Grenze, und die erzwungene "Pause" dient als Wendepunkt: Nach der Veröffentlichung ihrer Sammlung "Anno Domini MCMXXI" im Jahr 1922 wurde Akhmatova erst Ende der 30er Jahre veröffentlicht. Der Unterschied zwischen der "frühen" und der "späten" Akhmatova ist sowohl auf inhaltlicher Ebene sichtbar ( frühe Achmatowa- ein Kammerdichter, der spätere eine zunehmende Hinwendung zu gesellschaftsgeschichtlichen Themen erfährt) und stilistisch: die erste Periode ist von Objektivität geprägt, das Wort wird nicht metaphorisch rekonstruiert, sondern durch den Kontext scharf transformiert. In Akhmatovas späteren Gedichten dominieren figurative Bedeutungen, das Wort wird in ihnen betont symbolisch. Aber natürlich haben diese Änderungen die Integrität ihres Stils nicht zerstört.

Einst empörte sich Schopenhauer über die weibliche Geschwätzigkeit und schlug sogar vor, das alte Diktum "taceat mulier in ecclesia" auf andere Lebensbereiche auszudehnen. Was würde Schopenhauer sagen, wenn er Achmatowas Gedichte lesen würde? Sie sagen, Anna Akhmatova sei eine der schweigsamsten Dichterinnen, und das trotz ihrer Weiblichkeit. Ihre Worte sind geizig, zurückhaltend, keusch streng, und es scheint, dass es sich nur um konventionelle Zeichen handelt, die am Eingang des Heiligtums eingeschrieben sind ...

Akhmatovas strenge Poesie verblüfft den „Eiferer des künstlerischen Wortes“, dem die vielfarbige Moderne einen so großzügig wohlklingenden Wortlaut verleiht. Der flexible und subtile Rhythmus in Akhmatovas Gedichten ist wie ein gespannter Bogen, aus dem ein Pfeil fliegt. Ein angespanntes und fokussiertes Gefühl ist in einer einfachen, präzisen und harmonischen Form enthalten.

Achmatovas Poesie ist die Poesie der Macht, ihre vorherrschende Intonation ist die Intonation des Willens.

Es ist üblich, dass jeder bei seinen eigenen Leuten sein möchte, aber es gab einen Abgrund zwischen Wollen und Sein. Und sie war kein Unbekannter:

"Über wie viele Abgründe habe ich gesungen ...".

Sie war eine geborene Souveränin, und ihr "Wollen" bedeutete eigentlich: "Ich kann", "Ich werde".

Akhmatova war eine Künstlerin der Liebe, unvergleichlich in poetischer Originalität. Ihre Innovation manifestierte sich zunächst in diesem traditionell zeitlosen Thema. Jeder bemerkte das "Geheimnis" ihrer Texte; Obwohl ihre Gedichte wie Briefseiten oder zerfetzte Tagebucheinträge wirkten, hinterließen ihre extreme Lakonizität und Geiz in der Sprache den Eindruck von Stummheit oder Abhören der Stimme. „Akhmatova rezitiert in ihren Gedichten nicht. Sie spricht einfach, kaum hörbar, ohne Gesten und Posen. Oder betet fast zu sich selbst. In dieser strahlend klaren Atmosphäre, die ihre Bücher schaffen, würde jede Deklamation unnatürlich falsch erscheinen “, schrieb ihre enge Freundin K.I. Tschukowski.

Aber neue Kritik bedrängte sie: wegen Pessimismus, wegen Religiosität, wegen Individualismus und so weiter. Seit Mitte der 1920er Jahre wird es fast nicht mehr veröffentlicht. Es kam eine schmerzhafte Zeit, als sie selbst fast aufhörte, Gedichte zu schreiben und nur Übersetzungen sowie "Puschkin-Studien" anfertigte, die zu mehreren literarischen Werken über den großen russischen Dichter führten.

Betrachten wir die Merkmale der Texte von Anna Akhmatova genauer.

Blumen

Zusammen mit dem allgemeinen "Generik" wird jeder Mensch dank der einen oder anderen Lebenswirklichkeit zu einer "Art", einer individuellen Farbwahrnehmung. Sicher emotionale Zustände, deren Wiedererleben den bisherigen Farbhintergrund im Bewusstsein wiederbelebt. „Der Künstler des Wortes“, der von vergangenen Ereignissen erzählt, „malt“ unwillkürlich die abgebildeten Objekte in der für sich bedeutsamsten Farbe. Ausgehend von einer Menge gleichartiger Objekte kann man also gewissermaßen die Ausgangssituation wiederherstellen und die "Bedeutung" des Autors der verwendeten Farbbezeichnung ermitteln (Umriss des damit verbundenen Erfahrungskreises des Autors). Der Zweck unserer Arbeit: Semantik identifizieren grau in den Werken von A. Akhmatova. Die Stichprobengröße beschränkt sich auf die Werke der wissenschaftlichen Erstausgabe.

Diese Edition enthält 655 Werke, von denen nur 13 grau gestrichene Werke erwähnen. Angesichts der Tatsache, dass fast jedes Stück mindestens eine der Grundfarben des Spektrums enthält (einschließlich Weiß und Schwarz), kann Grau in Akhmatovs Texten nicht als weit verbreitet eingestuft werden. Darüber hinaus ist seine Verwendung auf ein bestimmtes Zeitintervall beschränkt: 1909-1917. Außerhalb dieser acht Jahre haben wir keine einzige Erwähnung dieser Farbe gefunden. Aber innerhalb dieses Intervalls gibt es in manchen Jahren zwei, drei und sogar vier Werke, in denen sich ein graues Objekt befindet. Was ist der Grund für diese "spektrale Eigenschaft"?

Die Liste der grauen Objekte lässt erkennen, dass etwa die Hälfte davon keine "Dinge", sondern "Menschen" sind ("grauäugiger König", "grauäugiger Bräutigam", "grauäugiger war ein großer Junge .) " usw.) und der Rest - Gegenstände, die direkt oder indirekt mit ihnen zusammenhängen ("graues Kleid", "graue Stämme", "graue Asche" usw.). Auf den ersten Blick mag es scheinen, als ob die Antwort an der Oberfläche liegt: Während des angegebenen Zeitraums wurde Akhmatova von einem "Grauäugigen" mitgerissen. Es ist verlockend herauszufinden, wer genau die Daten von Leben und Arbeit vergleicht. Die Auseinandersetzung mit dem intratextuellen Kontext zeigt jedoch, dass die Entwicklung einer künstlerischen Situation einer eigenen Logik unterliegt, ohne die direkte Vergleiche weniger riskant als sinnlos sind. Welche Logik steckt hinter der Graufärbung der Objekte der poetischen Welt von A. Akhmatova?

Für die poetische Welt von Akhmatova ist die umgekehrte Chronologie charakteristisch.

In der Regel erscheint zuerst ein Werk, in dem die Endsituation dargestellt ist, und einige Jahre später erscheinen Texte, in denen Varianten der bisherigen Entwicklungsstufen dargestellt werden. Akhmatova Dichterin Kreativität poetisch

Das letzte ist in unserem Fall die in der Arbeit "Der grauäugige König" beschriebene Situation. Es eröffnet eine chronologische Reihe grauer Objekte (abgeschlossen 1909 und veröffentlicht im ersten Gedichtband "Abend"). Über den Tod des Protagonisten heißt es: "Ehre sei dir, hoffnungsloser Schmerz! / Der grauäugige König ist gestern gestorben ...". Wie Sie sich denken können, war dieser "König" der heimliche Liebhaber der lyrischen Heldin und der Vater ihres Kindes: - "Ich werde meine Tochter jetzt wecken, / ich werde in ihre grauen Augen schauen ...". Lassen Sie uns die folgenden Motive hervorheben, die diese Situation charakterisieren.

Erstens verbindet die lyrischen Helden eine heimliche Liebesbeziehung, und das alles andere als platonisch: Die "grauäugige Tochter" dient als lebender Beweis. Diese Verbindung kann als "illegal" und sogar als "kriminell" bezeichnet werden, da jeder von ihnen seine eigene "legale" Familie hat. Eine königliche Tochter, die in einer "geheimen Ehe" geboren wurde, wird unweigerlich zu einer "Bastard-Prinzessin", die niemandem Freude bereiten kann. Daher wird die erste der manifestierten Bedeutungen wie folgt definiert: die Kriminalität der außerehelichen körperlichen Liebe und das damit verbundene Bedürfnis, sie in einen „Geheimnisschleier“ zu „hüllen“.

Zweitens gehört das Geheimnis, das die lyrischen Helden verbindet, der Vergangenheit an. Zum Zeitpunkt der dargestellten Ereignisse ist einer von ihnen bereits tot, was eine Trennlinie zwischen Vergangenheit und Gegenwart zieht. Die Vergangenheit wird zur unwiderruflichen Vergangenheit. Und da der zweite noch lebt, geht für ihn der Fluss der Zeit weiter und führt ihn immer weiter "am Fluss des Lebens". Diese Bewegung "von der Quelle bis zur Mündung" vergrößert im Laufe der Jahre nur die Breite der verbleibenden Trennlinie glückliche Zeiten... Die zweite der manifestierten Bedeutungen: die Unwiderruflichkeit des Glücks, der Jugend und der Liebe, die in der Vergangenheit geblieben sind, und die Hoffnungslosigkeit der Gegenwart, die im Laufe der Jahre wächst.

Drittens weist der Titel "König" auf die "Höhe der Stellung" des Geliebten (seinen hohen sozialen Status) hin. Diese „Stellungshöhe“ behält er auch nach dem Tod. Der Ausdruck "Dein König ist nicht auf Erden ..." bezeugt: er zog "zum Himmel" ("soziale Vertikale" wurde in "räumliches" umgewandelt). Die Stabilität der "Position" des lyrischen Helden offenbart eine dritte Bedeutung: Der Geliebte ist ein höheres Wesen, das vorübergehend vom Himmel auf die Erde herabgestiegen ist. Damit verbunden ist die vierte Bedeutung: die Zweiteilung der Welt der lyrischen Heldin - "dies" und "das", die nur in einer Liebesvereinigung überwunden wird.

Das gleichzeitige Erscheinen zweier grauäugiger Charaktere (des Königs und seiner Tochter) skizziert zwei Zeilen der späteren ("vorherigen") Entwicklung der Situation. Nennen wir sie konventionell männliche und weibliche Linien und verfolgen wir ihre Verteilung durch den Text, geleitet von den hervorgehobenen grauen Markierungen.

Es ist logisch zu erwarten, dass der Hochzeit der lyrischen Heldin ein Treffen mit dem Bräutigam vorausgeht. Und tatsächlich taucht vier Jahre später ein "grauäugiger Bräutigam" auf: "Es ist egal, dass du arrogant und wütend bist, / Es ist egal, dass du andere liebst. / Vor mir ist ein goldenes Rednerpult, / Und mit mir ist ein grauäugiger Bräutigam" (Ich habe ein Lächeln ..., 1913). Sein Erscheinen enthüllt die dritte und vierte Bedeutung - die Jenseitigkeit des Geliebten, die bedingte Einteilung der Welt in "dies" (wo "du unverschämt und böse bist") und "das" (wo "die goldene Analogie").

Im selben Jahr erscheint die Arbeit "Gehorsam meiner Phantasie / Im Bild grauer Augen", die in reduzierter und abgeschwächter Fassung die Endsituation wiederholt. Protagonist zwar kein "König", aber eine bekannte Person mit hohem sozialen Status: "Mein berühmter Zeitgenosse ...". Wie der "König" ist er verheiratet oder gehört zumindest einer anderen Frau: "Glücklicher Gefangener schöner Hände ...". Der Trennungsgrund ist wie beim letzten Mal "Mord", aber kein Held, sondern "Liebe": "Du, der mir befohlen hat: genug, / Geh, töte deine Liebe! / Und hier schmelze ich ..." .

Ein Jahr später taucht eine noch jüngere Figur auf - immer noch ein "Junge", der in eine lyrische Heldin verliebt ist: "Der Grauäugige war ein großer Junge, / Sechs Monate jünger als ich. / Er brachte mir weiße Rosen ...<...>Ich habe gefragt. - Was bist du - ein Prinz?<...>"Ich möchte dich heiraten, - sagte er, - ich werde bald erwachsen und werde mit dir in den Norden gehen ..."<...>"Denken Sie, ich werde eine Königin, / Wozu brauche ich einen solchen Ehemann?" (Am Meer, 1914).

Dieser "grauäugige Junge" hat noch nicht die erforderliche "Größe" erreicht sozialer Status", deshalb kann er nicht auf Gegenseitigkeit hoffen. Aber schon jetzt zeichnet ihn einiges aus charakteristische Zeichen - hohes Wachstum und " geografische Höhe Bestrebungen“: er geht „nach Norden“ (in hohe Breiten). Dieser „grauäugige Junge“ steht noch näher am „Anfang“ der männlichen Linie der grauen Objekte.

Die weibliche Linie hingegen manifestiert sich als eine Art "Schicksalslinie" der grauäugigen Tochter. Drei Jahre später sehen wir sie als Erwachsene, die es bis zum Treffen mit dem "Schätzchen" geschafft hat, drei Rollen zu wechseln und das "graue Kleid" wieder anzuziehen: "Sieh nicht so aus, stirb nicht wütend, / Ich bin geliebt, ich bin dein. / Keine Hirtin, keine Prinzessin / Und ich bin keine Nonne mehr - // In diesem grauen Alltagskleid, / Auf abgetragenen Absätzen ... "(Du bist mein Brief, Liebes, nicht zerknüllen. 1912).

In dieser Zeit ist viel mehr Zeit in der poetischen Welt vergangen. Die "uneheliche" Königstochter verbrachte ihre Kindheit als "Hirtin"; dann erkannte wahrscheinlich die Witwe des "grauäugigen Königs" ihre Rechte als "Prinzessin" an; dann, aus unbekannten Gründen, folgte Auszug oder Inhaftierung in einem Kloster - eine "Nonne" werden.

Und jetzt, als sie zu ihrer Geliebten zurückkehrt, in der Hoffnung, die Beziehung fortzusetzen, erlebt sie "die gleiche Angst": "Aber wie zuvor eine brennende Umarmung / Die gleiche Angst in großen Augen." Dies ist höchstwahrscheinlich die Angst vor Entblößung, die sie bereits früher bei heimlichen Dates mit ihrem Liebhaber erlebte. Zuvor hatten ihre Eltern "die gleiche Angst", aber in einer spiegelsymmetrischen Situation. Vorher waren dies Treffen des "Königs" mit eine gewöhnliche Frau, und jetzt - eine königliche Tochter mit einem "armen Mann".

Drei Jahre später zieht die grauäugige lyrische Heldin in eine andere Welt, in den "Strahlengarten Gottes": "Ich ging lange durch Felder und Dörfer, / Er ging und fragte die Leute:" Wo ist sie, wo ist sie? das Licht der fröhlichen / grauen Sterne - ihre Augen?<...>... Und über dem dunklen Gold des Thrones / Der göttliche Strahlengarten flammte auf: "Hier ist sie, hier ist das heitere Licht / Graue Sterne - ihre Augen." (Ich ging lange durch Felder und Dörfer ..., 1915). Die Tochter wiederholt das Schicksal ihres Vaters, da sie "von Geburt an" die höchste Position in dieser Welt einnimmt - sie ist eine Nachfahrin eines "höchsten Wesens", das in Form eines "grauäugigen Königs" auf die Erde herabgestiegen ist. Somit werden die männlichen und weiblichen Linien in einem Kreis geschlossen, der die Themenhandlung und chronologisch erschöpft.

Aber das Gesagte gilt nur für anthropomorphe Bilder. Innerhalb dieses Kreises gibt es noch zoomorphe Charaktere und leblose Gegenstände. Das Studium dieses Sets ermöglicht es uns, einige Klarstellungen und Ergänzungen vorzunehmen.

Das erste der erwähnten unbelebten Objekte ist eine graue Wolke, ähnlich einer Eichhörnchenhaut: "Hoch am Himmel wurde eine Wolke grau, / Wie die Haut eines Eichhörnchens ausgebreitet" (1911). Es ist natürlich, die Frage zu stellen: Wo ist das Eichhörnchen, von dem diese "Haut" abgezogen wurde? Nach dem Gesetz der umgekehrten Chronologie gehen wir den Text vier Jahre lang durch und stellen fest, dass das "graue Eichhörnchen" eine der Formen des posthumen Daseins der lyrischen Heldin selbst ist: "Ich habe gestern ein grünes Paradies betreten, / Wo ist Frieden für Körper und Seele...<...>Ich werde auf die Erle springen wie ein graues Eichhörnchen ... / Damit der Bräutigam keine Angst hat ... / Auf die tote Braut warten " (Milo, 1915).

Der zweite, im selben Jahr, 1911, erwähnt grau Hauskatze: "Murka, grau, nicht schnurren ..." - ein Begleiter der Kindheitsjahre der lyrischen Heldin. Und ein Jahr später - der "graue Schwan", ihre Schulfreundin: "Diese Linden haben freilich nicht vergessen / Unser Treffen, mein Junge ist fröhlich. // Erst nachdem er ein arroganter Schwan geworden ist, / hat sich der graue Schwan verändert ." (Es gab ein Federmäppchen und Bücher in Riemen ..., 1912).

Das letzte Beispiel ist besonders bemerkenswert - es zeigt, dass nicht nur die lyrische Heldin, sondern auch ihre Gefährten zu zoomorphen Transformationen fähig sind. Beiläufig stellen wir fest, dass wir, wenn die Verwandlung des "Schwanes" in den Schwan etwas früher stattgefunden hätte, die klassische Szene "Leda und der Schwan" gesehen hätten.

Wenn Sie alle anthropomorphen und zoomorphen Bilder in einer Reihe aneinanderreihen, befindet sich an einem Ende ein kleines Mädchen und ihr Liebling - eine graue Katze und am anderen - ein Erwachsener Verheiratete Frau und ihr Liebhaber ist der grauäugige König. Die Lücke zwischen der Katze und dem König wird nacheinander ("nach Alter") von drei Paaren gefüllt: einem Schulmädchen und einem "grauen Schwan" (er ist ein "fröhlicher Junge"), einem Teenager und einem "grauäugigen" Junge" (nicht mehr "fröhlich", sondern "groß"), "tote Braut" (graues Eichhörnchen) und "grauäugiger Bräutigam".

Vor diesem Hintergrund liegt die Schlussfolgerung nahe, dass die Graufärbung von Objekten der poetischen Welt der gleichen Logik gehorcht wie der natürliche Lebenslauf in der außertextuellen Realität - von Anfang bis Ende nur in umgekehrter chronologischer Reihenfolge realisiert wird Reihenfolge. Daher hat jedes Zeichen zusammen mit dem außertextuellen Prototyp notwendigerweise ein Intratext-"Anfangsbild". Wir wissen nicht, welcher außertextliche Stimulus das Erscheinen des Bildes des grauäugigen Königs bewirkt hat, aber sein Intratext-Prototyp ist ziemlich offensichtlich - es ist Murka.

Dies wird erstens durch die Ähnlichkeit des "Mechanismus" zoomorpher Transformationen gestützt. Die lyrische Heldin "betrat gestern das grüne Paradies", und heute galoppiert sie bereits als "graues Eichhörnchen" durch den Winterwald (also in etwa sechs Monaten). Und der "grauäugige König" "gestorben ...", so ist es nicht verwunderlich, dass er sich heute (zwei Jahre später) in eine graue Katze verwandelt hat.

Zweitens wird dies auch durch das Vorhandensein von zwei grauen "Anziehungspunkten" angezeigt, von denen eines das menschliche Auge ist und das andere die weiche und flauschige "Kleidung" des Tieres (die "Haut" eines Eichhörnchens oder Gefieders von ein Vogel). Die Anwesenheit dieser Zentren ist selbst dann zu spüren, wenn leblose Objekte erwähnt werden.

In der Arbeit "Lewly bitte um Gnade / Augen ..." (1912) wird ihre Farbe beispielsweise nicht formal erwähnt, und dann im zweiten Vierzeiler von "grauen Baumstämmen": "Ich gehe entlang a Weg im Feld, / Entlang der grauen gestapelten Stämme. .. ". Aber tatsächlich ist dies die Farbe der "Augen". Die kanonische Kombination der Bilder des Baumstamms und seines eigenen Auges ist zu bekannt, und außerdem ist es leicht, wenn man sich einem liegenden Baumstamm nähert, seinen Hintern, das gleiche "graue Auge", zu sehen.

In dem Werk "Meine Stimme ist schwach, aber mein Wille schwächt nicht, / Es wurde mir sogar leichter ohne Liebe ..." (1912) weiter, auch im zweiten Vierzeiler, wird "graue Asche" erwähnt: "Ich tue nicht über grauer Asche schmachten ..." ... Die kanonische Kombination der Begriffe Liebe und loderndes Feuer lässt fast keinen Zweifel daran, dass diese „graue Asche“ eine Spur des ehemaligen „Liebesfeuers“ ist. Aber die Hauptqualität der Asche ist in unserem Fall ihre Weichheit und Flauschigkeit sowie die Fähigkeit, beim geringsten Atemzug in einer grauen Wolke abzuheben.

Wahrscheinlich spiegelt das Aussehen dieser Zentren die Fähigkeit wider, Objekte sowohl durch Sicht als auch durch Berührung wahrzunehmen. Die zoomorphe Transformation ist in diesem Fall eine künstlerisch transformierte Version der Wiederbelebung taktiler Bilder im Geist nach visuellen. Das Berühren geht dem Sehen evolutionär voraus und ist damit verbunden, daher könnten die taktilen und visuellen Empfindungen von Kindern aus grauen Tierfellen und Vogelfedern beim Betrachten jedes emotional aufregenden grauen Objekts in Erinnerung gerufen werden, insbesondere wie die grauen Augen eines geliebten Menschen einer.

Drittens erregt die Erhaltung der Beziehungsstruktur Aufmerksamkeit: eines der Mitglieder des Paares Er und Sie ist immer hoch oder hoch, und dieses Schema wird normalerweise dupliziert. Von besonderer Bedeutung ist das letzte Werk dieser Reihe, das acht Jahre später (1917) geschrieben wurde:

Und in eine geheime Freundschaft mit einem Hohen,

Wie ein junger dunkeläugiger Adler,

Ich, wie ein Blumengarten vor dem Herbst,

Ich trat mit leichtem Gang ein.

Da waren die letzten Rosen

Und der transparente Mond schwankte

Auf grauen, dicken Wolken ...

Es enthält die gleichen Motive wie in Der Grauäugige König, in fast den gleichen Worten nacherzählt. Die Handlung findet etwas früher statt ("ein vorherbstlicher Blumengarten", nicht "Herbstabend ..."), aber der alte "Geschmack" wird reproduziert: "es waren die letzten Rosen". Wir können sagen, dass jetzt die Augen von "scharlachroten Flecken" angezogen werden, denn vorher war der ganze "Abend" in dieser Farbe gemalt ("... es war erstickend und scharlachrot"). Und dann war es die "letzte" Farbwahrnehmung vor der herannahenden Dunkelheit.

Der Protagonist ist nicht nur "groß", sondern sieht auch aus wie ein Adler (ein Vogel, der für "Flughöhe" bekannt ist). In diesem "jungen" ist es schwer, einen fast erwachsenen "grauäugigen Jungen" nicht zu erkennen.

Und noch höher ist der "transparente" Mond (dh "grau", wenn wir uns vorstellen, dass der schwarze Nachthimmel durch ihn hindurchscheint). Ein Mond, der auf "grauen, dicken (wie Fell?) Wolken" schwankt, ist mehr als ein offenes Symbol. Die "heimliche Freundschaft" der lyrischen Heldin mit der "Dunkeläugigen" unterscheidet sich nicht von ihrer früheren Liebesbeziehung mit "grauäugig".

So verwandelt sich der "grauäugige König" nach dem Tod (1909) zuerst in die graue Katze (1911) und dann in den Adler (1917). Die lyrische Heldin durchläuft die gleiche Reihe posthumer zoomorpher Transformationen. Neben der Verwandlung in ein graues Eichhörnchen will sie auch ein "Wiesel" (beinahe eine Schwalbe) werden und schließlich - ein Schwan: "Ich werde wie ein graues Eichhörnchen auf eine Erle springen, / Ein furchtbarer Lauf, / ich werde dich rufen ein Schwan ..." (Lieber, 1915).

Die völlige Parallelität der Bildtransformation in den männlichen und weiblichen grauen Linien lässt vermuten, dass das Bild des "grauäugigen Königs" zwei In-Text-Prototypen hatte. Einer von ihnen ist der bereits erwähnte Murka, und der zweite ist seine Geliebte, die sich von Kindheit an als "Königin" fühlte.

Die Semantik von Grau ist die Semantik des grauen Hermelinmantels.

Der ersten Sammlung folgte der zweite Gedichtband - "Rosenkranz" (1914), und im September 1917 wurde die dritte Akhmatov-Sammlung - "Weiße Herde" veröffentlicht. Der Oktoberputsch zwang die Dichterin nicht zur Emigration, obwohl sich ihr Leben dramatisch veränderte und ihr kreatives Schicksal besonders dramatisch war. Sie arbeitete nun in der Bibliothek des Agronomischen Instituts, hatte Anfang der 1920er Jahre Zeit. veröffentlichen zwei weitere Gedichtsammlungen: Wegerich (1921) und Anno Domini (Im Sommer des Herrn, 1922). Danach erschien lange 18 Jahre lang kein einziges ihrer Gedichte im Druck. Die Gründe waren unterschiedlich: Einerseits die Erschießung ihres Ex-Mannes, des Dichters N.S. Gumilyov, der der Beteiligung an einer konterrevolutionären Verschwörung beschuldigt wurde, andererseits die Ablehnung von Achmatowas Gedichten durch die neue sowjetische Kritik. In diesen Jahren des erzwungenen Schweigens beschäftigte sich die Dichterin viel mit Puschkins Werk.

1940 erschien eine Gedichtsammlung "Aus sechs Büchern", die die Dichterin für kurze Zeit wieder auf ihre zeitgenössische Literatur zurückführte. Der Große Vaterländische Krieg fand Achmatowa in Leningrad, von wo aus sie nach Taschkent evakuiert wurde. 1944 kehrte Achmatowa nach Leningrad zurück. Unter grausamer und ungerechter Kritik im Dekret des Zentralkomitees der KPdSU (b) „Über die Zeitschriften“ Zvezda“ und „Leningrad“ wurde die Dichterin 1946 aus dem Schriftstellerverband ausgeschlossen. In den nächsten zehn Jahren beschäftigte sie sich hauptsächlich mit literarischen Übersetzungen. Ihr Sohn, L.N. Gumilev, verbüßte zu dieser Zeit eine Strafe als politischer Krimineller in Zwangsarbeitslagern. Erst in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre. die Rückkehr von Achmatowas Gedichten in die russische Literatur begann, und 1958 wurden wieder Sammlungen ihrer Lyrik veröffentlicht. 1962 wurde das Gedicht ohne Held fertiggestellt, das 22 Jahre lang in Arbeit war. Anna Achmatowa starb am 5. März 1966 und wurde in Komarowo bei St. Petersburg beigesetzt.

Wie man den kreativen Weg von Anna Akhmatova kurz beschreibt. Der kreative Weg von A.A. Akhmatova

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