Die Rolle der gotischen Kultur im mittelalterlichen Europa. Gotik in der Architektur des mittelalterlichen Europas Der führende Typus in der gotischen Kunst

Es gibt keine klare chronologische Grenze zwischen der Romanik und der Gotik. Die Gotik war die höchste Stufe der mittelalterlichen Kunst und der erste gesamteuropäische Kunststil in der Geschichte. Die Franzosen nannten diesen Stil „französische Manier“, „in Stein gefrorene Musik“; „Maniera Gothic“ – die Italiener nannten es verächtlich und spielten damit auf den barbarischen Stamm der Goten im 3.-5. Jahrhundert an. Sie drangen in das Römische Reich ein, obwohl sie zum Zeitpunkt der Entstehung des gotischen Stils in Europa fast vergessen waren.

Frankreich gilt als Geburtsort des gotischen Stils, dessen Grundlage die Kirchenarchitektur ist. Im Jahr 1137 begann Suger, Abt des Klosters Saint-Denis, mit dem Wiederaufbau der Abteikirche, die seit der Zeit der Merowinger als Grabstätte der Könige gedient hatte Aufgrund der Notwendigkeit, den Innenraum zu vergrößern und die Belastung der Wände in der Umgehungsstraße und in den Kapellen zu verringern, errichteten die Bauherren Rahmenbögen – Rippen (aus dem Französischen). nervur - Rand). Dieses Design besteht aus zwei hervorstehenden, sich diagonal kreuzenden Bögen und vier seitlichen Bögen.

Anstelle des zuvor vorherrschenden Halbkreisbogens begann man, einen Spitzbogen zu verwenden, der es ermöglichte, jede Spannweite im Grundriss abzudecken. Durch die Verwendung eines Spitzrippengewölbes konnten die Wände extrem leicht und fast wirkend gestaltet werden

Rippendecken der Kirche Saint-Denis. Paris

Gotischer Tempel. Schneiden

Verdrängen Sie sie und ersetzen Sie sie durch hohe Fenster, die nur durch schmale Stützenzwickel voneinander getrennt sind. Nach Sugers Plan sollte das helle Licht im Altar das „heilige Licht der Religion“ symbolisieren. Die Fenster der Kapellen waren mit farbigen Buntglasfenstern geschmückt, durch die die Sonnenstrahlen den Chor mit Regenbogenschimmer erfüllten. „Das gesamte Heiligtum ist von einem wundersamen und unvergänglichen Licht durchflutet, das durch die heiligen Fenster dringt“, beschrieb Suger den östlichen Teil des Tempels.

Um die Wand zu entlasten, wurde der seitliche Schub der Gewölbe durch aus den Wänden hervorstehende „Klingen“ oder durch einen außerhalb der Wände angebrachten Stützpfeiler „gelöscht“ – Stützpfeiler. Da die gotische Sakralarchitektur die Basilikaform des Gebäudes beibehielt, bei der sich das Mittelschiff über die Seitenschiffe erhob, wurde ein spezieller Verbindungsbogen verwendet – fliegender Strebepfeiler, die von der Ferse des Bogens des Hauptschiffs zum seitlichen Strebepfeiler geworfen wurde. So wurde die Fassade durch Strebepfeiler oder hervorstehende „Klingen“ vertikal in drei Teile geteilt, was symbolisch mit der Idee der Dreifaltigkeit korrespondierte.

Solche architektonischen Techniken ermöglichten es, die Höhe der Kathedrale auf 154 m zu erhöhen, was sogar höher war als die ägyptischen Pyramiden. Die Wand, die keine tragende Struktur mehr war, wurde durch Fenster mit farbigen Einsätzen – Buntglas – ersetzt.

Markierte der Chor der Abteikirche Saint-Denis den Beginn der Verbreitung einer neuen Gewölbegestaltung, so wurde seine Westfassade zum Prototyp der Fassaden gotischer Kathedralen.

Auch die Westfassade wurde in drei Teile geteilt, diesmal jedoch horizontal. Der untere Teil bestand aus den Eingangstüren - Portale. Sie wurden entweder in Form von Vorhallen (Kathedrale von Reims) oder als Innenraum gestaltet pa-

Die Wörter „Gothic“ und „Gothic“ leiten sich vom Namen des kriegerischen Barbarenstamms der Goten ab, der dem großen Römischen Reich einen tödlichen Schlag versetzte. Zum ersten Mal in der Renaissance wurde mittelalterliche Kunst als Gotik bezeichnet, weil die Menschen diese Kunst damals für grob und barbarisch hielten. Aber die Goten haben nichts mit ihm zu tun.

Jede Epoche brachte ihre eigene Kunst hervor, die ihren Bedingungen entsprach und für die Menschen dieser Zeit nah und verständlich war.

Im Mittelalter war die Macht der Kirche so groß, dass sogar Könige gezwungen waren, sich ihr zu unterwerfen.

Die Religion verlangte vom Menschen, auf alles Irdische zu verzichten; er musste nur an Gott denken. Und die Menschen begannen, Tempel von beispielloser Architektur zu bauen.

Die hohen Gewölbe der Kathedralen, farbige Buntglasfenster, durch die Lichtstrahlen strömten, die feierlichen Klänge der Orgel – all dies erregte die Fantasie der Menschen, flößte ihnen die Vorstellung von der Heiligkeit der göttlichen Macht ein und wandte sie zu Religion.

In den Nischen der Außenmauern, am Eingang und im Inneren der Kathedralen befanden sich viele Statuen, die jedoch nicht wie die Statuen der Antike aussahen.

Die Kunst der alten Meister, hell und fröhlich, verherrlichte die körperliche Schönheit des Menschen. Etwas anderes ist die mittelalterliche Kunst. Die christliche Religion lehrte, dass der Mensch selbst und sein Körper sündig sind. Um diese Sünde zu büßen, muss ein Mensch an die Erlösung seiner Seele denken und sein Fleisch abtöten. Das irdische Leben wurde ihm nur gegeben, um sich auf das Leben nach dem Tod vorzubereiten.

Hier entstand der Wunsch mittelalterlicher Meister, zunächst seine Erfahrungen und Gefühle in der Gestalt eines Menschen zu verkörpern. Oft fragt man sich: War es wirklich keinem der mittelalterlichen Künstler möglich, die Proportionen der menschlichen Figur richtig wiederzugeben? Natürlich könnten sie das, aber sie brauchten es einfach überhaupt nicht. Schließlich bestand ihre Aufgabe darin, den spirituellen Impuls eines Menschen zu vermitteln. Deshalb vergrößerten sie die Augen, betonten die traurigen Gesichtsfalten und verlängerten die Figuren. Es gelang ihnen, unsterbliche Werke zu schaffen, in denen sie den endlosen Reichtum der geistigen Welt des Menschen offenbarten.

ARCHITEKTUR

Sämtliche gotische Kunst hat ihren Ursprung in der gotischen Architektur. Seit dem Ende des 12. Jahrhunderts wurden in den von der Herrschaft der Herren befreiten Städten Handelshäuser, Rathäuser und Kathedralen errichtet. Die Hauptdekoration der Stadt war die Kathedrale, die über Jahrzehnte und manchmal sogar Hunderte von Jahren erbaut wurde. Gotische Kathedralen wirken durch die vielen riesigen Fenster hell und transparent. Sie scheinen aus Steinspitze gewebt zu sein. Steile Dachschrägen, Spitzbögen, hohe Türme mit dünnen Türmen – alles erweckt den Eindruck eines rasanten Aufstiegs in die Höhe. Die Höhe der Türme der größten gotischen Kathedralen erreicht 150 Meter. Gotische Kathedralen sind nicht nur hoch, sondern auch sehr lang: Chartres ist beispielsweise 130 Meter lang und das Querschiff ist 64 Meter lang, und um sie zu umrunden, muss man mindestens einen halben Kilometer laufen. Und von jedem Punkt aus sieht die Kathedrale neu aus. Anders als die romanische Kirche mit ihren klaren, gut sichtbaren Formen ist die gotische Kathedrale riesig, oft asymmetrisch und in ihren Teilen sogar heterogen: Jede ihrer Fassaden mit eigenem Portal ist individuell.

Es hat wirklich die Welt einer mittelalterlichen Stadt in sich aufgenommen. Wenn schon jetzt, im modernen Paris, die Kathedrale Notre-Dame über der Stadt thront und die Architektur des Barock, des Empire und des Klassizismus vor ihr verblasst, dann kann man sich vorstellen, wie sie damals in diesem Paris inmitten der verwinkelten Straßen noch beeindruckender aussah und kleine Innenhöfe entlang der Seine.

Damals war der Dom mehr als nur ein Ort des Gottesdienstes. Zusammen mit dem Rathaus war es das Zentrum des gesamten öffentlichen Lebens der Stadt. War das Rathaus das Zentrum der Geschäftstätigkeit, so fanden im Dom neben Gottesdiensten auch Theateraufführungen statt, es wurden Universitätsvorlesungen gehalten, manchmal tagte das Parlament und sogar kleine Handelsverträge wurden geschlossen. Viele Stadtkathedralen waren so groß, dass die gesamte Bevölkerung der Stadt sie nicht füllen konnte.

Die gotische Kunst wurde in verschiedenen Ländern unterschiedlich entwickelt. Die größte Blüte erlebte sie in Frankreich und Deutschland. Aber in Italien gibt es Kathedralen, die durch ihre Pracht und Perfektion verblüffen. Wenn Sie durch die alten Straßen Mailands in Richtung Stadtzentrum gehen, erheben sich vor Ihren Augen die endlosen durchbrochenen Türme und Türme des Mailänder Doms. Es ist riesig und gleichzeitig schlank und mit geschnitzter, marmorähnlicher Spitze verziert. Dies ist die einzige Marmorkathedrale in Europa. Es wurde etwa sechs Jahrhunderte lang erbaut. Der Zeitraum selbst ist riesig, aber beim Bau gotischer Kathedralen ist es keine Seltenheit, dass sie häufig fertiggestellt und wieder aufgebaut wurden. Die Stadt wuchs und mit ihr auch der Dom, in dem sich alles konzentrierte, was die mittelalterliche Kunst hervorbrachte.

SKULPTUR, MALEREI UND ANGEWANDTE KUNST

Die Bildhauerei war im Mittelalter untrennbar mit dem Kirchenbau verbunden. Kathedralen wurden mit vielen Statuen von „Heiligen“, Bischöfen und Königen geschmückt. Die Skulptur zeigt die Gesichtszüge und Hände sehr subtil.

Nach Ansicht des Klerus sollte Kunst als „Bibel für Analphabeten“ dienen. Die Wände der Tempel waren mit Gemälden bemalt, von denen aus die strengen Gesichter der Heiligen und Gottes selbst auf die Gläubigen blickten. Bilder von der schrecklichen Qual der Sünder in der Hölle sollten die Gläubigen begeistern.

Statuen und malerische Bilder von „Heiligen“ wurden exorbitant verlängert oder stark verkürzt. Zu dieser Zeit waren sich Künstler der Gesetze der Perspektive noch nicht bewusst und daher wirken die Figuren in ihren Gemälden flach. Mittelalterliche Künstler gaben Figuren oft unnatürliche Posen und Gesten, um religiöse Gefühle wie den Glauben an Gott oder die Reue für Sünden stärker zu vermitteln. Tatsächlich verblüffen viele Statuen und Gemälde durch ihre Ausdruckskraft. Talentierten Meistern gelang es oft, in ihnen das widerzuspiegeln, was sie im Leben beobachteten.

Die erhaltenen Ikonengemälde, die in Temperatechnik auf Holzbretter gemalt wurden, zeichnen sich durch leuchtende Farben und viel Gold aus. Normalerweise befand sich die Hauptfigur des Bildes in der Mitte und war größer als die daneben stehenden Figuren.

In vielen Fällen wurden einzigartige Beispiele gotischer Kunst von mittelalterlichen Meistern geschaffen, deren Namen uns nicht überliefert sind. Der kirchlich-religiöse Charakter der Kultur der mittelalterlichen Gesellschaft spiegelte sich im Stil und Zweck der Dinge wider. Münzen helfen beispielsweise dabei, die politisch karierte Landkarte des feudalen Europas nachzubilden.

Gold- und Silberschmiede stellten einzigartige Kirchengeräte her, die mit filigranen Halbedelsteinen und Champlevé-Emails verziert waren. Es wurden Elfenbeinschnitzereien verwendet. All diese verschiedenen Techniken wurden zur Herstellung von Altarplatten, Buchdeckeln, Handschalen, Kerzenständern, Prozessionskreuzen, Schatullen usw. verwendet.

Gotische Rüstungen hatten spitze Konturen und bestanden aus einzelnen Metallplatten, die mit Gürteln zusammengehalten wurden. Die Rüstung enthielt bis zu 160 Platten, das Gewicht lag zwischen 16 und 20 kg.

GOTHIC-KLEIDUNG

Im 12. Jahrhundert wurde vor allem in Frankreich die romanische Kleidung, die eher an klösterliche Gewänder erinnerte, nach und nach durch figurbetonte und anmutigere Kleidung ersetzt. An die Stelle der groben, zerstückelten Kleidung der vergangenen Epoche tritt ein wunderschön geschneidertes Kleid, das nach allen Gesetzen des Schneiderhandwerks angefertigt wurde und dessen Gesamtschnitt sich an die Figur der Trägerin anpasst. Wir können die gotische Mode mit ihrer eng anliegenden Kleidung, der charakteristischen Körperhaltung und der Art, Kleidung zu tragen, beobachten, indem wir uns die monumentalen Figuren von Heiligen und Königen an den Fassaden und Portalen von Kathedralen ansehen, aber auch in den künstlerischen Miniaturen mittelalterlicher Künstler. Der veränderte Schnitt der Kleidung zeigte sich vor allem im Muster der Ärmel und deren Verbindungen zur Schulter. Das Kleid liegt eng am Schultergelenk an und folgt den Linien des Körpers, so dass der Körper selbst sichtbar ist.

Zur traditionellen Kleidung gehörte auch ein Umhang aus Stoff, der mit andersfarbigem Stoff oder Fell gefüttert war.

Frauen bedeckten ihre Köpfe mit Schleiern aus dünnen Stoffen. Sie hatten ihre eigene symbolische Bedeutung. So wurde beispielsweise die Traurigkeit nicht nur durch dunkle Kleidung betont, sondern auch durch die Position der Bettdecke, die damals tief über das Gesicht gezogen wurde.

Männer trugen neben enganliegenden Hosen auch kurze Jacken. Der Blick aus Hemden und engen Hosen zeichnete die männliche Figur im Detail ab. Auch Männer trugen Stiefel mit spitzer Spitze.

In der spätgotischen Mode war Schwarz eine sehr beliebte Farbe, insbesondere wenn das Kleid aus Samt bestand.

Die Damenunterwäsche der Spätgotik wurde noch aufwändiger geschnitten und schmiegte sich nun noch enger an den Körper an. Die weibliche Figur dieser Zeit ist mit hoch angehobenen Brüsten dargestellt, die dank des hochgezogenen Gürtels nach vorne ragen, und ein tiefer Ausschnitt in Form des Buchstabens „V“ reduziert das Oberteil des Kleides.

Prediger verurteilten diese Kleidung als sündhaft, abscheulich und obszön. Luxuskleidung machte ihnen auch Angst um die Zukunft der Wirtschaft ihres Volkes. Sie wandten sich scharf gegen jegliche Ausschweifungen in der Tracht und insbesondere gegen den Luxus der Kleidung, in der die Gläubigen in die Kirche gingen.

RITTERLITERATUR

Mit der Entwicklung der Bildung entwickelte sich auch die Literatur. Ritterdichter schrieben Gedichte; Sie adaptierten Volkslieder und verfassten ganze Versromane und Gedichte über die militärischen Heldentaten der Feudalherren.

Das berühmteste Rittergedicht, „Das Rolandslied“, wurde im 11.–12. Jahrhundert in Frankreich verfasst. Es erzählt vom heldenhaften Tod der Abteilung des Grafen Roland während des Rückzugs Karls des Großen aus Spanien. Die Eroberung Spaniens wird im Gedicht als Krieg der Christen gegen Muslime dargestellt. Roland ist mit allen Eigenschaften eines tadellosen Ritters ausgestattet. Er vollbringt sagenhafte Taten und stirbt, ohne eine Minute daran zu denken, den Treueeid gegenüber seinem Herrn zu brechen.

Auch das „Rolandlied“ spiegelte die Gefühle des Volkes wider: Es spricht von glühender Liebe zum „lieben Frankreich“ und Hass auf Feinde. Das Gedicht verurteilt jene Feudalherren, die Frankreich verraten.

Die Periode, die in der Geschichte der europäischen Kunst den Namen Gotik erhielt, ist mit dem Wachstum von Handels- und Handwerksstädten und der Stärkung feudaler Monarchien in einigen Ländern verbunden.

Im 13. und 14. Jahrhundert erreichte die mittelalterliche Kunst in West- und Mitteleuropa, insbesondere die Kirchen- und Zivilarchitektur, ihren Höhepunkt. Schlanke, nach oben gerichtete riesige gotische Kathedralen, die große Menschenmassen in ihren Räumlichkeiten vereinten, und stolz festliche Rathäuser bestätigten die Größe der feudalen Stadt – eines großen Handels- und Handwerkszentrums.

Die Probleme der Synthese von Architektur, Skulptur und Malerei wurden in der westeuropäischen Kunst äußerst weitreichend und tiefgreifend entwickelt. Die Bilder der majestätischen Architektur der gotischen Kathedrale voller dramatischer Ausdruckskraft erhielten ihre Entwicklung und weitere Konkretisierung der Handlung in einer komplexen Kette monumentaler skulpturaler Kompositionen und Buntglasfenster, die die Öffnungen der riesigen Fenster füllten. Die Glasmalerei, die durch ihren schimmernden Farbglanz bezaubert, und vor allem die gotische Skulptur, die von hoher Spiritualität durchdrungen ist, charakterisieren am deutlichsten die Blüte der schönen Künste im mittelalterlichen Westeuropa.

In der gotischen Kunst erlangten neben rein feudalen auch neue, fortschrittlichere Ideen große Bedeutung, die das Wachstum der mittelalterlichen Bürger und die Entstehung einer zentralisierten feudalen Monarchie widerspiegelten.

Klöster verloren ihre Rolle als führende Zentren der mittelalterlichen Kultur. Die Bedeutung von Städten, Kaufleuten, Handwerkszünften sowie der königlichen Macht als wichtigste Bauherren, Kunden und Organisatoren des künstlerischen Lebens des Landes nahm zu.

Gotische Meister wandten sich häufig lebendigen Bildern und Ideen zu, die der Volksphantasie entsprangen. Gleichzeitig war ihre Kunst stärker als die romanische Kunst von einer rationaleren Weltanschauung und den fortschrittlichen Tendenzen der damaligen Ideologie beeinflusst.

Im Allgemeinen war die gotische Kunst, die die tiefen und akuten Widersprüche der Epoche widerspiegelte, in sich widersprüchlich: Sie verband auf komplexe Weise die Merkmale des Realismus, die tiefe und einfache Menschlichkeit der Gefühle mit frommer Zärtlichkeit und Aufwallungen religiöser Ekstase.

In der gotischen Kunst nahm der Anteil weltlicher Architektur zu; es wurde vielfältiger im Zweck, reicher an Formen.

Auch die Organisation des Baugewerbes veränderte sich – städtische Laienhandwerker, in Werkstätten organisiert, bauten. Hier wurden technische Fähigkeiten meist vom Vater an den Sohn weitergegeben. Es gab jedoch wichtige Unterschiede zwischen Maurern und allen anderen Handwerkern.

Jeder Handwerker – Büchsenmacher, Schuhmacher, Weber usw. – arbeitete in seiner eigenen Werkstatt in einer bestimmten Stadt. Artels von Maurern arbeiteten dort, wo große Gebäude errichtet wurden, wo sie eingeladen wurden und wo sie gebraucht wurden. Sie zogen von Stadt zu Stadt und sogar von Land zu Land; Es entstand eine Gemeinsamkeit zwischen Bauverbänden verschiedener Städte und es kam zu einem intensiven Kompetenz- und Wissensaustausch. Daher weist die Gotik nicht mehr die Fülle stark unterschiedlicher lokaler Schulen auf, die für den romanischen Stil charakteristisch ist. Die gotische Kunst, insbesondere die Architektur, zeichnet sich durch große stilistische Einheit aus. Allerdings bestimmten wesentliche Merkmale und Unterschiede in der historischen Entwicklung der einzelnen europäischen Länder eine bedeutende Originalität in der künstlerischen Kultur einzelner Völker. Es reicht aus, französische und englische Kathedralen zu vergleichen, um den großen Unterschied zwischen den äußeren Formen und dem allgemeinen Geist der französischen und englischen gotischen Architektur zu spüren.

Die erhaltenen Pläne und Ausführungszeichnungen der grandiosen Kathedralen des Mittelalters (Köln, Wien, Straßburg) sind so beschaffen, dass nur gut ausgebildete Handwerker sie nicht nur erstellen, sondern auch nutzen konnten. Im 12.-14. Jahrhundert. Es entstand ein Kader professioneller Architekten, deren Ausbildung für die damalige Zeit auf einem sehr hohen theoretischen und praktischen Niveau lag. Dazu gehören zum Beispiel Villard de Honnencourt (der Autor erhaltener Notizen, die mit zahlreichen Diagrammen und Zeichnungen ausgestattet sind), der Erbauer einer Reihe tschechischer Kathedralen, Petr Parler und viele andere. Die von früheren Generationen gesammelte Bauerfahrung ermöglichte es gotischen Architekten, mutige Designprobleme zu lösen und ein grundlegend neues Design zu schaffen. Auch gotische Architekten fanden neue Mittel, um die künstlerische Ausdruckskraft der Architektur zu bereichern.

Es wird manchmal angenommen, dass das charakteristische Merkmal eines gotischen Designs der Spitzbogen ist. Das ist falsch: Es findet sich bereits in der romanischen Architektur. Sein Vorteil, den beispielsweise die Architekten der burgundischen Schule kannten, war seine geringere seitliche Ausdehnung. Nur die Meister der Gotik berücksichtigten diesen Vorteil und nutzten ihn in großem Umfang.

Die wichtigste Neuerung der gotischen Architekten ist das Rahmensystem. Historisch gesehen entstand diese Bautechnik aus der Verbesserung des romanischen Kreuzgewölbes. Bereits romanische Architekten legten teilweise die Nähte zwischen den Schalungen der Kreuzgewölbe mit vorspringenden Steinen aus. Allerdings, z

Die Nähte hatten damals eine rein dekorative Bedeutung; das Gewölbe blieb immer noch schwer und massiv. Gotische Architekten machten diese Rippen (auch Rippen oder Kanten genannt) zur Grundlage einer gewölbten Struktur. Der Bau des Kreuzgewölbes begann mit der Verlegung von Rippen aus gut behauenen und eingepassten Keilsteinen – Diagonalrippen (die sogenannten Ogiven) und Endrippen (die sogenannten Wangenbögen) (Abb. auf S. 239). Sie schufen eine Art Skelett des Tresors. Der entstandene Abraum wurde mit Kreisen dünn geschnittener Steine ​​aufgefüllt.

Ein solches Gewölbe war viel leichter als das romanische: Sowohl der vertikale Druck als auch der seitliche Schub wurden verringert. Das Kreuzrippengewölbe ruhte mit seinen Absätzen auf Pfeilerwiderlagern und nicht auf den Wänden; sein Schub war eindeutig identifiziert und streng lokalisiert, und dem Bauherrn war klar, wo und wie dieser Schub „ausgelöscht“ werden sollte. Darüber hinaus verfügte das Kreuzrippengewölbe über eine gewisse Flexibilität. Die für romanische Gewölbe katastrophale Schrumpfung des Bodens war für sie relativ ungefährlich.

Schließlich hatte das Rippengewölbe auch den Vorteil, dass es die Überdachung unregelmäßig geformter Räume ermöglichte.

Da es für jeden Widerlagerpfeiler mehrere Rippen gab, wurde nach dem romanischen Prinzip unter dem Absatz jeder Rippe ein besonderes Kapitell oder eine Konsole bzw. Säule direkt neben dem Widerlager angebracht. So verwandelte sich das Widerlager in ein Bündel Säulen. Wie im romanischen Stil brachte diese Technik die Hauptmerkmale des Designs mit künstlerischen Mitteln klar und logisch zum Ausdruck. Später legten gotische Architekten jedoch die Steine ​​der Widerlager so an, dass die Kapitelle der Säulen vollständig abgeschafft wurden und die tragende Säule von der Basis des Widerlagers ohne Unterbrechung des Mauerwerks bis zur Spitze des Gewölbes fortgeführt wurde .

Der im Gegensatz zum schweren romanischen Gewölbe streng lokalisierte seitliche Schub des Rippengewölbes erforderte keine massive Stützung in Form einer Wandverdickung an gefährlichen Stellen, sondern konnte durch spezielle Pfeiler-Pylone – Strebepfeiler – neutralisiert werden. Der gotische Strebepfeiler ist eine technische Weiterentwicklung und Weiterentwicklung des romanischen Strebepfeilers. Der von den gotischen Architekten errichtete Strebepfeiler funktionierte umso erfolgreicher, je breiter er unten war. Daher begann man, den Strebepfeilern eine abgestufte Form zu geben, die oben relativ schmal und unten breiter war.

Es war nicht schwierig, den seitlichen Schub des Gewölbes in den Seitenschiffen zu neutralisieren, da deren Höhe und Breite relativ gering waren und der Strebepfeiler direkt am äußeren Widerlagerpfeiler platziert werden konnte. Das Problem der seitlichen Ausdehnung der Gewölbe im Mittelschiff musste völlig anders gelöst werden.

Gotische Architekten verwendeten in solchen Fällen einen speziellen Bogen aus Keilsteinen, den sogenannten Schwibbogen; Ein Ende dieses über die Seitenschiffe gespannten Bogens ruhte auf den Achsen des Gewölbes und das andere auf dem Strebepfeiler. Die Stelle seiner Stütze auf dem Stützpfeiler wurde durch einen Turm, den sogenannten Shshakl, verstärkt.

Mit Hilfe des gotischen Rahmensystems konnten große Materialeinsparungen erzielt werden. Die Mauer als tragender Teil des Gebäudes wurde überflüssig; es verwandelte sich entweder in eine helle Wand oder war mit riesigen Fenstern gefüllt. Es wurde möglich, Gebäude von beispielloser Höhe (unter Bögen – bis zu 40 m und mehr) zu errichten und Spannweiten großer Breite zu überbrücken.

Auch das Bautempo nahm zu. Gab es keine Hindernisse (Geldmangel oder politische Komplikationen), wurden in relativ kurzer Zeit sogar grandiose Bauwerke errichtet; Somit wurde die Kathedrale von Amiens im Wesentlichen in weniger als 40 Jahren erbaut.

Das Baumaterial war lokaler Bergstein, der sorgfältig geschnitten wurde. Besonderes Augenmerk wurde auf die Anpassung der Betten, also der horizontalen Kanten der Steine, gelegt, da diese eine große Last tragen mussten. Die gotischen Architekten setzten den Bindemörtel sehr geschickt ein und erreichten damit eine gleichmäßige Lastverteilung. Zur Erhöhung der Festigkeit wurden an einigen Stellen des Mauerwerks Eisenklammern angebracht, die mit weicher Bleifüllung verstärkt waren. In einigen Ländern wie Nord- und Ostdeutschland, wo es keinen geeigneten Baustein gab, wurden Gebäude aus wohlgeformten und gebrannten Ziegeln errichtet. Gleichzeitig schufen die Meister meisterhaft strukturierte und rhythmische Effekte, indem sie Ziegel unterschiedlicher Form und Größe sowie verschiedene Mauerwerksmethoden verwendeten.

Die Meister der gotischen Architektur führten viele neue Dinge in die Gestaltung des Innenraums der Kathedrale ein. Ursprünglich entsprach eine Spannweite des Mittelschiffs zwei Gliedern – den Spannweiten der Seitenschiffe. In diesem Fall lag die Hauptlast auf den Widerlagern АВСБ, während die Zwischenwiderlager E und P sekundäre Aufgaben erfüllten und die Absätze der Gewölbe der Seitenschiffe stützten (Abb. auf Seite 2M).

Dieses Phänomen spiegelte sich auch in den Plänen großer Kathedralen wider.

In der Kathedrale Notre Dame ist das Querschiff nicht so scharf umrissen wie in den meisten romanischen Kathedralen, wodurch die Grenze zwischen dem für den Klerus bestimmten Chorheiligtum und dem für jedermann zugänglichen Hauptlängsteil etwas aufgeweicht wird. In der Kathedrale von Bourges gibt es überhaupt kein Querschiff.

Eine solche Anordnung findet sich jedoch nur in frühgotischen Werken. Mitte des 13. Jahrhunderts. In einer Reihe von Staaten kam es zu einer kirchlichen Reaktion. Sie verstärkte sich insbesondere, als sich neue Bettelorden an den Universitäten niederließen. Marx stellt fest, dass sie „das wissenschaftliche Niveau der Universitäten senkten, die scholastische Theologie nahm wieder eine vorrangige Stellung ein“: Damals wurde auf Wunsch der Kirche in bereits gebauten Kathedralen eine Trennwand eingebaut, die den Chor vom öffentlichen Teil des Gebäudes trennte, und in neu gebauten Kathedralen wurde eine andere Anordnung vorgesehen. Im Hauptteil des Innenraums begann man statt fünf mit dem Bau von drei Schiffen; das Querschiff entsteht neu, überwiegend dreischiffig. Der östliche Teil der Kathedrale – der Chor – wurde auf fünf Schiffe erweitert. Große Kapellen umgaben die östliche Apsis mit einem Kranz; Die mittlere Kapelle war normalerweise größer als die anderen. In der Architektur der gotischen Kathedralen dieser Zeit gab es jedoch einen anderen Trend, der letztendlich das Wachstum von Handwerks- und Handelszünften, die Entwicklung des weltlichen Prinzips und eine komplexere und umfassendere Weltanschauung widerspiegelte. So zeichneten sich gotische Kathedralen durch einen großen Dekorationsreichtum, eine Zunahme realistischer Züge und zeitweise Genremerkmale in der Monumentalskulptur aus.

Querschnitt einer gotischen Kathedrale

Die Innenräume gotischer Kathedralen sind nicht nur prächtiger und dynamischer als die Innenräume im romanischen Stil, sie zeugen auch von einem anderen Raumverständnis. In romanischen Kirchen gab es eine klare Unterscheidung zwischen Narthex, Längskörper und Chor. In gotischen Kathedralen verlieren die Grenzen zwischen diesen Zonen ihre starre Definition. Der Raum von Mittel- und Seitenschiff geht nahezu ineinander über; die Seitenschiffe sind erhöht, die Widerlager nehmen relativ wenig Platz ein. Die Fenster werden größer, die Zwischenräume werden mit einem Bogenfries ausgefüllt.

Die Tendenz zur Verschmelzung des Innenraums zeigte sich am stärksten in der Architektur Deutschlands, wo viele Kathedralen nach dem Hallensystem gebaut wurden, das heißt, die Seitenschiffe wurden auf die gleiche Höhe wie das Hauptschiff gebracht.

Auch das Erscheinungsbild gotischer Kathedralen veränderte sich stark.

Die massiven Türme über dem Mittelkreuz, die für die meisten romanischen Kirchen charakteristisch waren, sind verschwunden. Doch oft flankieren mächtige und schlanke Türme die Westfassade, die reich mit Skulpturen verziert ist. Die Größe des Portals hat deutlich zugenommen.

Gotische Kathedralen scheinen vor den Augen des Betrachters zu wachsen.

Der Ersatz leerer Wände durch riesige Fenster führte dazu, dass monumentale Gemälde, die in der romanischen Kunst des 11. und 12. Jahrhunderts eine so große Rolle spielten, fast überall verschwanden. Das Fresko wurde durch Buntglas ersetzt – eine einzigartige Art von Malerei, bei der das Bild aus farbig bemalten Glasstücken besteht, die durch schmale Bleistreifen miteinander verbunden und mit Eisenbeschlägen bedeckt sind. Glasmalereien tauchten offenbar bereits in der Karolingerzeit auf, ihre volle Entwicklung und Verbreitung erfolgte jedoch erst beim Übergang von der Romanik zur Gotik.

In den Fensteröffnungen angebrachte Buntglasfenster erfüllten das Innere der Kathedrale mit Licht, bemalt in sanften und klangvollen Farben, was einen außergewöhnlichen künstlerischen Effekt erzeugte. Auch die spätgotischen Bildkompositionen in Temperatechnik oder farbige Reliefs an Altar und Altarrahmen zeichneten sich durch die Leuchtkraft ihrer Farben aus.

Transparente Buntglasfenster, leuchtende Farben der Altarmalerei, der Glanz von Gold und Silber der Kirchengeräte im Kontrast zur zurückhaltenden Strenge der Farbe der Steinwände und Säulen verliehen dem Inneren der gotischen Kathedrale eine außergewöhnliche festliche Feierlichkeit.

Sowohl in der Innen- als auch vor allem in der Außendekoration von Kathedralen nahm die bildende Kunst einen bedeutenden Platz ein. Hunderte, Tausende und manchmal Zehntausende skulpturale Kompositionen, Einzelstatuen und Dekorationen auf Portalen, Gesimsen, Dachrinnen und Kapitellen verschmelzen direkt mit der Struktur des Gebäudes und bereichern dessen künstlerisches Bild.

Der Übergang vom romanischen Stil zum gotischen Stil erfolgte in der Bildhauerei etwas später als in der Architektur, doch dann vollzog sich die Entwicklung in einem ungewöhnlich schnellen Tempo, und die gotische Bildhauerei erreichte innerhalb eines Jahrhunderts ihren höchsten Höhepunkt.

Obwohl die Gotik das Relief kannte und sich ständig diesem zuwandte, war die Statue der Haupttyp der gotischen Skulptur.

Zwar werden gotische Figuren, insbesondere an Fassaden, als Elemente einer einzigen riesigen dekorativen und monumentalen Komposition wahrgenommen. Einzelne Statuen oder Statuengruppen, untrennbar mit der Fassadenwand oder mit den Säulen des Portals verbunden, sind sozusagen Teile eines großen vielfigurigen Reliefs. Als sich jedoch ein Stadtbewohner auf dem Weg zum Tempel dem Portal näherte, verschwand die dekorative Gesamtheit der Komposition aus seinem Sichtfeld und seine Aufmerksamkeit wurde von der plastischen und psychologischen Ausdruckskraft der einzelnen Statuen angezogen, die das Portal umrahmten und die Torreliefs, die ausführlich über ein biblisches oder evangelisches Ereignis berichten. Im Innenraum waren skulpturale Figuren, wenn sie auf aus den Säulen herausragenden Konsolen platziert waren, von mehreren Seiten sichtbar. Voller Bewegung unterschieden sie sich im Rhythmus von den nach oben gerichteten schlanken Säulen und bekräftigten ihre besondere plastische Ausdruckskraft.

Im Vergleich zur Romanik zeichnen sich gotische Skulpturenkompositionen durch eine klarere und realistischere Darstellung der Handlung, einen erzählerischeren und erbaulicheren Charakter und vor allem durch einen größeren Reichtum und direkte Menschlichkeit bei der Vermittlung des inneren Zustands aus. Die Verbesserung der spezifischen künstlerischen Mittel der Sprache der mittelalterlichen Bildhauerei (Ausdruck in der Formenbildung, in der Übertragung spiritueller Impulse und Erfahrungen, die akute Dynamik der unruhigen Falten von Vorhängen, starke Licht- und Schattenmodellierung, der Sinn für Ausdruckskraft einer komplexen Silhouette voller intensiver Bewegung) trug zur Entstehung von Bildern von großer psychologischer Überzeugungskraft und enormer emotionaler Kraft bei.

Die gigantischen gotischen Skulpturenkomplexe unterlagen sowohl in der Themenauswahl als auch in der Bildaufteilung den von der Kirche festgelegten Regeln. Die Kompositionen an den Fassaden von Kathedralen vermittelten in ihrer Gesamtheit ein Bild des Universums nach religiösen Vorstellungen.

Das zentrale Portal der Westfassade war in der Regel Christus, manchmal auch der Madonna geweiht; Das rechte Portal ist normalerweise der Madonna gewidmet, das linke Portal einem Heiligen, der in einer bestimmten Diözese besonders verehrt wird. Auf der Säule, die die Türen des Mittelportals in zwei Hälften teilte und den Architrav stützte, befand sich eine große Christus-, Madonna- oder Heiligenstatue. Auf der Basis des Portals waren oft „Monate“, Jahreszeiten usw. abgebildet. An den Seiten, an den Hängen der Portalwände, befanden sich monumentale Figuren der Apostel, Propheten, Heiligen, alttestamentlichen Figuren und Engel platziert. Manchmal wurden hier Themen narrativer oder allegorischer Natur präsentiert: die Verkündigung, der Besuch Mariens bei Elisabeth, die vernünftigen und törichten Jungfrauen, die Kirche und die Synagoge usw.

Das Feld des Tortympanons war mit einem Hochrelief ausgefüllt. Wenn das Portal Christus geweiht war, wurde das Jüngste Gericht in der folgenden ikonografischen Version dargestellt: Christus sitzt oben und zeigt auf seine Wunden, an den Seiten sind die Madonna und der Evangelist Johannes (an einigen Stellen wurde er durch Johannes den ersetzt). Um ihn herum sind Engel mit den Folterwerkzeugen Christi und den Aposteln; in einer separaten Zone darunter ist ein Engel dargestellt, der die Seelen wiegt; auf der linken Seite (vom Betrachter aus gesehen) betreten die Gerechten den Himmel; auf der rechten Seite sind Dämonen zu sehen, die die Seelen von Sündern einfangen, und Szenen der Qual in der Hölle; noch niedriger - das Öffnen von Särgen und die Auferstehung der Toten.

Bei der Darstellung der Madonna war das Tympanon mit Szenen gefüllt: Mariä Himmelfahrt, Aufnahme der Madonna in den Himmel durch Engel und ihre himmlische Krönung. In den den Heiligen gewidmeten Portalen spielen sich auf den Tympanon Episoden aus ihrem Leben ab.

Auf den Archivolten des Portals, die das Tympanon abdecken, wurden Figuren platziert, die das im Tympanon vorgegebene Hauptthema entwickeln, oder Bilder, die auf die eine oder andere Weise ideologisch mit dem Hauptthema des Portals in Zusammenhang stehen.

Und die Motive für die Hinwendung zum Alltag vermischten sich mit abstrakten Symbolen und Allegorien. So wird das Thema Arbeit in einer Reihe von Monaten des Jahres verkörpert, sowohl in Form von Tierkreiszeichen aus der Antike als auch durch die Darstellung der für jeden Monat charakteristischen Arbeit. Arbeit ist die Grundlage des wirklichen Lebens der Menschen, und diese Szenen gaben dem Gothic-Künstler die Möglichkeit, über religiöse Symbolik hinauszugehen. Auch allegorische Darstellungen der sogenannten freien Künste, die bereits seit der Spätromanik verbreitet waren, werden mit Vorstellungen von Arbeit in Verbindung gebracht.

T*os.t Interesse und menschliche Persönlichkeit, „. Ihr moralischer Charakter und ihre Hauptmerkmale spiegelten sich zunehmend in der individualisierten Interpretation biblischer Charaktere wider. Auch das skulpturale Porträt hat seinen Ursprung in der gotischen Bildhauerei, allerdings wurden diese Porträts nur selten nach dem Leben angefertigt. So hatten die im Tempel aufgestellten Gedenkskulpturen kirchlicher und weltlicher Herrscher gewissermaßen Porträtcharakter.

In spätgotischen Buchminiaturen kamen realistische Tendenzen besonders spontan zum Ausdruck und erste Erfolge wurden in der Darstellung von Landschaften und Alltagsszenen erzielt. Es wäre jedoch falsch, den gesamten ästhetischen Wert, die Originalität der realistischen Grundlage der gotischen Skulptur nur auf die Merkmale einer realistisch genauen und konkreten Darstellung von Lebensphänomenen zu reduzieren. Zwar vermittelten gotische Bildhauer, die in ihren Statuen Bilder biblischer Figuren verkörperten, jenes Gefühl mystischer Ekstase und Aufregung, das ihnen nicht fremd war. Ihre Gefühle hatten einen religiösen Unterton und waren eng mit falschen religiösen Vorstellungen verbunden. Und doch bestimmen tiefe Spiritualität, außergewöhnliche Intensität und Stärke der Manifestationen des menschlichen moralischen Lebens, leidenschaftliche Emotionen und poetische Aufrichtigkeit des Gefühls weitgehend die künstlerische Wahrhaftigkeit, den Wert und die einzigartige ästhetische Originalität gotischer Skulpturenbilder.

Als neue bürgerliche Beziehungen wuchsen und der zentralisierte Staat sich entwickelte und stärkte, wuchsen und wurden humanistische, säkulare und realistische Tendenzen stärker. Bis zum 15. Jahrhundert In den meisten Ländern West- und Mitteleuropas traten fortschrittliche Kräfte in einen offenen Kampf gegen die Grundlagen der feudalen Gesellschaft und ihrer Ideologie. Von da an verlor die große gotische Kunst, die ihre fortschrittliche Rolle allmählich erschöpfte, ihren künstlerischen Wert und ihre schöpferische Originalität. Ein historisch unvermeidlicher Wendepunkt in der Entwicklung der europäischen Kunst rückte näher – ein Wendepunkt, der mit der Überwindung des religiösen und konventionell symbolischen Rahmens verbunden war, der die weitere Entwicklung des Realismus einschränkte, mit der Etablierung einer säkularen Kunst, die in ihrer Methode bewusst realistisch war. In einer Reihe von Regionen Italiens, in denen die Städte einen relativ frühen und relativ vollständigen Sieg über den Feudalismus erringen konnten, entwickelte sich die Gotik nicht vollständig und die Krise der mittelalterlichen Weltanschauung und der mittelalterlichen Kunstformen trat viel früher auf als in anderen europäischen Ländern. Bereits ab Ende des 13. Jahrhunderts. Die italienische Kunst trat in die Phase ihrer Entwicklung ein, die eine neue künstlerische Ära unmittelbar vorbereitete – die Renaissance.

Die Gotik kennzeichnet die dritte und letzte Stufe in der Entwicklung der mittelalterlichen Kunst in Westeuropa.
Der Name selbst geht auf den barbarischen Stamm der Goten zurück, der Rom im Jahr 410 plünderte. Gerade der Untergang der „ewigen Stadt“ Rom markierte das Ende der Antike und den Beginn des Mittelalters der europäischen Kulturgeschichte. Der Begriff „Gotik“ tauchte während der italienischen Renaissance als spöttischer Spitzname für die „barbarische“ Ära des Mittelalters auf, die keinen künstlerischen Wert hatte.

Lange Zeit galt es als solches, bis zu Beginn des 19. Jahrhunderts. wurde von den Romantikern nicht rehabilitiert. Als „Gotik“ wurde ursprünglich das gesamte Mittelalter und erst später dessen Spätzeit bezeichnet, die sich durch eine bemerkenswerte Originalität des künstlerischen Stils auszeichnete. Seit Beginn des 19. Jahrhunderts, als der Begriff „romanischer Stil“ für die Kunst übernommen wurde, war der chronologische Rahmen der Gotik begrenzt, sie wurde in Früh-, Reife- (Hoch-) und Spätphasen unterteilt.
Es ist schwierig, eine chronologische Grenze zwischen dem romanischen und dem gotischen Stil zu ziehen. Viele Experten betrachten die Geburt des gotischen Stils als Höhepunkt der romanischen Kunst und zugleich als deren Negation. Lange Zeit existierten Elemente beider Stile nebeneinander und wurden kombiniert, und die Übergangszeit des 12. Jahrhunderts selbst begann. hatte einen ausgeprägten „Renaissance“-Charakter (siehe Renaissance). Das 12. Jahrhundert ist die Blütezeit des romanischen Stils, doch seit 1130 tauchen neue Formen auf.


Der Architekt N. Ladovskii schrieb einmalig über die Krise des romanischen Stils als Grund für das Aufkommen der Gotik: „Neue Architekturen wurden von Wilden geschaffen, die mit der Kultur in Kontakt kamen. Die Wilden kamen, sahen.“ Architektur, die für sie neu war, verstand sie nicht und schuf ihre eigene; die Römer konnten nicht weiterkommen, da sie über viele vollständig abgeschlossene Formen verfügten.“ Der gotische Stil in Westeuropa erreichte im 13. Jahrhundert seinen Höhepunkt (Hochgotik). Der Niedergang erfolgt im 14.-15. Jahrhundert (flammende Gotik).

Die Gotik ist ein ausgereifterer Kunststil des Mittelalters als die Romanik. Die gotische Kunst hat eine religiöse Form und ist sensibler für das Leben, die Natur und den Menschen als die romanische. Es umfasst in seinem Kreis die gesamte Summe mittelalterlichen Wissens, komplexer und widersprüchlicher Ideen und Erfahrungen.

In der Verträumtheit und Aufregung gotischer Bilder, im pathetischen Aufstieg spiritueller Impulse, in der unermüdlichen Suche ihrer Meister sind neue Trends zu spüren – das Erwachen des Geistes und der Gefühle, leidenschaftliche Sehnsüchte nach Schönheit. Die gesteigerte Spiritualität der gotischen Kunst, das wachsende Interesse an menschlichen Gefühlen, am höchst individuellen, an der Schönheit der realen Welt bereiteten die Blüte der Renaissance-Kunst vor.

Die Gotik zeichnet sich durch eine symbolisch-allegorische Denkweise und eine konventionelle Kunstsprache aus. Der Geburtsort der Gotik ist Frankreich, die königliche Region Ile-de-France, von wo aus sie sich Ende des 12. Jahrhunderts als Zeichen königlicher Macht in ganz Frankreich verbreitete. Der Stil gelangte auch in andere Länder Westeuropas.

Die Entwicklung der Gotik fällt in die Zeit der Vorherrschaft der religiösen Weltanschauung: Die wichtigste Schöpfung der gotischen Kunst in Frankreich war die Stadtkathedrale, die von großen Bauteams (Logen) errichtet wurde und sich durch die Perfektion ihrer architektonischen Gestaltung auszeichnete und reich mit Skulpturen verziert war Bilder und Buntglasfenster.


Die gotische Gestaltung des Gebäudes sah die Zuweisung eines Gebäuderahmens vor: Die Stützen wurden von Spitzbögen (Rippen) getragen, die mit leichter Schalung die Basis des Gewölbes bildeten, dessen Schub durch die außen angebrachten Strebepfeiler und die Verbindungselemente ausgelöscht wurde Bögen, die den Schub übertragen – Strebepfeiler.


Die Mauer spielte daher in der Gotik keine konstruktive Rolle; sie wurde durch weite Öffnungen von Fenstern und Portalen ersetzt, das leichte Gebäude wuchs unbezwingbar in die Höhe und strebte mit hohen Zelten aus Türmen, Türmen, Zinnen und Fleurons (Formverzierungen) in die Höhe einer Blume), wodurch die Idee der Harmonie und Vielfalt des göttlichen Universums entstand. Der lichtdurchflutete Innenraum der Tempel erlangte Einheit.

Die Rolle führender Architekten (ihre Namen sind erhalten geblieben), die maßstabsgetreue Zeichnungen verwendeten, nahm zu. Stadtplanung und zivile Architektur entwickelten sich (Wohngebäude, Rathäuser, Einkaufspassagen, Stadttürme mit eleganter Ausstattung).

In Skulpturen, Glasmalereien, bemalten und geschnitzten Altären, Miniaturen und Dekorationsgegenständen verbindet sich die symbolisch-allegorische Struktur mit neuen spirituellen Bestrebungen und lyrischen Emotionen; das interesse an der realen welt, der natur und dem erlebnisreichtum nimmt zu. Im XV-XVIV Jahrhundert. Die Gotik wird durch die Renaissance ersetzt.

Obwohl der Begriff „gotischer Stil“ am häufigsten für architektonische Strukturen verwendet wird, umfasste die Gotik auch Skulpturen, Gemälde, Buchminiaturen, Kostüme, Ornamente usw.

Bedingungen für die Entstehung und Entwicklung des gotischen Stils
Drei markante Phänomene der gotischen Kultur lassen sich mit den folgenden Worten definieren: Stadt, Ritterlichkeit, Karneval.
Gotisch. Ritterschild
Gotische Kunst ist die Kunst blühender Handels- und Handwerksstädte, die innerhalb der feudalen Welt eine gewisse Unabhängigkeit erlangten. Es wurde durch die neuen Bedingungen des gesellschaftlichen Lebens in Europa verursacht – ein starker Anstieg der Produktivkräfte, die wachsende Flamme grandioser Bauernkriege und Siege zu Beginn des 13. Jahrhunderts. Kommunale Revolutionen.

In einigen Ländern erhebt sich die königliche Macht, die auf einem Bündnis mit den Städten beruht, über die Kräfte der feudalen Zersplitterung. Werkstätten und Zünfte stärken ihre Position. Es entstehen Stadtgemeinden, Stadtrepubliken und Privatstädte. Das Magdeburger Recht ist rechtskräftig verankert. Dies begann im 12. Jahrhundert in der deutschen Stadt Magdeburg.


Die Entwicklung der gotischen Kunst spiegelte grundlegende Veränderungen in der Struktur der mittelalterlichen Gesellschaft wider: den Beginn der Bildung zentralisierter Staaten, das Wachstum und die Stärkung von Städten, die Weiterentwicklung weltlicher Kräfte, von Handel und Handwerk sowie höfischer und ritterlicher Kreise.

Mit der Entwicklung des gesellschaftlichen Bewusstseins, des Handwerks und der Technik wurden die Grundlagen mittelalterlicher religiös-dogmatischer Weltanschauungen geschwächt, die Möglichkeiten des Wissens und des ästhetischen Verständnisses der realen Welt erweitert; Es entstanden neue Architekturtypen und tektonische Systeme. Stadtplanung und Zivilarchitektur entwickelten sich intensiv.


Die Religion blieb die wichtigste Form der Weltanschauung und die Kirche übte weiterhin ihren Einfluss auf die Kunst aus. Die Bedürfnisse des Lebens in Handels- und Handwerksstädten erzeugen jedoch den Wunsch nach Wissen und ständiger Suche. Mit der Bildung städtischer und kirchlicher Schulen begann der Einfluss der Klöster auf die Massen abzuschwächen. In Bologna, Oxford und Paris entstehen Wissenschaftszentren – Universitäten. Sie werden zu Schauplätzen religiöser Auseinandersetzungen und Brutstätten des Freidenkens.

Im Rahmen der Scholastik entstehen ketzerische Lehren, die durch eine neue Wahrnehmung des Lebens der Stadtbewohner und das Wachstum des kritischen Denkens verursacht werden. Die Scholastik war von einem Interesse an experimentellem Wissen durchdrungen, das sich deutlich in der Arbeit von Roger Bacon manifestierte. Am Ende des 12. und 13. Jahrhunderts. Die dem Materialismus nahestehenden Ansichten der arabischen Philosophen Averroes und Avicenna verbreiten sich.

Es wird versucht, christliche Dogmen und Beobachtungen der Realität in Einklang zu bringen. Die reale Welt wird nicht mehr völlig geleugnet, sie gilt als Schöpfung einer Gottheit. Die tragische Hoffnungslosigkeit, die die Kirche den Menschen eingeflößt hat, wird durch eine hellere und freudigere Wahrnehmung der Welt ersetzt.

Die Moral wird weicher. Gleichzeitig wächst das Selbstbewusstsein der Menschen. Während des Kampfes auf dem Höhepunkt der Jacquerie und der Aufstände der Handwerker werden Forderungen nach Brüderlichkeit und Gleichheit erhoben, die in einem kurzen Spruch auf den Punkt gebracht werden: „Als Adam pflügte und Eva drehte, wer war damals ein Edelmann?“

Die Originalität der Adelskultur spiegelt sich in der Existenz eines Phänomens wie der Ritterschaft wider. Der Ehrenkodex des Ritters setzte bestimmte Standards der Kommunikation zwischen Kriegern im Kampf, bei einem Turnier und im Alltag voraus. Der Personenkult um den Dienst des Vasallen am Oberherrn fand seinen Ausdruck in der Verehrung der Schönen Dame.

Der Karneval ermöglichte es der europäischen Kultur, ein erfülltes Gefühlsleben zu führen. In der karnevalistischen Weltanschauung war die von Gott geschaffene streng verifizierte Ordnung des Universums mit Elementen körperlich-sinnlicher Bilder (Ideen) gefüllt.

Diese körperliche Welt manifestierte sich aktiv während des Karnevals, der einen bedeutenden Teil der christlichen Stadt einnahm. Die komplizierte Welt der emotionalen Bewegungen des mittelalterlichen Menschen spiegelte sich in der Musik auf ihre eigene Weise wider: Die Pariser Notre-Dame-Schule ersetzte den Unisono-Gesang durch die Anfänge der Polyphonie.

Provenzalische Troubadours, französische Trouvères, deutsche Minnesänger und italienische Dichter wandten sich einer lebendigen gesprochenen Sprache zu und verherrlichten das wirkliche Leben innerhalb der Grenzen eines ideal konstruierten „göttlichen Universums“.

Das letzte Wort über die veränderte Weltanschauung des gotischen Menschen sprach die Theologie. Genau dies vertrat die philosophische Sicht auf die Welt; genau dieser dienten alle Wissenschaften des Mittelalters. Der herausragende Denker dieser Zeit, Thomas von Aquin (1225-1274), entwickelt das Problem des Dualismus – der getrennten Existenz von Seele und Körper, Geist und Körper. Die Hülle, die Form und ihr innerer Inhalt hängen von Integrität und Perfektion, richtigen Proportionen oder Übereinstimmungen und Klarheit ab. „Bei allem, was nicht zufällig entsteht, muss die Form (Idee) das Endziel jeder Entstehung sein“, schreibt Thomas von Aquin in seiner Summa Theologica.
Quellen.

Gotica- eine Periode in der Entwicklung der mittelalterlichen Kunst in West-, Mittel- und teilweise Osteuropa.

Das Wort stammt aus dem Italienischen. gotico – ungewöhnlich, barbarisch – (Goten – Barbaren; dieser Stil hat nichts mit den historischen Goten zu tun) und wurde zunächst als Schimpfwort verwendet. Erstmals wurde der Begriff im modernen Sinne von Giorgio Vasari verwendet, um die Renaissance vom Mittelalter zu trennen.

Ursprung des Begriffs

Dieser Stil hatte jedoch nichts Barbarisches: Im Gegenteil, er zeichnet sich durch große Anmut, Harmonie und die Einhaltung logischer Gesetze aus. Ein korrekterer Name wäre „Lanzette“, weil. Die spitze Form des Bogens ist ein wesentliches Merkmal der gotischen Kunst. Und tatsächlich gaben ihm die Franzosen in Frankreich, dem Geburtsort dieses Stils, einen völlig passenden Namen – „Ogive-Stil“ (von Ogive – Pfeil).

Drei Hauptperioden:
— Frühgotisches XII-XIII Jahrhundert.
– Hochgotik – 1300–1420. (bedingt)
- Spätgotik – 15. Jahrhundert (1420–1500), wird oft als „Flaming“ bezeichnet.

Architektur

Der gotische Stil manifestierte sich hauptsächlich in der Architektur von Tempeln, Kathedralen, Kirchen und Klöstern. Es entwickelte sich auf der Grundlage der romanischen, genauer gesagt der burgundischen Architektur. Im Gegensatz zum romanischen Stil mit seinen Rundbögen, massiven Mauern und kleinen Fenstern zeichnet sich der gotische Stil durch Spitzbögen, schmale und hohe Türme und Säulen, eine reich verzierte Fassade mit geschnitzten Details (Vimpergi, Tympanon, Archivolten) und mehr aus - Farbige Spitzbogenfenster aus Buntglas. Alle Stilelemente betonen die Vertikalität.

Schöne Künste

Skulptur spielte eine große Rolle bei der Gestaltung des Bildes der gotischen Kathedrale. In Frankreich entwarf sie hauptsächlich die Außenwände. Zehntausende Skulpturen, vom Sockel bis zur Zinne, bevölkern die alte gotische Kathedrale.

Die runde Monumentalskulptur entwickelt sich aktiv in der Gotik. Gleichzeitig ist die gotische Skulptur ein integraler Bestandteil des Domensembles; sie ist Teil der architektonischen Form, da sie zusammen mit architektonischen Elementen die Aufwärtsbewegung des Gebäudes, seine tektonische Bedeutung, zum Ausdruck bringt. Und indem es ein impulsives Spiel aus Licht und Schatten erzeugt, belebt und vergeistigt es wiederum die architektonischen Massen und fördert ihre Interaktion mit der Luftumgebung.

Malerei. Eine der Hauptrichtungen der gotischen Malerei war die Glasmalerei, die nach und nach die Freskenmalerei verdrängte. Die Technik der Glasmalerei blieb dieselbe wie in der vorherigen Ära, aber die Farbpalette wurde viel reicher und bunter und die Motive wurden komplexer – neben Bildern religiöser Motive erschienen auch Buntglasfenster zu alltäglichen Themen. Darüber hinaus wurde in der Glasmalerei nicht nur farbiges Glas, sondern auch farbloses Glas verwendet.

Die Gotik erlebte die Blütezeit der Buchminiaturen. Mit dem Aufkommen der weltlichen Literatur (Ritterromane etc.) erweiterte sich das Angebot an Bildhandschriften und es entstanden auch reich illustrierte Stunden- und Psalmenbücher für den Heimgebrauch. Künstler begannen, eine authentischere und detailliertere Wiedergabe der Natur anzustreben. Prominente Vertreter der gotischen Buchminiaturen sind die Gebrüder Limburg, Hofminiaturisten des Herzogs von Berry, die das berühmte „Prachtvolle Stundenbuch des Herzogs von Berry“ (ca. 1411-1416) schufen.

Ornament

Mode

Innere

Dressoir ist ein Porzellanschrank, ein spätgotisches Möbelstück. Oft mit Malerei bedeckt.

Die Möbel der Gotik sind im wahrsten Sinne des Wortes schlicht und schwer. Beispielsweise werden erstmals Kleidung und Haushaltsgegenstände in Schränken aufbewahrt (in der Antike wurden hierfür nur Truhen verwendet). So entstanden am Ende des Mittelalters Prototypen grundlegender moderner Möbelstücke: ein Kleiderschrank, ein Bett, ein Sessel. Eine der gebräuchlichsten Methoden zur Herstellung von Möbeln war das Stricken von Rahmenplatten. Als Materialien wurden im Norden und Westen Europas hauptsächlich heimische Holzarten verwendet – Eiche, Nussbaum, im Süden (Tirol) und Osten Fichte und Kiefer sowie Lärche, europäische Zeder und Wacholder.