Welche Arten von Kunsthandwerk gibt es? Russisches Volkshandwerk. Holzprodukte

Russland ist seit jeher für sein Volkshandwerk bekannt. Basteln ist eine besondere Art der Kreativität. Dinge, die Menschen jeden Tag in ihrem Alltag benutzten, wurden von Malern als echte Kunstwerke dekoriert. Neben der Malerei gab es noch andere Kunstgattungen:

Klöppeln;
Keramik;
Schmiedekunst;
Ton- und Holzspielzeug.

Jedes Volkshandwerk hatte seinen eigenen individuellen Stil, der dank der Geschichte einer bestimmten Region, ihren Bräuchen und Traditionen entstand. Gleichzeitig zieht sich ein einziger Faden durch alle Volkshandwerke und verbindet seit vielen Generationen alle Völker unseres Landes. Wir erzählen Ihnen von den berühmtesten Volkshandwerken Russlands.

Erstaunliche Illustrationen, die dem russischen Handwerk und Volkshandwerk gewidmet sind, wurden von einem modernen Künstler geschaffen Mila Losenko.

Chochloma

Künstlerin: Mila Losenko

Das russische Volkshandwerk von Chochloma reicht bis ins 17. Jahrhundert zurück. Es entstand im Dorf Khokhloma, das auf dem Gebiet des ehemaligen Bezirks Semenovsky in der Provinz Nischni Nowgorod lag. Das Dorf war dafür bekannt, dass es auf seinem Territorium viele Klöster gab. Zum Beispiel die Klöster Sharpansky und Olenevsky. In den Klöstern gab es Werkstätten, in denen Holzgeräte hergestellt wurden. Dieses Gericht musste später bemalt werden. Die Meister von Khokhloma verwendeten hierfür satte, leuchtende Farben: Schwarz, Rot, Gold und manchmal Grün. Die goldene Farbe entsteht auf interessante Weise:

Auf das Geschirr wird silbernes Zinnpulver gegeben.
Es ist lackiert.
Drei- bis viermal im Ofen verarbeitet.

Dadurch entsteht dieser einzigartige Goldton.

Gschel

Künstlerin: Mila Losenko

Gzhel bezieht sich auf Produkte aus Keramik. In der gleichnamigen Stadt werden seit dem 17. Jahrhundert Keramik und Porzellan hergestellt. Diese Stadt galt auch als Mittelpunkt des Lebens der Altgläubigen, doch die Blütezeit von Gzhel als einem der berühmtesten Volkshandwerke Russlands fiel während der Existenz der M.S.-Produktionspartnerschaft für Porzellan und Steingut. Kusnezow“ Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. Die Hauptfarben von Gzhel waren Weiß und Blau, aber private Handwerker nahmen sich einige Freiheiten. Sie könnten zum Beispiel Gold hinzufügen. Berühmte Künstler wurden zu Klassikern der Gzhel-Malerei:

Asarowa,
Denisow,
Nepljujew,
Fedorovskaya,
Oleynikov,
Zaregorodzew,
Podgornaja,
Garanin,
Simonow.

Ihre Werke sind auf der ganzen Welt bekannt.

Obvinskaya-Gemälde

Künstlerin: Mila Losenko

Die Obvinskaya-Malerei ist die dekorative und angewandte Kunst des Urals. Das originellste Volkshandwerk der Kama-Region wird von denen geliebt, die leuchtende Farben und komplexe Muster lieben. Die Provinzmalerei wurde sowohl zum Dekorieren von Geschirr als auch von Spielzeug verwendet, hauptsächlich jedoch auf Spinnrädern. Das Hauptmotiv des Obvinskaya-Gemäldes war eine achtzackige Blume, ähnlich einem Stern. Dies ist das Erkennungszeichen der Maler des Vygoretsky-Hostels. Die Zeit und der genaue Ort des Ursprungs der malerischen Fischerei am Fluss Obva sind nicht bekannt. Die frühesten datierten Spinnräder stammen aus den 1970er Jahren.

Guslitskaya-Gemälde

Künstlerin: Mila Losenko

Unter allen Volkshandwerken Russlands wird die Guslitsky-Malerei oft als „exklusiv“ bezeichnet, da sie nirgendwo anders als in der Region verwendet wurde, in der sie erschien. Guslitsy liegt im Südosten der Region Moskau, wo einst verfolgte Altgläubige warteten, die nach einer Kirchenspaltung an andere Orte flohen. Die Guslitsky-Malerei wurde von den Altgläubigen ausgeführt, ihr Ursprung geht jedoch auf byzantinische Ornamente zurück. In der Regel wurden damit Manuskripte und Erstdrucke geschmückt. Miniaturen mit Guslitsky-Malerei wurden immer nur von Hand angefertigt.

Künstlerin: Mila Losenko

Während der Ära Peters I. gab es in Russland die ersten Versuche, eine zentralisierte Produktion künstlerischer Keramik zu organisieren. Erst Mitte des 18. Jahrhunderts konnte es in Produktion genommen werden.

Zum ersten Mal in Russland beherrschte der Moskauer Kaufmann Afanasy Grebenshchikov 1747 die Herstellung feiner Majolika. Der Ruhm dieses Geschirrs ging auf Majolika-Produkte mit bläulicher Oberfläche und traditioneller blauer Bemalung zurück. Die Form des Geschirrs erinnerte an ähnliches barockes Silberbesteck. Gschel-Majolika ist eines der eindrucksvollsten Beispiele russischer Kunstkeramik.

Rakul-Gemälde

Künstlerin: Mila Losenko

Die Rakul-Malerei entstand in der Region Krasnoborsky in der Region Archangelsk. Das Dorf Uljanowsk wurde zum Zentrum der Fischerei. Die Hauptfarben des Gemäldes sind Goldocker und Schwarz, aber auch Grün und Dunkelrot sind vorhanden. Die Rakul-Malerei zeichnet sich durch große Ornamente in Form von Blättern, Büschen und Vögeln, meist Elstern und Hühnern, aus. Die Fischerei entstand Mitte des 19. Jahrhunderts im Besitz der Familie Vityazev, erlebte jedoch in den 1930er Jahren eine schwere Krise und verschwand fast.

Onega-Gemälde

Künstlerin: Mila Losenko

Die Onega- oder Olonets-Malerei entstand im Unterlauf des Onega-Flusses. Blau-, Grün- und Rottöne werden meist zu einem ungewöhnlichen Blumenstrauß aus Äpfeln und Vögeln kombiniert. Spinnräder und andere Haushaltsgegenstände wurden mit Onega-Malerei verziert. Details wurden großflächig mit lässigen, kräftigen Strichen gemalt. Diese Art von Malerei erschien im 18. Jahrhundert.

Lipezk-Gemälde

Künstlerin: Mila Losenko

Die Lipezker Malerei ist ein russisches Volkshandwerk aus der Region Lipezk. Das Handwerk hat seinen Ursprung im 18. Jahrhundert und ist traditionell mit Tafelgeschirr verbunden: Teller, Löffel und Schüsseln wurden in Handarbeit aus Lindenholz gefertigt, das hier besonders gut wächst. Für die Herstellung jedes Produkts benötigt eine spezielle Technologie genau 72 Tage, die jeweils nach den Regeln handbemalt werden.

Der Malstil ist von den Motiven der Yelets-Spitze inspiriert. Die Lipezker Malerei enthält oft Bilder von Schmetterlingen, Vögeln, Fischen, Vertretern der Flora und Fauna der südrussischen Natur sowie Märchentieren. Die Art des Ornaments wird „Brokat“ genannt, und ein weiteres wichtiges Element des Gemäldes ist eine Weizenähre.

Pizhemskaya-Gemälde

Künstlerin: Mila Losenko

Die Pizhem-Malerei ist seit dem 17. Jahrhundert bekannt. Normalerweise wurde es in Aquarellfarben gemalt – Rot, Grün, Gelb, Schwarz. Helle nördliche Gemälde mit komplexen Mustern ähneln überhaupt nicht Pizhemskaya, wo die Basis eine klare Geometrie ist, die mit schwarzer Farbe aus Ruß und Lärchenharz hergestellt wurde. Rauten, Punkte, Kreuze, strenge Symmetrie – das ist Pizhem-Malerei.

Petersburger Malerei

Künstlerin: Mila Losenko

Erst im 20. Jahrhundert geriet diese Art des russischen Volkshandwerks unverdient in Vergessenheit. Aber es war einmal, dass die St. Petersburger Malerei sehr beliebt war. Geizig mit einer Fülle an verschiedenen Farben ist es unglaublich interessant und originell. Die St. Petersburger Malerei entstand auf der Grundlage der Untersuchung von Tabletts, die im 19. Jahrhundert in St. Petersburg hergestellt wurden. Erlesene weiße Blüten mit goldenen Blättern auf schwarzem Hintergrund – das ist die St. Petersburger Malschule. Blätter und Blüten sind mit zarten durchscheinenden Strichen bemalt, die an die Nebel und weißen Nächte von St. Petersburg erinnern.

Was für frische, helle und wunderschöne Blumensträuße. Rosen – Weiß, Tee, Scharlach – haben ihre zarten Blütenblätter geöffnet, Pfingstrosen zeigen ihre üppigen Hüte, feurige Mohnblumen und Astern, wie große strahlende Sterne, bunte Dahlien und einige andere unbekannte, ungewöhnliche, aber nicht weniger schöne Blumen.

All diese wundervollen Blumensträuße... sind auf den berühmten Tabletts aus Zhostovo gemalt.

Das Kunsthandwerk von Zhostovo ist dekorative Malerei auf Metalltabletts. Der Ursprung des Handwerks geht auf den Beginn des 19. Jahrhunderts zurück, als im Dorf Zhostovo, Troitskaya volost (heute Bezirk Mytischtschi, Region Moskau), eine Werkstatt zur Herstellung von lackierten Pappmaché-Produkten mit bemalten Miniaturen eröffnet wurde. Doch schon bald begannen die Handwerker aus Zhostovo mit der Herstellung von mit Ölfarben bemalten und lackierten Metalltabletts. Im Jahr 1928 wurde ein Artel gegründet, heute die Zhostovo Decorative Painting Factory.

Das Zhostovo-Handwerk entwickelte sich unter dem Einfluss der Ural-Dekormalerei, der Fedoskino-Lackminiaturen und der Porzellanmalerei aus Fabriken in der Nähe von Moskau. Doch bereits Mitte des 19. Jahrhunderts hatte sich ein unverwechselbarer künstlerischer Stil der Zhostovo-Meister entwickelt. Themen der Malerei sind Blumen, Pflanzenornamente, Alltagsszenen aus dem Volksleben, Landschaften. Verschiedene Tablettformen.

Dymkovo-Spielzeug

Der Name dieses Volkshandwerks ist mit dem Dorf Dymkovskaya Sloboda verbunden, das am Rande der alten russischen Stadt Chlynov (später Wjatka, heute Kirow) liegt.

Das Dymkovo-Spielzeug ist eine dekorative Tonskulptur mit einer Höhe von bis zu 25 Zentimetern. Das im Ofen gebrannte Produkt wird mit Temperafarben bemalt und vergoldet. Dargestellt sind Reiter, Damen, Herren, Märchenfiguren, Tiere und Alltagsszenen. Die Posen und Bewegungen des Dymkovo-Spielzeugs sind etwas konventionell und vereinfacht, entsprechend der alten Tradition der Herstellung von Volksspielzeugen und Skulpturen.

Heller, farbenfroher „Dunst“ ist nicht nur in Russland, sondern auch im Ausland beliebt.

Gorodets-Gemälde

Dieses Volkskunsthandwerk entwickelte sich Mitte des 19. Jahrhunderts in der antiken Wolgastadt Gorodets, die seit 1152 aus Chroniken bekannt ist. Gorodets war berühmt für seine Holzschnitzer und geschickten Schiffbauer. Der Brauch, Haushaltsgegenstände, Spinnräder, Fensterläden und Tore mit Schnitzereien und Intarsien zu verzieren, war die Geburtsstunde des Volkshandwerks.

Merkmale der Gorodets-Malerei sind klare, leuchtende Farben, klare Konturen, weiße Striche, die ein konventionelles Volumen und Bildhaftigkeit erzeugen. Die Künstler von Gorodets stellen nicht nur Blumenmuster und Märchenfiguren dar, sondern auch Genreszenen. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde die Fischerei wiederbelebt. Das Artel ist seit 1938 in Betrieb und die Gemäldefabrik Gorodets seit 1960.

russische Puppe

Matroschka ist eine echte russische Schönheit. Mit rosigen Wangen, in einem schicken Sommerkleid, mit einem bunten Schal auf dem Kopf. Aber die Nistpuppe ist kein fauler Mensch, in ihren Händen hält sie entweder eine Sichel und Brotähren oder eine Ente oder einen Hahn oder einen Korb mit Pilzen und Beeren.

Aber das Wichtigste ist, dass diese Puppe ein Geheimnis hat! Darin verstecken sich fröhliche Schwestern. Im Vergleich zu anderen Spielzeugen ist die Babypuppe aus Holz jung, etwas mehr als hundert Jahre alt. Dies ist kein Alter für ein Volksspielzeug.

Der Prototyp der Nistpuppe könnte „Pysanka“ sein – hölzerne, bemalte Ostereier, die seit vielen Jahrhunderten in Russland hergestellt werden. Sie sind innen hohl und das Kleinere wird in das Größere gesteckt. Ende des 19. Jahrhunderts fertigte der örtliche Drechsler Zvyozdochkin in Abramtsevo die erste Holzpuppe nach einer Skizze des Künstlers Sergei Malyutin. Und als Maljutin es malte, stellte sich heraus, dass es sich um ein Mädchen in einem russischen Sommerkleid mit Kopftuch und einem Hahn in der Hand handelte. Der Legende nach rief jemand, als er die Puppe sah, lachend aus: „Wie ähnlich ist sie unserer Matrjona!“ Seitdem wird dieses Spielzeug Matroschka genannt.

Matroschka ist eines der beliebtesten russischen Souvenirs. In der Region Moskau begann 1890 in Sergiev Posad die Massenproduktion von Nistpuppen, und bereits 1900 wurde ein Spielzeug aus Russland auf einer internationalen Ausstellung in Paris mit einer Goldmedaille ausgezeichnet.

Bald begann man auch in anderen Regionen des Landes mit der Herstellung von Matroschka-Puppen, zum Beispiel in der Stadt Semenov, im Dorf Polchow-Maidan, auf dem Wjatka-Land, in Baschkirien und Woronesch.

Heutzutage erlebt die traditionelle Kunst der Matroschka ihre Wiedergeburt. Es ist nur so, dass sich ihr Aussehen verändert hat.

Khokhloma-Gemälde

Bereits im 17. Jahrhundert fanden im Dorf Khokhloma Messen statt, auf denen mit bemaltem Holzgeschirr gehandelt wurde, das in Dörfern und Weilern der Region Nischni Nowgorod hergestellt wurde.

Die Khokhloma-Malerei zeichnet sich durch eine charakteristische Kombination von Gold mit Schwarz, Rot, Grün, manchmal Braun und Orange aus. Bilder von Pflanzen, Beeren, Früchten, Vögeln und Fischen bilden ein skurril gemustertes Ornament. Das Geheimnis von Khokhlomas „Gold“ ist die Verwendung einer Aluminiumbeschichtung (früher Silber oder Zinn) mit darauf aufgetragenem Muster und Lack. Das Produkt wird bei einer Temperatur von 100-120 Grad getrocknet. Unter Temperatureinfluss nimmt der Lack einen gelblichen Farbton an und durch ihn funkelt die Aluminiumschicht „golden“.

Moderne Khokhloma-Produkte – Geschirr, Möbel, Souvenirs – werden von Meistern der Khokhloma-Künstlerfabrik und des Khokhloma-Malervereins in der Region Nischni Nowgorod hergestellt.

Gzhel-Keramik

Gzhel ist eines der berühmtesten Volkskunsthandwerke in Russland. Die Gzhel-Fischerei vereint zwei Dutzend Dörfer und Weiler in der Nähe von Moskau. Bereits ab dem 14. Jahrhundert blühte in dieser Gegend die Töpferindustrie auf. Ab der Mitte des 18. Jahrhunderts beherrschten Gschel-Handwerker die Herstellung von Majolika mit mehrfarbiger Bemalung auf weißem Hintergrund. Das Gemälde wurde oft durch skulpturale Bilder von Menschen, Tieren und Vögeln ergänzt.

Im 19. Jahrhundert wurde Gschel für seine Fayencen und sein Porzellan berühmt. Seitdem hat sich die Malerei mit Kobaltblau auf Weiß durchgesetzt. Skulpturen sind eine Vielzahl von Produkten mit einem „charakteristischen“ Blumenmuster und überraschen mit der Fantasie und dem Können von Künstlern, die Volkstraditionen bewahrt haben. Heute ist Gzhel-Keramik auf der ganzen Welt bekannt und schmückt weiterhin unser Leben.

Skopino-Keramik

Skopiner Keramik erlangte als Volkskunsthandwerk seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Berühmtheit. Archäologische Untersuchungen bestätigen, dass es im 12. Jahrhundert bereits Töpferwaren auf dem Gebiet der Stadt Skopin in der Region Rjasan gab.

Die Besonderheit der Skopino-Keramik besteht darin, dass die meist handgefertigten Produkte durch geformte Bilder von Vögeln, Fischen und fantastischen Tieren ergänzt werden. Das prächtige Blumenornament macht Skopino-Keramik zu einem echten Kunstwerk. Es ist mit farbiger Glasur in Braun, Grün oder Gelb überzogen.

Ein Artel wurde 1934 gegründet und seit 1976 die Keramikfabrik Skopinskaya.

Filimonovskaya-Spielzeug

Dieses Volkshandwerk ist mit dem Dorf Filimonovo in der Region Tula verbunden. Seit jeher werden in diesen Gegenden Gerichte aus lokalem hellem Töpferton hergestellt. Das Aussehen des Filimonov-Spielzeugs besticht durch seine Originalität und ungewöhnliche Form. Laut Experten sind im Filimonov-Spielzeug die ursprünglichen, alten Traditionen der Volkskultur erhalten geblieben.

Die Figuren sind etwas länglich, im Gemälde dominieren drei bis vier Farben. Das Gemälde selbst ist ein Wechsel horizontaler Streifen auf weißem und gelbem Hintergrund. Das Ornament wird von Kreisen, Rosetten, Dreiecken, Zickzacklinien und Punkten dominiert. Die Gesichter auf den Spielzeugen, kleine Details sind kaum erkennbar, wie bei antiken, heidnischen Idolen. Die Spielzeuggrößen reichen von 3-5 bis 25-30 Zentimeter. Die meisten davon sind Pfeifen.

Filimonov-Spielzeuge sind einfach. Aber das Spielzeug gefällt, was bedeutet, dass es von freundlichen Händen hergestellt wurde.

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Kulturministerium der Region Wolgograd

Staatliche Bildungshaushaltseinrichtung für Kultur und höhere Berufsbildung

„Staatliches Institut für Kunst und Kultur Wolgograd“

(GOBUK VPO VGIIK)

Ich inszeniere

Fakultät für Korrespondenzstudien

Abteilung für dekorative und angewandte Kunst

Zusammenfassung zur Disziplin:

Organisation und Management von NHP

zum Thema : « Volkskunst und Kunsthandwerk Russlands»

Vollendet:

Popova E.I.

(Spalte 5RSDPT FZO)

Geprüft:

Professor

Taranov N.N.

Wolgograd 2017

Einführung
1. Volkshandwerk und Kunsthandwerk
2. Arten von Kunsthandwerk
2.1 Künstlerische Metallverarbeitung
2.2 Holzprodukte
2.3 Weben
2.4 Stickerei
2.5 Künstlerische Keramik
2.6 Walkindustrie
2.7 Künstlerische Malerei
2.8 Spielzeugindustrie
2.9 Künstlerische Bearbeitung von Knochen
2.10 Spitzenweben und Daunenstricken
Abschluss
Referenzliste

Einführung

Volkshandwerk ist eine der Formen der Volkskunst (insbesondere die Herstellung dekorativer und angewandter Kunst). Die Traditionen der Volkskunst reichen bis in die Antike zurück und spiegeln die Besonderheiten des Arbeits- und Alltagslebens, ästhetische Ideale und Überzeugungen eines bestimmten Volkes wider. Motive und Bilder der Volkskunst sind über Jahrhunderte nahezu unverändert geblieben und werden von Generation zu Generation weitergegeben. Produkte von Volkshandwerkern (Keramik, Stoffe und Teppiche, Produkte aus Holz, Stein, Metall, Knochen, Leder usw.) sollen in erster Linie Schönheit und Freude in den menschlichen Alltag bringen. In Russland waren die mit blauen Farben auf Weiß bemalten Gzhel-Keramiken am beliebtesten; Dymkovo-Tonspielzeug; Vologda-Spitze, Gorodets-Holzgemälde, Lackminiaturen von Palech, Kholuy, Mstera, Khokhloma, Weliki Ustjug, Niellomalerei auf Silber usw.

Mit der Entwicklung der industriellen Massenproduktion gerieten viele alte Handwerke und Gewerbe in den Niedergang. In con. 19 - Anfang 20. Jahrhundert Im Zuge des Interesses an der nationalen Vergangenheit begann in vielen Ländern eine Wiederbelebung des Volkskunsthandwerks. In Russland wurde in den Werkstätten von Abramtsev und Talashkino das traditionelle Handwerk gezielt gepflegt. Heutzutage schaffen Handwerker, die in der Tradition des Volkshandwerks arbeiten, sowohl einzigartige Kunstwerke als auch Skizzen für die Herstellung industrieller Massenprodukte.

1. Volkshandwerk und Kunsthandwerk

Was macht Handwerk und Gewerbe ähnlich und vereint?

Das Wort „Handwerk“ kommt vom lateinischen „remes“ (Zimmermann) und bezeichnet verschiedene Arten manueller Arbeit. Vorsehung – von „sorgen“, also denken. In Dahls erklärendem Wörterbuch wurde „Handwerk“ als „eine Fähigkeit, mit der man Brot verdient, ein Gewerbe, das überwiegend körperliche und nicht geistige Arbeit erfordert“ erklärt.

Wenn wir die kontroverse Aussage über den Zusammenhang zwischen körperlicher und geistiger Arbeit beiseite lassen, werden wir sehen, dass es vor allem um einkommensschaffende Arbeit geht. Aus dem Handwerk wurde ein Gewerbe, als Handwerker begannen, Artikel auf Bestellung und zum Verkauf herzustellen.

Wenn bestimmte Fähigkeiten und Ausdrucksmittel bekannt werden, entsteht eine Tradition. Und dies geschieht dank der gemeinsamen Anstrengungen verschiedener Menschen, daher ist die Natur der Volkskunst kollektiv, was jedoch nicht die Bedeutung der Kreativität der talentiertesten und suchendsten Meister schmälert.

Mit zunehmender Verbreitung reproduzierte die Fischerei Objekte des gleichen Typs, verlor jedoch nicht die bereits gefundenen Proben. Die Fischerei starb, wenn sie keine Einnahmen brachte, wie es mit der Einführung der Fabrikproduktion der Fall war.

Heutzutage ist die Volkskunst nicht verschwunden, sie hat sich größtenteils in einen anderen Bereich verlagert, und es ist auch eine Definition aufgetaucht: dekorative und angewandte Kunst. Das Wort „Dekor“ bedeutet „dekorieren“. Die Basis des Dekors ist ein Muster, ein Ornament. Angewandt – der Gegenstand muss seinen Zweck haben. Und vielleicht verlieren einige Gegenstände bereits ihren Nutzen, bekommen aber gleichzeitig eine neue Bedeutung – sie schmücken den Alltag, und das ist auch in der modernen Welt wichtig.

In der Volkskunst gibt es vor allem Kontinuität in den technologischen Techniken der Handarbeit, die von Generation zu Generation weitergegeben werden. Werke traditioneller Handwerkskunst bringen uns viele künstlerische Bilder, die unsere Zeit mit der Kultur der Antike verbinden. Der manuelle Charakter der Arbeit ermöglicht es dem Meister, zu improvisieren, seine eigenen kreativen Variationen in traditionelle Formen einzuführen und „seine eigene Handschrift“ zu haben, die sich von der „Handschrift“ anderer Meister unterscheidet.

Wenn in der Industrie ein Künstler ein Muster erstellt, das dann von einer Maschine in einer großen Anzahl identischer Kopien reproduziert werden kann, dann ist es im Kunsthandwerk der Meister, der die traditionelle Form des Objekts und traditionelle Dekorationsformen verwendet und jeweils von Hand arbeitet Mit der Zeit werden am Produkt mehr oder weniger große Veränderungen vorgenommen, wodurch es ähnlichen Objekten ähnlich und gleichzeitig nicht ähnlich wird. Produkte der Volkskunst, die immer von Hand gefertigt werden, werden gerade deshalb geschätzt, weil sie den kreativen Charakter der Arbeit des Volkskünstlers bewahren und eine Voraussetzung dafür sind, dass jedes Produkt ein einzigartiges Kunstwerk ist. Daher kann und sollte Handarbeit in der Volkskunst nicht durch Maschinenarbeit ersetzt werden. Hier geht es natürlich nur um kreative Handarbeit, die es dem Meisterkünstler ermöglicht, seine Produkte zu variieren. Wenn er nur das ihm gegebene Muster kopieren muss, stellt seine Arbeit keinen ästhetischen Wert dar. Technische Verbesserungen, die die Kreativität des Interpreten nicht ausschließen, die Manifestation der Virtuosität des Meisters nicht beeinträchtigen, können und sollten weit verbreitet sein; Wandel in der Volkskunst. So wird eine Töpferscheibe seit langem in der Keramik verwendet, eine Drehbank in der künstlerischen Holzbearbeitung, in den späten 40er Jahren wurde in Knochenschnitzbetrieben eine Bohrmaschine eingeführt und in der Stickerei werden Nähmaschinen der Klassen 1 und 22A eingesetzt. Alle diese Mechanismen helfen dem Meister bei seiner Arbeit.

Volkskunst und Kunsthandwerk sind eine der historisch etablierten Formen der dekorativen und angewandten Volkskunst, bei der es sich um die kommerzielle Herstellung von Kunstgegenständen für den Verbraucherkonsum unter obligatorischem Einsatz kreativer Handarbeit handelt. Das Volkshandwerk ist das Erbe der besten Traditionen der Volkskunst und die am weitesten entwickelten Zentren der nationalen Volkskultur.

Angeln, Kreativität, Handwerk, Überzeugungen

2. Arten von Kunsthandwerk

2.1 Künstlerische Metallverarbeitung

Oben wurde bereits gesagt, dass die Metallverarbeitung die erste Art künstlerischen Handwerks war, die sich als eigenständige Produktion herauskristallisierte.

Bemerkenswerte Kunstwerke, die von Meistern der Vergangenheit hinterlassen wurden, zeugen von ihrer perfekten Beherrschung des Materials, dem Wissen um seine natürlichen Eigenschaften und einem subtilen Verständnis ihrer Fähigkeiten. Die Härte, Duktilität, Struktur, Farbe des Metalls, seine Fähigkeit, bestimmte Formen anzunehmen und mit anderen Materialien zu KOMBINIEREN, wurden von den Handwerkern gründlich untersucht und veranlassten sie zu einer künstlerischen Entscheidung.

Die künstlerische Metallbearbeitung umfasst eine Vielzahl von Techniken und Techniken, die die Herstellung einer ungewöhnlich breiten Palette von Objekten ermöglichen: kleinste Schmuckstücke aus Edelmetallen und monumentale Gegenstände aus Eisen und Gusseisen.

Künstlerisches Casting.

Kunstguss ist eine der ältesten Formen der Metallverarbeitung. Sein Wesen liegt darin, dass das Produkt aus geschmolzener Metallmasse in speziellen Formen hergestellt wird. Auf dem Territorium der Rus wurde der Kunstguss bereits im 6.-8. Jahrhundert beherrscht. Zunächst wurden Gussprodukte aus Gold-, Silber- und niedrigschmelzenden Bronzelegierungen hergestellt.

Handwerker aus Kiew, Nowgorod, Wladimir, Moskau und anderen alten russischen Städten nutzten diese Technik zur Herstellung von Gürtelpolstern, Armbändern, Schnallen, Anhängern für Halsketten und Verschlüssen für Kaftane. Und größere Gegenstände: Scheidenspitzen und Schwertgriffe, Kerzenleuchter, Kronleuchter, Lampen, Wassermänner, Kampfgewichte, reich verziert mit Ornamenten.

Oftmals wurden Gießereiarbeiten mit anderen Techniken kombiniert – Granulation, Filigranierung, Prägung, Niello, Emaille. So gehören breite gegossene Silberarmbänder mit Niello-Muster zu den besten Kunstwerken des antiken Russlands. Die Oberfläche der Kiew- und Wladimir-Armbänder ist mit feinsten Zeichnungen bedeckt, die sich deutlich vom schwarzen Hintergrund abheben und Vögel, Löwen, Schneeleoparden, Zentauren, Tänzer, Krieger und Guslars darstellen.

Hervorragende Beispiele für den Schmuckguss sind Details von Bucheinbänden – aufgebrachte Silberhalbkugeln – „Grate“, die ein komplexes Geflecht aus gemusterten Motiven und ornamental interpretierten Tierbildern darstellen.

Ein bedeutendes Zentrum für den Guss von Kupferlegierungen am Ende des 17. und Anfang des 18. Jahrhunderts. wird zur Stadt Pawlowo am 0ke. Die Arbeiten der Pawlowsker „Schlossmacher“, die gegossene Figurenschlösser mit den kompliziertesten Designs herstellten, zeichneten sich durch hohe Handwerkskunst aus. Vorhängeschlösser, oft Miniaturschlösser, erhielten die Form von Tierfiguren und Märchenwesen. Diese Bilder wurden in konventionellen, manchmal grotesken Formen interpretiert, die ihren Ursprung in der Besetzung der antiken Rus im 9.-10. Jahrhundert hatten. Diese traditionellen Formen werden heute manchmal in Souvenirprodukten verwendet, die von der Pawlowsker Souvenirfabrik hergestellt werden.

In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts. Die Kunst des Gusseisengusses begann sich zu entwickeln.

Die ersten Handwerker, die das Gießen von Kanonen beherrschten, waren Glockenmacher. Die Waffen waren kunstvoll mit Ornamenten, Inschriften und Bildern von Märchentieren verziert.

Schmieden.Prägung.

Die Technik des Handschmiedens – der plastischen Bearbeitung von heißem Eisen – wurde bereits im 9.-10. Jahrhundert entwickelt. Die Schmiedeausrüstung: Schmiede, Blasebälge, Ambosse verschiedener Stile, Hämmer und Zangen – blieb bis zum Ende des 19. Jahrhunderts nahezu unverändert. Metall wurde flachgedrückt, gedehnt, gebogen, geschnitten – Metallbearbeitungstechniken beim Schmieden bis zum 18. Jahrhundert. fast nie benutzt.

Eine große Anzahl von Schmiedeprodukten für architektonische Zwecke – Gitter, Türen, Tore, Geländer und Halterungen für Markisen – wurden in Moskau, Kaluga, Tula, Jaroslawl, Kostroma, Wologda und Weliki Ustjug hergestellt.

In den Städten des russischen Nordens wurde nicht nur architektonisches, sondern auch geschmiedetes Haushaltsmetall hergestellt. Im 17. Jahrhundert Es wurden zahlreiche Lichter, Kerzenleuchter, Waagen, Stecklinge und andere Produkte hergestellt. Die meisten dieser Artikel zeichnen sich durch eine klare kompositorische Lösung aus, bei der die Basis des Produkts ein Stab mit Ästen ist, die eine konstruktive und dekorative Rolle spielen. Stützen, Verbindungen und Halterungen wurden in Form von Stängeln, Blättern, Blüten, Vögeln und Pferdeköpfen interpretiert.

Ein Beispiel für das Können russischer Schmiede sind geschmiedete Sägen, auf denen mehrere Blütenblätter aus gedrehten, allmählich abnehmenden Spiralen mit Halbfiguren galoppierender Pferde enden – eines der beliebtesten Bildmotive der Bauernkunst. Die Fülle an Details beeinträchtigt nicht die Integrität der Wahrnehmung der klaren Silhouette des Schnitts. Das Produkt demonstriert auch die Kunst des Schmiedeschweißens, die bei diesem relativ kleinen Objekt an mehr als hundert Stellen angewendet wurde.

Beim Schmieden von Türscharnieren und Schlossplatten kam das Lamellenprinzip zum Einsatz, bei dem Seitenzweige in beiden Richtungen heiß von den Mittelstreifen abgetrennt wurden, die wiederum gespalten wurden und neue Zweige bildeten. Dieses rein schmiedetechnische Prinzip hat auch beim Schmieden von Truhen Anwendung gefunden.

Das Wort „jagen“ kommt vom Wort „klirren“, to mint – auf Metall klopfen. Sie werden mit einem Hammer geprägt, dessen eines Ende abgerundet ist und dessen anderes Ende über eine flache Plattform zum Schlagen der Münze verfügt. Das Arbeitsende der Münze ist gehärtet und hat eine andere Form, um der Platte die gewünschte Textur zu verleihen.

Normalerweise verfügte der Münzmeister über mindestens 200 Münzstätten, die bestimmte Namen trugen: eine Münzstätte mit leicht abgestumpfter Spitze – „kanfarnik“, in Form eines Meißels – „Verbrauchsmaterialien“, mit rechteckiger Plattform – „loschatnik“, mit a konkave Kugel - „Röhre“ usw. P.

Um das dünne Metall nicht zu zerreißen, wurde auf Kunststoffmaterialien geprägt: Holzenden, speziell vorbereitetes Harz, Wachs, Alaun und Blei.

Die Prägung kann in Flach- und Reliefprägung unterteilt werden, obwohl für einige Werke beide Arten verwendet wurden. Die einfachste Münzprägung, die im 9.-10. Jahrhundert verwendet wurde. von Smolensker und Tschernigow-Meistern bestand darin, dass das Design mit verschiedenen Prägungen direkt auf die Vorderseite des Dings aufgebracht wurde. Sehr häufig wurden Röhren-Ziehungen verwendet, die ein falsch gemasertes Ziselierungsmuster erzeugten, oder Galopp-Ziehungen, mit deren Hilfe der Hintergrund mit winzigen Grübchen bedeckt wurde. Mit diesen Techniken wurden in Pskow, Nowgorod und Susdal Griwna, breite Armbänder und angebrachte Plaketten hergestellt.

Eine gängige Art der Prägung ist die strukturierte Prägung des Hintergrunds, die ihn um die Bilder herum versenkt. Der Umriss des Designs wurde zunächst mit einem Verbrauchsstempel aufgebracht.

Ein hervorragendes Beispiel für Münzen aus dem 10. Jahrhundert. (teilweise mit Niello bedeckt) ist ein silberner Rahmen eines Turye-Horns aus der Nähe von Tschernigow. Beim Zuschneiden des Hintergrunds führte der Meister im Galopp mehrere tausend Schläge aus. Die entwickelte Handlung zeigt Jäger mit Bögen, geflügelte Tiere, die an Drachen, Adler und Hunde erinnern. Die Komposition besticht durch die schnelle Bewegung der Figuren und die Geschicklichkeit ihrer Zeichnung.

Im XV.-XVII. Jahrhundert. Besonders häufig wurden Bratina mit geprägten Münzen verziert. Die Namen der Bratinen: facettiert, löffelförmig, schuppig – werden mit verschiedenen ziselierten Ornamenten in Verbindung gebracht, die aus „Schuppen“, „Löffeln“, „Äpfeln“ usw. bestehen.

Im 18. Jahrhundert St. Petersburg wurde zum Zentrum der künstlerischen Metallverarbeitung, wohin 1711 die Meister der Rüstkammer versetzt wurden. Produkte der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts werden in St. Petersburg hauptsächlich mit den Techniken des Ziselierens und Gießens im Rokoko-Stil hergestellt. Das elegante und üppige Prägemuster zeichnete sich durch ein asymmetrisches Design, eine Fülle von Locken und komplex geschwungenen Linien in herkömmlichen Muschelbildern aus.

Es erschienen neue Arten von Geschirr: Samoware, Teekannen, Kaffeekannen, Zuckerdosen und ganze Sets mit großen ziselierten Ornamenten. Das reiche Muster der Prägung ist durchsetzt mit Girlanden aus Blumen und Früchten sowie Bildern fantastischer Meerestiere.

Gravieren und Schwärzen.

Das Schwärzen erfolgt durch Aufschmelzen einer speziellen Mischung aus Silber, Kupfer, Blei und Schwefel auf die Oberfläche von Silbergegenständen. Der samtige Schwarzton des Niello-Musters hebt sich wunderbar von der blaugrauen Oberfläche des Silbers ab. Auch auf Gold wurde Schwarz aufgetragen. Diese Technik gehört zu den ältesten Arten der dekorativen Veredelung künstlerischer Produkte in Russland. In der Nähe von Smolensk und Tschernigow wurde Silberschmuck mit Niello und Gravur aus dem 10. Jahrhundert gefunden.

Die Techniken zur Identifizierung von Mustern in Gegenständen mit Niello sind unterschiedlich. Oft ist Niello ein Hintergrund, der das Muster kontrastierend hervorhebt, wie zum Beispiel bei Produkten der Kiewer Rus des 10.-12. Jahrhunderts: breite Armbänder, Gürtelplaketten usw. Gleichzeitig werden nach dem Schwärzen die Umrisse und das Innere gemustert Die Füllung der Bilder wurde erneut eingraviert.

Manchmal wird das interne Schwarzmuster komplexer und beginnt das Hintergrundschwarz zu überwiegen. Diese neue künstlerische Technik fand Anwendung in Dingen aus der Wladimir-Susdal-Rus des 13. Jahrhunderts. Bei einigen Objekten bleibt der gesamte Hintergrund glänzend und das gravierte Design ist mit sattem Niello gefüllt.

Moskauer Meisterjuweliere erreichten das 16. Jahrhundert. große Perfektion in der Schwärzungskunst. Diese Zeit ist durch die samtig schwarze Farbe des Niello, insbesondere auf Goldbasis, gekennzeichnet. Gegenstände des weltlichen und kirchlichen Gebrauchs wurden mit Niello verziert.

Ein hervorragendes Beispiel der Schmiedekunst dieser Zeit ist die goldene Schale in der Waffenkammer. An der Seite der Schale befindet sich ein elegantes grobes Muster mit Inschriften in Form von Schriftrollen, die darauf hinweisen, dass die Schale 1561 im Auftrag von Zar Iwan dem Schrecklichen für die Zarin Maria Temrjukowna hergestellt wurde.

Filigrane (filigrane) Fertigung.

Der Name „filigran“ kommt von zwei lateinischen Wörtern: „phylum“ – Faden und „granum“ – Korn. Das Wort „skan“ ist altslawisch und bedeutet „drehen“, „drehen“. Beide Namen weisen auf eine Besonderheit der Technologie dieser Art der Metallverarbeitung hin: Durch das Verdrillen zweier Drähte entsteht ein „Seil“, das später zur Herstellung gescannter Produkte verwendet wird. Besonders beeindruckend wirkt der eng verdrillte Draht, der einer Reihe dicht gepackter Körner ähnelt. Das Filigran wird durch „Maserung“, also kleine Kugeln, ergänzt, was das Produkt noch schöner macht.

Filigran wird aus reinen Metallen hergestellt – Gold, Silber, Kupfer, die eine gute Zähigkeit und Duktilität aufweisen. Diese Eigenschaften tragen zum Ziehen und Walzen des Drahtes, seiner Verdrillung und Filamentfixierung bei.

In der Filigrantechnik hergestellte Gegenstände enthalten fast immer Körner – Kugeln, die manchmal 5 bis 6 Mal kleiner als ein Stecknadelkopf sind. In frühen Epochen waren Silbermonde besonders reich mit Körnern verziert. Auf manchen sind bis zu 2250 winzige Silberkörner aufgelötet. Bei Kiewer Kolta-Ohrringen beträgt die Anzahl der Körner bis zu 5000. Das durch die Körner gebildete Muster ist ein dekorativer Akzent in gescannter Spitze.

Seit der Antike werden zwei unterschiedliche Methoden der Fassung praktiziert: die gelötete Filigranarbeit, bei der die Garnitur auf einen Sockel gelötet wird, und die durchbrochene Fassung, bei der die Drahtelemente miteinander verlötet werden.

Eine sehr verbreitete Art von filigranem Schmuck im antiken Russland im 10.-11. Jahrhundert. Es gab Tempelringe mit drei Perlen. Besonders kunstvoll waren die durchbrochenen Perlen aus feinstem Goldfiligran.

In der Moskauer Rus wurde die Filigrantechnik viel komplizierter; es kamen viele neue Techniken auf, die der silbernen Spitze endlose Vielfalt einbrachten.

Ein häufig verwendetes filigranes Motiv ist ein kontinuierlich kletternder Stamm mit spiralförmigen Ästen, die mit kleinen Trieben bedeckt sind. Der Stiel ist mit glattem, gekräuseltem Draht ummantelt und die Locken sind mit feinstem Filigran ummantelt. Oft ist das Filigran mit transparentem Smaragd-Email und Niello wunderschön schattiert.

Ein hervorragendes Beispiel filigraner Handwerkskunst ist der Kelch von Ivan Fomin aus dem Jahr 1449. Ein steil gewelltes Muster aus feinster Filigranarbeit mit gedrehten und glatten Elementen wird hier zum vorherrschenden Motiv; Ein dichtes Muster mit ähnlichen Elementen ist frei, fast zufällig auf der Oberfläche des Objekts angeordnet.

Bereits in den Jahren der Sowjetmacht wurde die Steinproduktion wiederbelebt. In den Werken der 20er Jahre ist der Einfluss von Jugendstiltrends noch spürbar, aber das große Verdienst der Meister der älteren Generation besteht darin, dass sie die besten Traditionen der russischen Filigrankunst übernommen haben: hohe Qualität und Reinheit der Arbeit, die Fähigkeit dazu Verwenden Sie eine Vielzahl von Techniken dieser subtilen Technik. Die Moskauer Juweliere I. K. Efimov, M. N. Firsov und A. V. Voronin gaben ihre bemerkenswerten Fähigkeiten an die jüngere Generation weiter.

Die Meister der 50er Jahre A. I. Efimov, B. M. Sergeev und andere schufen für den Moskauer Juwelier Artel eine neue Reihe filigraner Produkte – Ringe, Anhänger, Broschen, Toilettenkästen, die durch ihre dekorative Wirkung und hohe technische Leistung auffallen.

Das Krasnoselsky-Schmuckhandwerk ist ein altes Zentrum für die Herstellung künstlerischer Metallprodukte, dessen Entstehung bis ins 16.-17. Jahrhundert zurückreicht. Silberschmiede arbeiteten in Kostroma, den Dörfern Krasny an der Wolga, Sidorovsky, Podolsky, Zdemirov. Dort stellten sie Silberrahmen, Gläser, Salzstreuer, Schalen, Füße, Ikonenrahmen, Einbände von Kirchenbüchern, Kreuze und andere Kirchenutensilien her.

Emaillieren.

Zu den frühesten Produkten mit Emaille auf dem Gebiet der antiken Rus gehört Schmuck mit Champlevé-Email, der im 4.-5. Jahrhundert von Handwerkern der Dnjepr-Region hergestellt wurde. Alle Dnjepr-Schmuckstücke wurden nach einem Wachsmodell aus Goldbronze gegossen, auf das ein einfaches Muster aufgedruckt war.

Der Zahnschmelz – eine glasige Masse – wurde zu Pulver zerkleinert, mit Wasser vermischt und in Form eines dicken Teigs in die Vertiefungen gelegt. Dann wurde das Produkt auf einer Kohlenpfanne gebrannt und der schmelzende Zahnschmelz füllte die Zellen.

Cloisonné-Emails brachten dem russischen Schmuck große Berühmtheit: Nach dem Verlöten der Trennwände in Zellen wurde die Emaille ausgelegt, gebrannt und anschließend wurden die hervorstehenden Trennwände bündig poliert. Die Zellen waren manchmal Bruchteile eines Millimeters groß.

Im XI-XIII Jahrhundert. in Rus wurden matte und transparente Emails verwendet, die eine reiche Farbpalette aufwiesen. Bei Abbildungen von Menschen wurden beispielsweise undurchsichtige Emails für Kleidung und durchsichtige Emails für Gesichter und Hände verwendet. Colt-Ohrringe und Diademe aus Cloisonné-Email waren oft mit Vogelbildern an den Seiten des „Baums“ verziert.

Die Werke der Emaillierer der Kiewer Rus können heute als unübertroffen gelten.

Emaille wurde nicht nur für Schmuck, sondern auch für Bucheinbände verwendet. Die Produkte nutzten erfolgreich die Eigenschaften transparenter Emails und durchscheinender strukturierter Hintergründe sowie kontrastierender Farbkombinationen.

Moskauer Meister erlangten die hohe Kunst der filigranen Emaille in der Fassung der Hodegetria-Ikone (1560 aus der Sammlung der Rüstkammer des Moskauer Kremls). Das elegante, filigrane Blumenmuster des Rahmens ist mit Emaille in Rot- und Grüntönen gefüllt und erinnert an die satten Flecken kostbarer, ungeschliffener Steine – Smaragde, Saphire, Almandine. Weiße Emaille und große Perlen, die die Ränder des Rahmens einrahmen, stehen in einem ebenso organischen Farbverhältnis. Eine zarte Farbpalette ist charakteristisch für die meisten filigranen Emails aus der Zeit Iwans des Schrecklichen.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Die Kunst der filigranen Emaille erlebt ihre größte Blüte.

Transparente grüne Emaille mit Einschluss von Smaragd ist eine beliebte Kombination bei Dekorationsprodukten. Eine goldene Löffelschale, die in der Moskauer Rüstkammer aufbewahrt wird, ist mit dieser Serie verziert. Transparente grüne Emaille mit goldenem Licht erreicht hier eine solche Klangfülle, das Vordach der Treppe und im Kontrast dazu die massive skulpturale Säule, die die Veranda trägt, verleiht dem Gebäude ein fabelhaftes Aussehen. Die nördliche Hütte wurde mit einem Ohlupen gekrönt – einem Lärchenstamm, an dessen einem Ende, näher an der Wurzel, der Kopf eines Pferdes, Hirsches oder Vogels mit einer Axt herausgeschnitten wurde.

2.2 Holzprodukte

In den Weiten des russischen Landes gibt es viel Reichtum. Eines der verfügbaren Materialien ist zweifellos Holz. Es ist nicht nur deshalb zugänglich, weil es den größten Teil des Territoriums abdeckt, sondern auch aufgrund seiner Verarbeitungsmethoden. Stimmen Sie zu, dass für einige Verarbeitungsarten keine komplexen Geräte und Geräte erforderlich sind. Daher die Vielfalt der Arten und Unterarten des Handwerks, die mit der Verwendung von Holz verbunden sind. In der Vergangenheit mussten russische Holzschnitzer, Zimmerleute und Tischler viel Arbeit mit der Innenausstattung reicher Anwesen, Kirchen und sogar Palastgebäuden leisten. Die geschnitzten Ikonostasen sind erhalten geblieben und erwecken den Eindruck von Gold. Tatsächlich bestehen sie aus Holz und sind reich verziert mit durchgehenden Reliefschnitzereien, die Schiffs- und Hausschnitzereien ähneln, mit Gesso überzogen und vergoldet. Auch russische Handwerker waren mit den im 17. und 18. Jahrhundert in Mode befindlichen Modellen bestens vertraut. Intarsien- und Mosaiktechniken, die sie bei der Herstellung von Möbeln für Palastgebäude beherrschten.

Holzschnitzen.

Es gibt verschiedene Arten der Holzschnitzerei:

Flachrillenfaden (Kontur, Klammer, geometrisch usw.);

Reliefschnitzerei (Flachreliefschnitzerei, Blindschnitzerei, Kudrinskaya-Schnitzerei usw.);

Durchgehender Faden (geschlitzt und gesägt);

Skulpturales Schnitzen (volumetrisch);

Hausschnitzerei (kann mehrere Arten kombinieren);

Mahlen. Bearbeitung auf einer Drehmaschine, Fräsmaschine;

Weben aus Birkenrinde;

Schnitzerei aus Birkenrinde;

Prägung auf Birkenrinde;

Herstellung von Dienstagen;

Souvenirproduktion (Amulette, Schmuck, Accessoires, Spielzeug und Bilder);

Korbgeflecht.

Birkenrinde.

Es gibt ein Sprichwort: „Ohne Bast und Birkenrinde wäre der Mann auseinandergefallen.“ Elastizität, Wasserdichtigkeit, Fäulnisbeständigkeit und Schönheit machten es möglich, Birkenrinde beim Hausbau, bei Geschirr und Schuhen zu verwenden.

Produkte, Geschirr und Schuhe aus Birkenrinde sind gut, weil sie wie Thermoskannen funktionieren. Beeren, Sauerrahm und Hüttenkäse wurden in Kisten aus Birkenrinde gelegt – der Saft lief nicht aus, da die Produkte in Holzkisten nicht verrotteten oder verderbten.

Inlay- eine Technik zur Veredelung und Dekoration von Holzprodukten, hauptsächlich Möbeln, bei der dekorative Elemente aus wertvollem Holz in die Holzoberfläche geschnitten werden, beispielsweise in die obere Arbeitsplatte eines Tisches oder in die gerade Rückenlehne eines Stuhls (normalerweise auf dem gleichen Niveau wie die Oberfläche des Produkts). aus einer anderen Farbe sowie aus Perlmutt oder Metall.

Mosaik in der künstlerischen Holzbearbeitung ist eine Technik zum Erstellen einer Zeichnung oder eines Musters aus mehrfarbigen Holzstücken, genauer gesagt aus mehrfarbigen Sperrholzstücken. Beispiele für bemerkenswerte Mosaikarbeiten sind die Fußböden im Winterpalast, im Pawlowsk-Palastmuseum bei Leningrad sowie in den Museen Ostankino, Archangelskoje und Kuskowo bei Moskau.

Die Holzmalerei ist ein ebenso herausragendes Phänomen in der russischen Volkskunst wie die Schnitzerei. Die Ursprünge vieler seiner Typen sollten in der alten russischen Kunst gesucht werden. So lässt uns ein Vergleich von Miniaturmanuskripten des 17. Jahrhunderts, die Szenen der Aussaat, des Pflügens, der Heuernte und des Weidens von Vieh darstellen, mit Genrebildern von Permogorsker Spinnrädern nicht nur über die Ähnlichkeit der Themen, sondern auch über das Allgemeine sprechen Prinzipien des Kompositionsaufbaus (Erzählung und Präsenz zeitlich unterschiedlicher Sujets auf dem Miniaturblatt und auf einem Spinnrad), über die koloristische Gemeinsamkeit, über die Ähnlichkeit der Technik selbst. Die Grundlage der Gemälde von Spinnrädern in der Region Permogorje ist ein klarer schwarzer Umriss des Bildes, der auf einen weißen Hintergrund aufgetragen wird. Anschließend wurde die Zeichnung innen mit Farbe übermalt. Diese Maltechnik wird üblicherweise als grafisch bezeichnet. Szenen des Volkslebens: Dorfversammlungen, Reiten, Feste, die die Künstler aus Permogorye gerne darstellten, werden organisch mit ornamentalen Motiven kombiniert. Blumenmuster in einem dichten Teppichmuster bedecken nicht nur Spinnräder, sondern auch Haushaltsgegenstände – Schöpfkellen, Schüsseln, Schüsseln, Brotkästen, Rote Bete, Krüge, Wiegen.

AbrAmtsevsko-Kudrinskaya-Schnitzerei.

Ende des 19. Jahrhunderts entstand in der Region Moskau in der Nähe des Bogorodsker Handwerks ein weiteres Kunsthandwerk - die Holzschnitzerei Abramtsevo-Kudrin.

Die Entstehung des Handwerks ist mit der Gründung einer Tischlerei im Jahr 1884 in Abramtsevo, einem der malerischen Orte in der Region Moskau, verbunden. Zuvor entstand hier der berühmte „Abramtsevo-Kreis“, in dem sich I. E. Repin, V. A. Serov, I. I. Levitan und viele andere herausragende Künstler des letzten Jahrhunderts zusammenschlossen und mehrere Jahre lang fruchtbar arbeiteten.

Das Studio wurde von der Künstlerin E. D. Polenova geleitet. Die in der Werkstatt arbeitenden Künstler zeigten großes Interesse an russischer Volkskunst und antiker russischer Architektur. Von Reisen in den russischen Norden brachten sie Muster von Volksstickereien, mit Schnitzereien und Gemälden verzierte Holzprodukte sowie Tonspielzeug mit. Sie sammelten auch Muster der Volkskunst in den umliegenden Dörfern in der Nähe von Moskau. Sie selbst versuchten, Muster von Möbeln, Geschirr und Utensilien im Charakter der bäuerlichen Volkskunst herzustellen. Basierend auf den Zeichnungen von E. D. Polenova begannen die Schnitzer – Bewohner der umliegenden Dörfer, die in der Werkstatt arbeiteten – mit der Herstellung von Möbeln, Kisten, Regalen, dekorativen Schatullen usw. Bei der Dekoration der Produkte verwendeten sie hauptsächlich die Technik der nördlichen Dreiecksform. Kerb- und Flachreliefschnitzerei. Produkte, die in der Werkstatt hergestellt wurden, erfreuten sich aufgrund des modischen Designs Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts großer Beliebtheit. „Russischer antiker“ Stil. Das Studium der volkstümlichen dekorativen Kunst begann in diesen Jahren gerade erst. Die Anzahl der Denkmäler in den Museumssammlungen war sehr begrenzt und erlaubte es nicht, die Vielseitigkeit der Volkskunst zu spüren und die künstlerischen Muster ihrer Entwicklung zu verstehen. Daher machten die Künstler der Abramtsevo-Werkstatt bei der Erstellung ihrer eigenen Entwürfe Fehler, die für ihre Zeit unvermeidlich waren.

Silhouettenbilder von Pferden, Reitern, Vögeln und spätere Genreszenen wurden mit Tünchestrichen – „Animationen“ – belebt, die Details hervorheben und die Bilder dreidimensional machen. Das Bildprinzip siegt eindeutig über die grafischen Darstellungen der Animationen; die lokalen Farben des Gemäldes sind bei aller Dekorativität und Helligkeit in der Regel subtil aufeinander abgestimmt und gut gewählt, was auf die unbestrittenen koloristischen Fähigkeiten der Meister hinweist.

2.3 Weben

Früher beherrschten fast alle Frauen das Weben, denn ohne diese Fähigkeiten hätte die Familie nicht überleben können. Daher ist es nicht umsonst, dass die Hochzeitszeremonie zwangsläufig die Übergabe von „Geschenken“ an die Verwandten des zukünftigen Ehemanns beinhaltete, und meistens handelte es sich dabei um von der Braut selbst angefertigte Leinwände.

Die Ära der Industrialisierung setzte diesem Handwerk praktisch ein Ende. Heutzutage werden Webtraditionen von zahlreichen Enthusiasten in Handwerkszentren gepflegt. Heutzutage ist das Interesse an der Vergangenheit gestiegen und es ist eine große Nachfrage im Rahmen militärhistorischer Rekonstruktionsgesellschaften zu beobachten. Darüber hinaus weben moderne Handwerkerinnen mit denselben Technologien prächtige Teppiche, für die eine Nachfrage besteht.

Teppichweberei.

Das Weben handgefertigter Teppiche ist eine der am weitesten verbreiteten und interessantesten Formen der dekorativen und angewandten Kunst. Sowohl in der Antike als auch heute waren und sind Teppiche im Alltag weit verbreitet. Teppiche werden verwendet, um den Innenraum zu dekorieren, den inneren architektonischen Raum zu identifizieren und zu organisieren. Neben dem Teppich kommen die ästhetischen Eigenschaften unterschiedlichster Dinge auf besondere Weise zum Vorschein. Ein Teppich kann ihre dekorativen Eigenschaften im Ensemble der Raumdekoration verstärken oder abschwächen.

Der künstlerische Zweck eines Teppichs hängt eng mit seiner Gebrauchsfunktion zusammen. Es wird an die Wand gehängt, ein Teil eines Raumes wird damit umzäunt, der Boden wird abgedeckt und Möbel werden abgedeckt. Der weiche Wollstoff des Teppichs trägt dazu bei, die gewünschte Temperatur im Haus aufrechtzuerhalten: warm im Winter, kühl im Sommer. Es übertönt Fremdgeräusche.

Der Teppich spiegelt, wie jedes Werk der dekorativen und angewandten Kunst, die spirituelle Welt der Person wider, die ihn geschaffen hat. Die ornamentale Struktur des Teppichs, seine Farbgebung und Kompositionsschemata verkörpern die jahrhundertealte Tradition der nationalen Kunstkultur, drücken den Geist der Menschen und ihre Vorstellungen von Schönheit aus.

Die Interpretation grafischer Motive in russischen Bauernteppichen wurde schematisiert, es wurden verschiedene Kombinationen einfachster geometrischer Figuren verwendet. Die Farbgebung dieser Teppiche basierte auf einem Vergleich heller Farbtöne. Zum Färben des Garns wurden pflanzliche Farbstoffe verwendet. Es gab nur wenige Garnfarben: Rot, Blau, Grün, Gelb, Schwarz. Aber mit ihren Kombinationen erzielten russische Handwerkerinnen einen großen künstlerischen Effekt – Klangfülle der Farben, Harmonie in den Zeichnungen.

Die Abschaffung der Leibeigenschaft im Jahr 1861 gab Russland die Möglichkeit, schnell den Weg der kapitalistischen Entwicklung einzuschlagen. Nach der Reform wurden die Teppichbetriebe der Grundbesitzer ihrer Leibeigenen entzogen und die Teppichproduktion in ihnen wurde für ihre Besitzer unrentabel. Aus der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die Teppichweberei erfährt im Inland eine besondere Entwicklung in Form der handwerklichen Herstellung von Teppichen für den Verkauf, insbesondere in den südrussischen und westsibirischen Regionen des Landes. Hier in den Dörfern gab es viele Teppichknüpfmeister, Wolle war günstiger und Teppichprodukte wurden von der örtlichen Bevölkerung verkauft. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts. Nicht nur einzelne Familien, sondern ganze Kreise und Dörfer begannen mit der Teppichherstellung.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Es bildeten sich zwei Hauptbereiche der handwerklichen Teppichproduktion heraus, die in der Sowjetzeit ihre Weiterentwicklung erfuhren und traditionelle Zentren der russischen Teppichkunst sind. Die Provinz Kursk und ihre umliegenden Gebiete wurden zum Zentrum der fusselfreien Teppichweberei. In Westsibirien und im Ural begann sich die Teppichweberei intensiv zu entwickeln.

2.4 Stickerei

Stickerei ist eine der häufigsten Arten der Volkskunst. Die Kunst, mit Nadeln und Fäden Muster auf Stoffen zu erzeugen, ist seit der Antike bekannt. Diese schwierige, aber faszinierende Arbeit begleitete die Russin ihr ganzes Leben lang. Als Mädchen begann sie damit, ihre Mitgift vorzubereiten, und lernte schon früh die Geheimnisse des Handwerks kennen. Für die Hochzeit hatte jedes Mädchen alltägliche und festliche Kleidung, die erforderliche Anzahl an Tischplatten (Tischdecken), Volants und Handtüchern, die im Alltag dienten oder an Feiertagen das Haus schmückten, sowie Dutzende Meter Leinwand. Für die Herstellung von Kleidung für meinen Mann und meine Kinder. Alle in der Mitgift enthaltenen Gegenstände waren hell und dekorativ, wobei Stickereien dabei meist die Hauptrolle spielten. Die festliche Kleidung der Frauen war schon immer die farbenfrohste, besonders bei jungen Frauen, die kürzlich geheiratet haben. Ihre Hemden, Schürzen und Sommerkleider waren voller gewebter, gestickter und gedruckter Muster.

Darüber hinaus bereitete jedes Mädchen besondere bunte Handtücher vor, die sie den Ehrengästen der Hochzeit überreichte. Die Braut hatte bis zu 80 – 100 dieser Geschenkhandtücher für ihre Hochzeit.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Die überwiegende Mehrheit der Bäuerinnen beherrschte die Kunst des Stickens, und in der Stadt gab es viele Handwerkerinnen, die alles nähten und bestickten, was sie für ihre Familien brauchten. Daher blieb diese Art der Volkskunst neben der Goldstickerei lange Zeit im Rahmen des Heimhandwerks. Und erst ab der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die Kunst und das Kunsthandwerk der Stickerei begannen sich zu entwickeln: Kunsthandwerkerinnen begannen, Stickereien zum Verkauf auszuführen, meist für städtische Käufer.

2.5 Künstlerische Keramik

Das Wort „Keramik“ kommt vom griechischen „keramos“ – Ton. Keramik wird in der Elektroindustrie, im Baugewerbe, in der Chemie, Medizin, Architektur und in der Geschirrherstellung eingesetzt. Die Rolle der Keramik bei der Herstellung künstlerischer Produkte ist groß.

Keramikprodukte haben keine Angst vor Feuchtigkeit und atmosphärischen Einflüssen, daher hat die Geschichte Beispiele keramischer Kunst (manchmal in Fragmenten und Fragmenten) bewahrt, von den ältesten magischen Tonfiguren bis hin zu Produkten aus feinstem Porzellan von außergewöhnlichem künstlerischem Wert.

Die ältesten Funde von Keramikgefäßen zeigen uns auch die ersten Versuche, sie zu dekorieren: primitive Verzierungen in Form kleiner vertiefter Löcher, Relief-Wellenstreifen usw.

Kunstkeramik ist ein künstlerisches Produkt aus Ton und anderen mineralischen Massen, zu dessen Bestandteilen Ton gehört und sowohl monumentaler als auch angewandter Natur ist. Zu den monumentalen Keramiken zählen Architekturtafeln, Mosaike, Skulpturen und Gartenkeramik. Keramikgeschirr, Vasen, Blumentöpfe, kleine Plastikgegenstände – Werke der dekorativen und angewandten Kunst.

Derzeit stellt das künstlerische Keramikhandwerk der Russischen Föderation einen ziemlich umfangreichen Zweig der lokalen Industrie mit eigener Spezifität und künstlerischer und stilistischer Ausrichtung dar. In ihnen, wie auch in anderen Handwerksarten, kann man zwischen Unternehmen, die die in der fernen Vergangenheit etablierten künstlerischen Traditionen eines bestimmten Handwerks bewahren und weiterentwickeln, und neu gegründeten Unternehmen mit künstlerischer und stilistischer Ausrichtung, die in der Sowjetzeit gegründet wurden, unterscheiden.

2.6 Walkindustrie

Die ältesten Vorläufer der Filzstiefel wurden von Archäologen im Altai in Schichten des 4. Jahrhunderts v. Chr. entdeckt. Bewohner asiatischer Gebiete trugen gefilzte Katzen, Chuni und Kengas mit oder ohne Stoffoberteil. In Russland erst im 18. Jahrhundert. Handwerker der Provinzen Nischni Nowgorod und Jaroslawl erfanden „Pimas“, „Samovalkas“ und „Walzdraht“. Am Ende des XIX - Anfang. Im 20. Jahrhundert verbreiteten sich Filzschuhe zunehmend und wurden zum wichtigsten Winterschuhwerk der russischen Bauern im europäischen Russland (mit Ausnahme des hohen Nordens und Südostens) und konkurrierten mit Pelzschuhen der russischen Bevölkerung Sibiriens.

Die Handwerker, die Filzstiefel (oder Drahtstäbe) herstellten, wurden Katali oder Katalschtschiki genannt. Die ersten Wheeler-Teams – normalerweise Verwandte – bestanden nicht aus mehr als drei oder vier Personen. Nachdem sie sich in einer geräumigen Hütte niedergelassen hatten, stellten sie Schuhe her, zunächst für die Familie des Besitzers, dann für andere Kunden. Die Arbeit eines Wheelers ist sehr hart und schädlich, weil... Ich musste unter dampfend feuchten Bedingungen arbeiten. Die ersten Filzstiefel wurden in zwei Schritten hergestellt: Zuerst wurden niedrige Filzstiefel hergestellt und dann wurden die Oberteile daran angenäht. Bald gingen sie dazu über, Filzstiefel ganzheitlich am Block herzustellen.

Filzstiefel kamen angeblich vor etwa 200 Jahren aus der Provinz Rjasan in die Region Jelez. Die Komplexität der Produktion (Spezifität der Rohstoffe, Fertigungskompetenzen, Verfügbarkeit von Werkzeugen, Räumlichkeiten usw.) begrenzte die Anzahl der am Filzhandwerk beteiligten Personen. Da es sich um eine Handwerksindustrie handelte, verfügte die Walkindustrie von Yelets nicht über eine dauerhafte Produktionsbasis. Am Ende des 19. Jahrhunderts. In der Stadt Yelets gab es etwa sechs relativ große Wollfilzwerkstätten. Nach der Oktoberrevolution 1917 wurden solche Einrichtungen in Artels umgewandelt.

Derzeit ist die Yelets Boot Felting Factory LLC in Yelets tätig und produziert pro Saison zwei- bis fünftausend Paar Filzstiefel. Die Qualität der Yelets-Stiefel ist auf dem Markt immer bekannter und hochgeschätzt. Einige Exemplare sind mit Stickereien, Borten und Perlen verziert. Yelets-Handwerker stellen auch Miniatur-Souvenir-Filzstiefel her.

2.7 Künstlerische Malerei

Rus ist seit der Antike für sein Porzellan und die Kunst der künstlerischen Malerei bekannt. Es gibt sogar verschiedene Schulen und Richtungen dieser Volkshandwerke:

Gzhel ist der Name von Porzellan mit eleganter blauer Malerei auf weißem Grund. Dieser Name leitet sich vom Namen der Gegend in der Nähe von Moskau ab. Töpferwaren gibt es hier seit Beginn des 14. Jahrhunderts. Gzhel-Keramik ist auf der ganzen Welt bekannt und beliebt.

Das Zhostovo-Gemälde (nach dem Namen eines Dorfes in der Nähe von Moskau) ist ein dekoratives Ölgemälde auf Metalltabletts, das dann mit Lack überzogen wird: Blumen und Früchte, in leuchtenden Farben auf schwarzem Hintergrund gemalt.

Palekh-Miniatur (nach dem Namen des regionalen Zentrums in der Region Iwanowo) ist die Bezeichnung für die Malerei auf Pappmaché-Lackwaren. Kisten und Schatullen mit alltäglichen folkloristischen, literarischen, historischen und religiösen Themen, hergestellt in leuchtenden Farben auf schwarzem Hintergrund. Die Kunst der Palekh-Lackminiaturen reicht bis ins 15. Jahrhundert zurück. Zunächst malten Künstler Ikonen. Die alte Maltechnik wird von Generation zu Generation weitergegeben.

Khokhloma ist handbemaltes Holz. Diese Fischerei ist mehr als 300 Jahre alt. Tassen, Salzstreuer, Stühle und Regale sind mit seltsamen feurig-scharlachroten Blumen bemalt. Das Geheimnis dieser Produkte besteht darin, dass sie zwei- bis dreimal lackiert und anschließend im Ofen ausgehärtet werden. Dadurch verfärbt sich der Lack gelb und die bemalten Holzbecher wirken wie kostbares vergoldetes Geschirr.

Lubok – Russische Volksbilder, die durch Drucken eines Holzblocks auf Papier entstanden sind. Sie wurden bereits im 17. Jahrhundert auf Messen verkauft und galten bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts als die beliebteste Form der bildenden Kunst in Russland. Das Thema der Volksbilder ist sehr vielfältig: Es umfasst religiöse und moralisierende Themen, Volksepen und Märchen, historische und medizinische, unbedingt begleitet von erbaulichen oder humorvollen Texten, die über die Moral und das Leben der damaligen Zeit berichten und Volksweisheit und Humor enthalten .

2.8 Spielzeugindustrie

Neben dem Töpferhandwerk, in dem Handwerker mit der Herstellung von Geschirr beschäftigt waren, entstanden in vielen Teilen Russlands Zentren, die sich auf Tonspielzeug spezialisierten. Zu diesen Fischereien gehört Dymkovo. Der Name des Handwerks stammt von der Siedlung Dymkovo, die in einem Vorort von Wjatka (heute Kirow) liegt, wo die örtliche Bevölkerung seit langem Spielzeug aus Ton formt.

Die Spielzeuge wurden von Bewohnern der Siedlung Dymkovo aus lokalem rotem Ton geformt, getrocknet, in russischen Öfen gebrannt und dann mit auf einem Ei verdünnten Farben auf einem beschichteten Hintergrund bemalt, manchmal mit Blattgold, um die Details zu veredeln.

Den frühesten Ursprung haben Tierspielzeuge und Pfeifen. Ein- und zweiköpfige Pferde, Hähne und Enten – das ist das zunächst begrenzte Sortiment an Dymkovo-Spielzeugen. Es erscheinen Figuren von Hirschen, Bären, Widdern, Kühen, Ziegen usw. Frühes Spielzeug zeichnet sich durch verallgemeinerte, sogar etwas archaische Formen aus. Das Verlangen nach alltäglichem Geschichtenerzählen, das Handwerkerinnen zunehmend anstrebten, brachte märchenhafte Handlungsstränge hervor: ein Bär – ein Kindermädchen, das ein Kind schaukelt; Der Bär ist ein Musiker, der Balalaika spielt.

Einen bedeutenden Platz im Dymkovo-Spielzeug nimmt eine Gruppe von Puppen ein, die sogenannten Damen und Krankenschwestern. Das Hauptvolumen solcher Figuren war ungeteilt geformt – ein Glockenrock, bewegungslose Frontalposen. Frisur, Kopfschmuck und Details der Toilette (sorgfältig geformte Perlen, Bänder) werden etwas detaillierter vermittelt.

Die Weiterentwicklung des Dymkovo-Spielzeugs zielte auf eine Stärkung des Bildprinzips ab. Aus den Figuren wurden Genreszenen gemacht. Damen und Herren gehen zu zweit, Kindermädchen gehen mit Kindern, ein Jäger mit Hund kehrt mit Beute zurück usw. In einzelnen Gruppenszenen werden die Figuren von Menschen und Tieren mit spezifischeren Merkmalen versehen. Allerdings behalten viele Skulpturen immer noch frontale Posen bei und die Figuren stehen in keinem kompositorischen Zusammenhang zueinander. Unter den Genrespielzeugen gibt es komplexe Szenen mit mehreren Figuren. In ihnen steckt ein Gefühl von Bewegung und der umgebenden Landschaft, obwohl sie sehr konventionell und naiv vermittelt werden. Dabei handelt es sich um Szenen, die ein Date zwischen einer Dame und einem Herrn, Tanzen, Teetrinken, Spazierengehen, Reiten aus den Bergen, eine Gesellschaft von Urlaubern und Musikern in einem Boot darstellen. Neben städtischen Szenen tauchen auch Episoden aus dem bäuerlichen Leben auf: das Melken einer Kuh; Schweinefarm, der Ferkel füttert; Mädchen hütet Gänse. Hier ist der Wunsch der Handwerkerinnen spürbar, die Figuren durch eine gemeinsame Aktion zu vereinen, sie perspektivisch und in Bewegung zu zeigen, die Figuren haben Beinsäulen, aus Stabilitätsgründen sind sie auf runden Ständern platziert, diese Technik ist eindeutig der Porzellanskulptur entlehnt .

Die für Dymkovo-Spielzeuge charakteristische Festlichkeit und Eleganz wird hauptsächlich durch die Bemalung erreicht. Es ist die Bemalung, die maßgeblich die Originalität und Individualität des Dymkovo-Spielzeugs bestimmt. Wir können sagen, dass Farbe die Form modelliert und bereichert.

Der dekorative Charakter des Spielzeugs wird durch den weißen Hintergrund betont, der durch Tünchen der Spielzeuge mit in Milch verdünnter Kreide erhalten wurde.

Die Grundlage der Dymkovo-Malerei ist ein einfaches geometrisches Muster, das aus Kreisen, Ovalen, geraden, wellenförmigen und Zickzacklinien besteht. Diese geometrischen Elemente, die sich berühren oder aufeinander zubewegen, ergeben ein mehrfarbiges Ornamentmuster. Das Spektrum der Malerei ist hell und offen. Es basiert auf dem Kontrast der Farben: Blau und Gelb, Purpur und Grün, Schwarz und Weiß, Blau, Rosa, Braun und andere Farben werden ebenfalls verwendet.

Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts. Dymkovo wurde nach und nach durch billige Gipsskulpturen ersetzt.

Echte Anerkennung und Weltruhm erlangte die Dymkovo-Fischerei bereits zu Sowjetzeiten.

Einen großen Beitrag zur Wiederbelebung des Handwerks leistet der Künstler A.I. Denshin. In den 20er und 30er Jahren führte er ernsthafte Forschungsarbeiten zur Erforschung der Kunst der Spielzeugmacher aus Dymkowo durch und verfasste eine Reihe von Werken, die sich mit der Geschichte und den künstlerischen Besonderheiten traditioneller Handwerke befassten. A. I. Denshin war viele Jahre lang künstlerischer Leiter der Dymkovo-Werkstatt. Er widmete viel Mühe und Arbeit der Popularisierung der Kunst der Dymkovo-Handwerkerinnen, indem er Ausstellungen organisierte, in der Presse auftrat und Museumssammlungen von Spielzeugen der besten Handwerkerinnen sammelte – A. A. Mezrina, E. A. Koshkina, E. I. Penkina, O. I. Konovalova, E. I. Koss-Denshina und andere.

Sie ging immer sehr sorgsam mit dem traditionellen Spielzeug um, kannte es gut und arbeitete an seiner Verbesserung. Der Künstler tendierte mehr zur subtilen, harmonischen Malerei.

Heute ist das Dymkovo-Spielzeug nicht mehr nur ein Kinderspaß. Es handelt sich um eine hervorragende dekorative Skulptur, die problemlos in die Inneneinrichtung eines modernen Hauses passt. Es erfreut uns mit Eleganz und DEKORATION, Ausdruckskraft und Originalität und ist ein Teil der lebendigen Volkskunst.

Im Dorf hat sich ein weiteres traditionelles Zentrum für die Herstellung von Tonspielzeug entwickelt. Filimonovo, Bezirk Odoevsky, Region Tula.

In diesem alten Töpfergebiet wird seit Mitte des 19. Jahrhunderts Tonspielzeug hergestellt. Sie formten Spielzeuge aus einem ganzen Stück Ton, im Gegensatz zu Dymkovo-Spielzeugen, die in Teilen hergestellt wurden. Zunächst fertigte die Handwerkerin aus einem Stück Ton ein Seil und „zog“ daraus die vorgesehene Form. Wenn es eine Dame oder ein Kindermädchen formen sollte, verwandelte sich das Tourniquet in einen Kegelrock, dann ging es in den Rumpf, die Arme, das Gesicht und endete mit einem Kopfschmuck, meist in Form eines kleinen flachen Hutes. Wenn eine Soldatenfigur konzipiert wurde, nahmen sie zwei Tourniquets mit; Daraus wurden Beine geformt, dann die gesamte Figur und schließlich ein hoher, ebenfalls leicht abgeflachter Kopfschmuck. Solche zerknitterten Kopfbedeckungen sind eines der Merkmale von Filimonov-Spielzeugen.

Die fertigen Spielzeuge wurden in einem beheizten Ofen getrocknet. Sie malten mit billigen Anilinfarben, verdünnt auf Eiern.

Filimonov-Spielzeuge zeichnen sich durch längliche Proportionen aus, was durch die Eigenschaft des lokalen Tons erklärt werden kann, beim Trocknen schnell zu schrumpfen und Risse zu bilden. Durch zusätzliches Glätten erhielten die Spielzeuge längliche Formen.

Das Thema von Filimonovs Spielzeugen geht nicht über die Handlung gewöhnlicher Tonfiguren und Pfeifen hinaus, die an verschiedenen Orten in Russland hergestellt wurden. Dies sind Kindermädchen, Soldaten, Reiter, verschiedene Tiere und Vögel: Pferde, Hirsche, Widder, Bären, Hähne usw.

Fast alle Spielzeuge waren auch Pfeifen. Geräte zur Herstellung von Pfeifen wurden in den Rumpf von Tieren und Vögeln gelegt oder unter die Achselhöhlen menschlicher Figuren in Form kleiner Vögel – Hühner, Enten – eingesetzt.

Filimonovs Spielzeuge sind in ihren Formen stark verallgemeinert; die Handwerkerinnen modellierten nie Gesichter oder Hände von Menschen; sie modellierten auch Tierfiguren auf die gleiche verallgemeinerte Weise.

Das Bemerkenswerteste an Filimonov-Spielzeugen ist die Bemalung – hell, elegant, hauptsächlich in zwei Farben; Es wurde mit einem Pinsel in schmalen Querstreifen entlang des gesamten Körpers der Figuren gemalt.

Das älteste russische Volkskunsthandwerk ist Bogorodskaja Holzschnitzen.

Die Entstehung der Kunst der Bogorodsker Schnitzer geht auf das 16.-17. Jahrhundert zurück, als sich unter dem Einfluss von Handwerkern aus der Dreifaltigkeits-Sergius-Lavra verschiedene Handwerke zu entwickeln begannen, darunter auch die Herstellung von Spielzeug. Zur Belustigung von Zarewitsch Alexej, dem Sohn von Peter I., wurden hier die Spielzeuge „Schmiede“, „Kollidierende Ziegen“, „Habemesser auf einem Rad“ usw. gekauft.

Die Blütezeit des Spielzeughandwerks in den Dörfern in der Nähe von Sergiev Posad (heute Stadt Zagorsk) reicht bis zum Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts zurück. Aufgrund der Tatsache, dass Holzspielzeug nicht gepflegt wurde und erst relativ spät mit dem Sammeln begonnen wurde, sind uns jedoch nur wenige Exemplare aus dem späten 18. bis frühen 19. Jahrhundert überliefert. In den Museumssammlungen finden sich elegante Husarenpuppen mit über die Schultern geworfenem Mantel, in Tschakos und Uniformen, Damenpuppen mit Milben auf den Hüten und Regenschirmen in der Hand. Ausdrucksstark sind die Bilder von Bauern, die verschiedene Arbeiten verrichten, von Landmusikanten und von Tierskulpturen. Sie alle sind ausdrucksstark in ihrer Plastizität und voller Humor.

Scharfe Beobachtungsgabe zeichnet sich auch durch die bunten Figuren der sogenannten „chinesischen Kleinigkeit“ aus, die Mönche, Damen, Dandys, Soldaten, Kuchenverkäufer und Dienstmädchen darstellen.

Die Produkte der Bogorodsker Schnitzer zeichnen sich seit jeher durch die Präzision ihrer figurativen Merkmale und die Perfektion ihrer Handwerkskunst aus.

Die Herstellung einer Spielzeugskulptur aus Bogorodsk beginnt damit, dass ein Teil eines Linden- oder Espenstamms mit einer Axt in dreieckige Blöcke gespalten wird. Form und Größe des Keils werden durch die Zusammensetzung der Skulptur bestimmt, die der Meister schnitzen wollte. Die Hauptkonturen der zukünftigen Skulptur oder des Spielzeugs werden mit einer Axt „gehackt“ und ihre Bewegung wird skizziert. Anschließend wird mit einem Meißelsatz der Überschuss entfernt und die Form ausgearbeitet. Das plastische Erscheinungsbild des Produkts wird durch ein scharfes und gerades „Bogorodsky“-Messer vervollständigt, das die Schnitzer meisterhaft führen. Die Bewegungen der Handwerker, die Spielzeuge und Skulpturen aus Holz herstellen, sind überprüft, es gibt nichts Überflüssiges oder Zufälliges an ihnen. Das Messer berührt schnell und rhythmisch weiches Holz und vollendet so die skulpturale Modellierung der Form. Die Ausdruckskraft der Bogorodskaya-Skulptur hängt eng mit diesen raffinierten, rhythmischen Bewegungen der Hand des Meisters zusammen.

Die Technik des schnellen, schwungvollen Schnitzens erfordert eine besondere Herangehensweise an die Bildinterpretation, deren Ausdruckskraft maßgeblich von der Auswahl der wichtigsten, charakteristischen Details durch den Meister abhängt. Die Kompositionen der besten Bogorodsk-Skulpturen bewahren das Gefühl der Masse eines Stücks Holz.

Handwerker zeigen ihre Liebe für Holz als Material mit hohem künstlerischen Wert dadurch, dass sie die meisten ihrer Produkte nicht streichen oder beizen und so den hellen Farbton des Holzes beibehalten.

Ein klassisches Beispiel der traditionellen Bogorodsker Schnitzerei sind die berühmten „Schmiede“, die zu einer Art Symbol des Bogorodsker Handwerks geworden sind und die plastischen Möglichkeiten der Bogorodsker Holzschnitzerei deutlich machen. Dieses Spielzeug fällt nicht nur durch seine unterhaltsame Handlung und Bewegung der Figuren auf , warmer Humor, typische Charaktere, Lakonismus ausdrucksstarker Plastizität, die auf dem traditionellen Können von mehr als einer Generation von Bogorodsker Schnitzern basiert. Das Hauptthema in der Arbeit der Bogorodsker Schnitzer war lange Zeit das bäuerliche Leben. „Troika“, „Sägewerke“, „Bauer spielt Pfeife“, „Bauer auf der Jagd“ usw. - die häufigsten Geschichten.

2.9 Künstlerische Bearbeitung von Knochen

Die künstlerische Verarbeitung von Knochen hat uralte Traditionen. Die von sowjetischen Wissenschaftlern durchgeführten archäologischen Forschungen ermöglichten die Entdeckung einer Reihe interessanter Denkmäler der künstlerischen Knochenverarbeitung, die vor vielen Jahrhunderten entstanden sind.

Die Härte des Knochens ermöglichte es Handwerkern, durchbrochene Schnitzereien zu verwenden; Seine Plastizität ermöglichte eine weiche Modellierung von Reliefs und skulpturalen Formen. Der Glanz der polierten Oberfläche des Materials und seine dezenten Farbnuancen verliehen den geschaffenen Dingen eine besondere Schönheit.

Zur Herstellung künstlerischer Produkte wurden verschiedene Knochenarten verwendet: Elefantenstoßzähne, Mammutstoßzähne, Walrossstoßzähne. Elefantenstoßzähne, besonders wertvolle, wurden aus dem Osten importiert; Mammutstoßzähne wurden im Permafrost von Sibirien, Jakutien und Tschukotka gefunden; Walrosse wurden in den nördlichen Meeren geschlagen. Diese wertvollen Knochenarten ähneln in ihrer Struktur, unterscheiden sich jedoch in Farbnuancen, Glanz und Textur. Mammutelfenbein hat einen warmen Gelbton und eine Textur in Form eines Miniaturnetzes. Walross-Elfenbein hat eine hellere und kühlere Farbe; im Gegensatz zu Mammut-Elfenbein hat es ein zelliges Inneres, was die Möglichkeiten zur Herstellung künstlerischer Produkte etwas einschränkt.

Neben diesen wertvollen Knochenarten werden seit langem auch einfache Tierknochen (Tarsus) verwendet. Es hat nicht so hervorragende Eigenschaften wie Mammutstoßzähne und Walrossstoßzähne. Die röhrenförmige Form, die ungleichmäßige weiße Farbe und die matte Oberfläche – all dies schränkte die Möglichkeiten der Schaffung künstlerischer Produkte ein. Volkshandwerker fanden jedoch eine Vielzahl interessanter künstlerischer Techniken, um es zu dekorieren.

Es wurde auch Tierhorn verwendet, das Eigenschaften wie verschiedene Farbnuancen, Lichtdurchlässigkeit, Weichheit und Plastizität aufwies. Schnupftabakdosen, Kämme und Haarnadeln wurden aus Horn hergestellt. Die Völker des Nordens verwendeten Hirschgeweihe zur Herstellung von Messergriffen, Pulverflaschen sowie Teilen von Hirsch- und Hundegeschirren.

Die Technik der Knochenverarbeitung ist vielfältig und umfasst Drehen und Setzen, volumetrisches Arbeiten, durchbrochenes Arbeiten, Reliefschnitzen, Gravieren (sowohl farbig als auch farblos), Einlegen mit farbigen Knochen- und Holzstücken sowie das Bemalen einfacher Tierknochen in verschiedenen Tönen (hauptsächlich grün). , braun ). Knochen passt gut zu anderen Materialien – Holz, Metall.

Bei der modernen Knochenbearbeitung wird vor allem bei Hilfsoperationen ein Bohrer eingesetzt. Der Rest der Arbeit wird von Hand mit speziellen Metallwerkzeugen ausgeführt, was bestimmte Fähigkeiten erfordert, die in speziellen Kunstinstitutionen erworben werden.

...

Geheimnisse russischer Malmuster

Waren Gzhel-Gerichte schon immer blau und weiß, welche traditionelle Malerei entstand nach der Oktoberrevolution und warum leuchten bemalte Kisten? Wir verstehen die Geheimnisse des Volkskunsthandwerks.

Goldene Schalen. Khokhloma-Gemälde

Der Meister begann mit der Arbeit, indem er den Baclush schlug – er bereitete Holzklötze (Balushi) aus Linde, Espe oder Birke vor. Daraus wurden Holzlöffel und -kellen, Tassen und Salzstreuer hergestellt. Geschirr, das noch nicht mit Bemalung verziert war, wurde Leinen genannt. Das Leinen wurde mehrmals grundiert und getrocknet und anschließend in Gelb-, Rot- und Schwarztönen bemalt. Beliebte Motive waren florale Muster, Blumen, Beeren und Spitzenzweige. Waldvögel auf Khokhloma-Gerichten erinnerten die Bauern an den Feuervogel aus russischen Märchen; sie sagten: „Der Feuervogel flog am Haus vorbei und berührte die Schale mit seinen Flügeln, und die Schale wurde golden.“.

Nach dem Aufbringen des Motivs wurde das Produkt zwei- bis dreimal mit Trockenöl bestrichen, Zinn- oder Aluminiumpulver in die Oberfläche eingerieben und im Ofen getrocknet. Nach dem Aushärten durch Hitze bekamen sie einen honigfarbenen Farbton und glänzten wirklich wie Gold.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts begann man, Gerichte zur Makarjewskaja-Messe zu bringen, wo sich Verkäufer und Käufer aus ganz Russland versammelten. Es stellte sich heraus, dass Khokhloma-Produkte im ganzen Land bekannt waren. Seit dem 19. Jahrhundert, als Gäste aus ganz Europa und Asien zur Messe in Nischni Nowgorod kamen, tauchten in vielen Teilen der Welt bemalte Gerichte auf. Russische Händler verkauften Produkte in Indien und der Türkei.

Schneehintergrund und blaue Muster. Gschel

Schneehintergrund und blaue Muster. Gschel. Foto: rusnardom.ru

Schneehintergrund und blaue Muster. Gschel. Foto: gzhel-spb.ru

Schneehintergrund und blaue Muster. Gschel. Foto: Sergey Lavrentiev / Lori Photobank

Gzhel-Ton ist seit der Zeit von Ivan Kalita bekannt – seit dem 14. Jahrhundert. Lokale Handwerker stellten daraus „Gefäße für den Apothekerbedarf“, Geschirr und Kinderspielzeug her. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts entstanden im Gzhel volost Fabriken, die Porzellan herstellten. Das erste Unternehmen wurde hier 1810 vom Kaufmann Pavel Kulichkov gegründet. Zunächst war die Malerei auf Porzellangeschirr farbig, doch Mitte des 19. Jahrhunderts kam die Mode für blau-weiße niederländische Fliesen und chinesisches Porzellan in den gleichen Farbtönen nach Russland. Bald wurden blaue Muster auf schneebedecktem Hintergrund zu einem charakteristischen Merkmal der Gzhel-Malerei.

Um die Qualität des Porzellans zu überprüfen, wurde das Produkt vor dem Bemalen in Magenta, einen roten Anilinfarbstoff, getaucht. Das Porzellan war gleichmäßig rosa gestrichen und hatte Risse. Die Meister bemalten mit Kobaltfarbe – vor dem Brennen sieht es schwarz aus. Mit speziellen Techniken, nur mit Pinsel und Farbe, schufen die Künstler mehr als 20 Blautöne.

Gzhel-Themen sind üppige Rosen (sie wurden hier „Agashkas“ genannt), Winterlandschaften und Szenen aus Volksmärchen. Kinder fahren Schlitten, Emelya fängt Hechte im Teich, Dorfbewohner feiern Maslenitsa... Nach dem Aufbringen des Motivs wurde das Geschirr mit Glasur bedeckt und gebrannt. Rosafarbene Produkte mit schwarzen Mustern erhielten ihr traditionelles Aussehen.

Leuchtende Broschen und Schachteln. Fedoskino-Lackminiatur

„Als wir das Artel organisierten, hatten wir für sieben Personen nur ein einziges gesammeltes Werk von Puschkin ... Dies erklärt größtenteils die Tatsache, dass wir die meisten unserer Miniaturen auf der Grundlage von Puschkins Themen geschrieben haben.“
Alexander Kotukhin, Miniaturist

Im Jahr 1932 trafen sich Palech-Künstler mit Maxim Gorki, der Palech Lackminiatur nannte „eines der Wunder der Oktoberrevolution“. Auf seinen Wunsch hin malte Ivan Golikov Miniaturen für die Deluxe-Ausgabe von „The Tale of Igor’s Campaign“.

Olga Yazykova
Volkshandwerk Russlands

THEMA: VOLKSHANDWERK RUSSLANDS

Ziel: Bildung von Vorstellungen über Diversität Volkshandwerk Russlands.

Aufgaben:

1. Stellen Sie die Entstehungsgeschichte und Merkmale einiger vor Volkshandwerk(Gzhel, Khokhloma, Dymkovo-Spielzeug, Gorodets-Gemälde, Zhostovo-Gemälde)

2. Entwickeln Sie fantasievolles Denken.

3. Kultivieren Sie den ästhetischen Geschmack.

Ausrüstung: Diashow « Volkshandwerk» , Bilder, die verschiedene darstellen Geschäfte, Karten mit Namen Geschäfte.

Fortschritt der Lektion:

I. Einführungsgespräch

Leute, seht euch die Artikel an, die ich für euch vorbereitet habe. (Tisch mit Khokhloma-Gemälde, Holzlöffel usw.)

-Russland Seit jeher ist es für seine Handwerker bekannt, Menschen, die in der Lage sind, mit ihren eigenen Händen wahre Schönheit zu schaffen und zu erschaffen. Durch Kunst Volkshandwerk Der Zusammenhang zwischen Vergangenheit und Gegenwart wird nachgezeichnet.

Volkshandwerk Russlands vertreten durch Vielfalt Richtungen: Porzellanherstellung, dekorative Malerei, Herstellung von Tonspielzeug, Stricken von Schals. IN Russisch Kunstwerke Die Seele der Menschen lebt im Handwerk.

In vielen Familien finden Sie hergestelltes Geschirr, Möbel, Schals und Nistpuppen Volkskünstler. Russische Produkte Volkshandwerk sind in den größten Museen der Welt zu sehen. Erfahrene Handwerker – Schmiede, Töpfer, Künstler, Weber, Schnitzer – haben mit ihrer Arbeit Kleinstädte und Dörfer auf der ganzen Welt berühmt gemacht, in denen sie einzigartig sind Kunsthandwerk. Funktioniert Russisch Meister haben längst Weltruhm erlangt. Gäste, die in unser Land kommen, nehmen Produkte als Souvenirs mit. Volkshandwerker.

Heute wird unsere Lektion dem Kennenlernen gewidmet sein Volkshandwerk Russlands.

Auf der Tafel sehen Sie Bilder mit dem Bild Volkshandwerk. Viele davon sind Ihnen bekannt, vielleicht wissen Sie sogar, wie einige von ihnen heißen. Beachten Sie, wie sie sich unterscheiden (Material, Farbe, Ornament).

Versuchen wir es herauszufinden.

II. Hauptteil

Sehen Sie sich die Präsentation an « Volkshandwerk Russlands»

1) Dymkovo-Spielzeug

Dymkovo-Spielzeug – Russisch Volkshandwerk, die ihren Ursprung in der Siedlung Dymkovo in der Nähe der Stadt Wjatka hat. Dymkovo-Spielzeuge werden aus Ton hergestellt. Dies sind hauptsächlich Damen, Possenreißer, elegante Truthähne und Hähne. Beim Malen verwenden Handwerker leuchtende Farben und einfache geometrische Formen als Muster.

2) Gorodets-Gemälde

Gorodets-Gemälde – Russisch Volkshandwerk, das im Gebiet der Stadt Gorodets entstand. Gorodets Gemälde verwendet oft das Bild eines Pferdes, das ein Symbol für Reichtum ist, und das Bild eines Vogels, ein Symbol für Glück.

3) Gzhel-Malerei

Gzhel – alt Volkshandwerk. Die ersten Gzhel-Meister brannten Keramikgeschirr in Öfen und nannten es „zhgel“ oder „Gschel“. Das Geschirr war mit weißer Emaille überzogen und in Blautönen bemalt. Später begannen sie, Porzellanprodukte mit Kobaltblau zu bemalen.

4) Chochloma

Khokhloma - alt Volkshandwerk, das seinen Ursprung im Bezirk Nischni Nowgorod hat. Khokhloma ist ein dekoratives Gemälde aus Holzutensilien und -möbeln in Schwarz und Rot auf goldenem Hintergrund. Die Khokhloma-Malerei zeichnet sich durch Blumen aus Ornament: Blumen, Blätter und Beeren.

5) Schostowo-Gemälde

Zhostovo-Gemälde – Volkskunsthandwerk, das seinen Ursprung im Dorf Zhostovo in der Region Moskau hat. Zhostovo-Handwerker bemalten Metalltabletts in verschiedenen Formen. Sie malen auf schwarzem Hintergrund und verwenden als Hauptmotiv einen Strauß Garten- und Wildblumen.

III. – Schauen wir uns nun noch einmal die auf der Tafel präsentierten Bilder an. Welche Auf ihnen sind Volkshandwerke dargestellt? (Kinder rufen Volkshandwerk, der Lehrer hängt Karten mit dem Namen auf). Was ist charakteristisch für jede Art von Malerei? (Zu jeder Art von Malerei wird ein Gedicht vorgelesen).

Auf Wjatka gibt es eine Siedlung

Es heißt Dymkovo.

Dort auf der Messe im Frühjahr

Spielzeug wartet auf dich und mich.

Damen und Herren

Ferkel, Truthähne.

Alle sind bunt gekleidet

Bunt dekoriert.

Liebt sie sowohl alt als auch jung.

Gorodets-Gemälde – wie konnten wir es nicht wissen?

Hier gibt es heiße Pferde, gut gemacht.

Es gibt hier solche Blumensträuße, die man nicht beschreiben kann.

Die Geschichten hier sind wie nichts in einem Märchen.

Es ist schwer zu glauben: Wirklich

Nur zwei Farben? Wunder.

So arbeiten Künstler aus Gzhel

Der Himmel bringt Schnee darauf!

Chochloma, Chochloma!

Alle hat die Leute verrückt gemacht!

Helle, strahlende, goldene Muster!

Geschnitzte Löffel und Schöpfkellen

Werfen Sie einen Blick darauf, beeilen Sie sich nicht.

Dort gibt es Gras und Blumen

Sie wachsen von überirdischer Schönheit.

Sie leuchten wie Gold

Oder vielleicht sonnendurchflutet.

Rot-scharlachrote Knospen

Sie ertrinken im Smaragdgrün der Blätter.

Vergissmeinnicht und Pfingstrosen

Der Pool ist von Rosen umrahmt.

Auf einem Schostowo-Tablett

Und ein Blumenstrauß, der in der Nacht brennt,

Der Hitzevogel, der die Neuigkeiten bringt.

Es gibt ein Tablett mit Früchten.

Fizminutka „Wir sind lustige Nistpuppen“

IV. Kreative Arbeit

Und jetzt lade ich Sie ein, die Rolle zu spielen Handwerker. Ich gebe jedem von euch ein Malbild mit einer bestimmten Art von Malerei, und ihr erledigt die Arbeit.

Bevor Sie jedoch mit der Arbeit beginnen, empfehle ich Ihnen, sich ein Video darüber anzusehen, um die erworbenen Kenntnisse noch einmal zu festigen Volkshandwerk Russlands.

Schau das Video.

Lasst uns Seite an Seite sitzen, lasst uns friedlich sitzen.

Die Rücken sind glatt, gerade,

Wir sind mutige Jungs.

Und ich werde mit Ihnen zusammenarbeiten.

Ich mache die Musik an Volk,

Sie hilft bei der Arbeit

Und es hebt die Stimmung.

V. Zusammenfassung:

Worüber haben wir heute im Unterricht gesprochen? Mit welchem lernte das Volkshandwerk kennen?

Und ich möchte unser Gespräch beenden Sprichwort:

„Es ist nicht Gold, das teuer ist und glänzt,

UND ES IST TEUER, WAS VON MEISTERHÄNDEN GESCHAFFEN WIRD.“

Wie verstehen Sie die Bedeutung des Sprichworts? Heute haben Sie auch die Rolle der Meister gespielt. Ist es leicht oder schwer?

Schauen Sie, was für eine wundervolle Arbeit Sie geleistet haben!

Ausstellung von Kinderwerken.

Welche Arten von Kunsthandwerk gibt es? Russisches Volkshandwerk. Holzprodukte

Chochloma

Gschel

Obvinskaya-Gemälde

Guslitskaya-Gemälde

Rakul-Gemälde

Onega-Gemälde

Lipezk-Gemälde

Pizhemskaya-Gemälde

Petersburger Malerei

Dymkovo-Spielzeug

Gorodets-Gemälde

russische Puppe

Khokhloma-Gemälde

Gzhel-Keramik

Skopino-Keramik

Filimonovskaya-Spielzeug

Das Senden Ihrer guten Arbeit an die Wissensdatenbank ist ganz einfach. Nutzen Sie das untenstehende Formular

Einführung

1. Volkshandwerk und Kunsthandwerk

2. Arten von Kunsthandwerk

2.1 Künstlerische Metallverarbeitung

2.2 Holzprodukte

2.3 Weben

2.4 Stickerei

2.5 Künstlerische Keramik

2.6 Walkindustrie

2.7 Künstlerische Malerei

2.8 Spielzeugindustrie

2.9 Künstlerische Bearbeitung von Knochen

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