Ein Meisterwerk ist ein Werk, das die Zeit überdauert hat. Was macht ein Kunstwerk zu einem Meisterwerk? Gibt es kleine Meisterwerke?

Oder Handwerkskunst, die mit der Zeit nicht an künstlerischem Wert und Bedeutung verliert. Das Meisterwerk ist einzigartig und einzigartig.

Im Mittelalter war ein Meisterwerk ein Produkt, das von Lehrlingen hergestellt wurde, die davon träumten, künftig Meister genannt zu werden.

Durch welche Kanons werden Meisterwerke der Kunst bestimmt?

Bei der Definition eines Meisterwerks ist es sehr schwierig, sich der subjektiven Haltung gegenüber dem Kunstgegenstand zu entziehen.

Der bekannte Ausdruck „Über Geschmack lässt sich nicht streiten“ gibt somit der Wahrnehmung jedes Einzelnen Raum. Aber wenn wir das Wort „Meisterwerk“ aussprechen, setzen wir ein Zeichen höchster Qualität und fordern eindeutige Bewunderung. Bedeutet das, dass ein Meisterwerk etwas ist, das außerhalb der üblichen Kriterien des künstlerischen Wertes eines Kunstwerks liegt?

Kein einziger Autor hat eine absolut genaue und unbestreitbare Definition eines Meisterwerks. Wie kann man verstehen, dass dieses Werk einzigartig, ewig und unübertroffen ist?

Anzeichen eines Meisterwerks

Offensichtlich ist ein Meisterwerk ein Kunstwerk, das in einer einfachen (oder ganz einfachen) und für die meisten verständlichen Ausführungsform Anzeichen von Frische und Neuheit aufweist, gepaart mit tiefem Geschmack. Ein Meisterwerk wird in der Regel dadurch definiert, dass eine Vielzahl von Menschen dieses Werk ohne besondere Beweise oder Begründung so bezeichnen.

Die Hauptsache ist, dass ein Meisterwerk immer den Test der Zeit besteht und beim Bewunderer den gleichen Eindruck hinterlässt wie vor vielen Jahrhunderten.

Gibt es kleine Meisterwerke?

In jedem Land gibt es talentierte Autoren, die wie von selbst Meisterwerke schaffen. Dazu gehört in Russland beispielsweise der Komponist Mikael Tariverdiev. Gleichzeitig ist seine Musik jedoch nur in den GUS-Staaten bekannt und wird angemessen geschätzt, und die im Ausland aufgeführten Werke sind dort keine Meisterwerke.

Bedeutet dies, dass bei der Anerkennung eines Werks als Meisterwerk eine Anpassung an die Mentalität, die kulturellen Traditionen und das Erbe des Landes, in dem es geschaffen wurde, erforderlich ist? Kann es ein lokales, kleines Meisterwerk geben? Dies ist ein sehr kontroverses und bisher ungelöstes Thema. Schließlich sind auch russische Volksmärchen ein Meisterwerk der Volkskunst, aber dennoch sind sie genau das Richtige für die russischsprachige Bevölkerung der Erde.

Meisterwerk - es ist das Produkt einer subtilen Kombination aus Logik und Emotion

Ein Werk, das den Anspruch erhebt, ein Meisterwerk zu sein, ist in der Regel eine harmonische Kombination aus mathematischer Logik, die es nicht zulässt, dass die „Symmetrie“ gebrochen wird, und den Emotionen, die der Autor darin einbringt.

Die Erfahrung und die persönlichen Leistungen des Schöpfers sind nicht weniger wichtig. Der berühmte Velazquez, der es geschaffen hat, sagte über seine Werke: „Ich habe das Bild zwei Stunden lang gemalt und ... mein ganzes bisheriges Leben lang.“ Und Leonardo da Vinci zum Beispiel war mit seiner einzigartigen „Mona Lisa“ sehr unzufrieden, da er sie für unvollendet hielt.

Bei der Wahrnehmung eines Werkes spielt in der Regel der emotionale Hintergrund eine große Rolle. „Ich habe vor diesen Werken geweint, nicht vor Traurigkeit, sondern vor überwältigender Freude“, sagte ein Kenner über die im Louvre ausgestellten Werke italienischer Meister der Malerei. Offensichtlich ist ein Meisterwerk das Werk eines Meisters, das solche Emotionen hervorrufen kann.

1993 ging der Psychologe James Cutting ins Musée d'Orsay (Paris), um sich Renoirs Gemälde „Der Ball in der Moulin de la Galette“ anzusehen, das fröhliche Pariser zeigt und als eines der größten Werke des Impressionismus gilt. Doch anstatt Renoir zu bewundern, wurde er plötzlich wie ein Magnet von der Leinwand im Nebenzimmer angezogen: dem bezaubernden, geheimnisvollen Blick auf die schneebedeckten Dächer von Paris.

Er hatte dieses Gemälde noch nie zuvor gesehen und noch nie von seinem Autor, Gustave Caillebotte, gehört. Das brachte ihn zum Nachdenken.
Haben Sie sich jemals in ein Buch verliebt und waren überrascht, es auf keiner Liste großartiger Werke zu finden? Oder im Kreis um eine „klassische“ Skulptur herumlaufen und vergeblich versuchen herauszufinden, worum es bei der ganzen Aufregung geht? Wenn ja, haben Sie wahrscheinlich über die Frage nachgedacht, die sich Cutting im Orsay Museum gestellt hat.


Die erste Antwort, die mir einfällt, ist, dass manche Werke einfach großartig sind: Sie sind von höchster Qualität. Die Gemälde, die an den besten Orten in Galerien hängen, in der Schule gelehrt und in Büchern abgedruckt werden, haben ihren künstlerischen Wert bewiesen und sind zeitlos. Wenn Sie nicht verstehen, warum sie gut sind, dann ist das Ihr Problem. Das ist eine erschreckend klare Erklärung. Einige Sozialwissenschaftler stellen jedoch weiterhin unbequeme Fragen und lassen vermuten, dass künstlerische Kanons mehr sind als eingefrorene historische Zufälle.
Cutting, Professor an der Cornell University, fragte sich: Könnte es sein, dass ein psychologischer Mechanismus, der als „Bindungseffekt“ bekannt ist, bei der Bestimmung des Platzes von Gemälden in der kulturellen Hitparade am Werk war? In einem bahnbrechenden Experiment aus dem Jahr 1968 wurden Menschen eine Reihe sich schnell verändernder abstrakter Formen gezeigt: Einige der Formen wiederholten sich, aber weil sie sich häufig änderten, bemerkten die Probanden es nicht.


In Cornell führte Cutting ein ähnliches Experiment durch, um seine Vermutung zu testen. Im Rahmen der Vorlesungen zeigte er den Studierenden regelmäßig die Werke der Impressionisten – jeweils für zwei Sekunden. Unter diesen Gemälden befanden sich sowohl klassische Gemälde, die in allen Lehrbüchern zur Kunstgeschichte enthalten sind, als auch andere von vergleichbarer Qualität, die jedoch weniger bekannt sind. Letztere wurden viermal häufiger nachgewiesen. Am Ende des Kurses begannen die Studierenden, sie den klassischen Werken vorzuziehen, während die Kontrollgruppe den Klassikern treu blieb. Den Schülern von Cutting gefielen die Gemälde einfach deshalb mehr, weil sie sie häufiger sahen.
Cutting glaubt, dass dieses Experiment die Frage beantwortet, wie Kanonen gebildet werden. Er betont, dass Ende des 19. Jahrhunderts nur fünf oder sechs wohlhabende Sammler die heute auflagenstärksten Werke der Impressionisten kauften. Die Vorlieben dieser Menschen sicherten das Prestige bestimmter Werke, weshalb sie häufiger in Galerien ausgestellt und in Anthologien veröffentlicht wurden. Im Laufe der Jahre ist die Zustimmung nur noch gewachsen und hat dank des „Klebrigkeitseffekts“ an Fahrt gewonnen. Je mehr Leute beispielsweise „Ball in der Moulin de la Galette“ sahen, desto mehr gefiel es ihnen, und je mehr es ihnen gefiel, desto häufiger erschien das Gemälde in Büchern, auf Plakaten und auf großen Ausstellungen. Und Wissenschaftler und Kritiker lieferten wissenschaftliche Erklärungen für ihre Überlegenheit. Denn letztlich ist es nicht nur die Masse, die tendenziell höher schätzt, was ihnen häufiger begegnet. Wie zeitgenössische Künstler wie Andy Warhol und Damien Hirst zu Recht bemerkten, ist Kritik eng mit Werbung verknüpft. „Was den Klebrigkeitseffekt angeht“, sagt Cutting, „unterscheiden sich Wissenschaftler nicht von der Öffentlichkeit.“


Vor einigen Jahren hatte Watts, ein Microsoft-Mitarbeiter und Experte für die Dynamik sozialer Netzwerke, eine ähnliche Erfahrung in einem anderen Pariser Museum. Nachdem er sich angestellt hatte, um die Mona Lisa in ihrer temperaturkontrollierten Panzerglasvitrine zu sehen, entfernte er sich von dem Gemälde und fragte sich, warum es als so viel besser angesehen wurde als die anderen drei Leonardo-Gemälde, die im vorherigen Raum ausgestellt waren und die niemand zu sehen schien die geringste Aufmerksamkeit schenken?
Als Watts in „The History of the Greatest Paintings in Human History“ blätterte, entdeckte er, dass die Mona Lisa den größten Teil ihrer Geschichte vergleichsweise im Dunkeln gestanden hatte. In den 1950er Jahren galt Leonardo da Vinci als nichts im Vergleich zu den Giganten der Renaissance – wie Tizian und Raffael, deren Werke fast zehnmal mehr kosteten als die Mona Lisa. Erst im 20. Jahrhundert schoss Leonardos Porträt der Frau seines Gönners auf Platz eins der Charts. Und es war nicht das neue Urteil der Akademiker, das ihn dorthin trieb, sondern ein banaler Raubüberfall.
Im Jahr 1911 verließ ein Wartungsarbeiter des Louvre das Museum, die Mona Lisa unter seinem Overall versteckt. Die Pariser waren erstaunt und empört über den Diebstahl des Gemäldes, dem sie bisher kaum Beachtung geschenkt hatten. Als das Museum wiedereröffnet wurde, standen die Menschen Schlange, um den leeren Raum zu betrachten, an dem einst die Mona Lisa gehangen hatte – mit einem Interesse, mit dem sie das Gemälde selbst noch nie betrachtet hatten. Die Polizei war ratlos. Irgendwann wurde sogar ein verängstigter Pablo Picasso zum Verhör hinzugezogen. Die Mona Lisa wurde jedoch erst zwei Jahre später entdeckt, als ein Räuber, ein italienischer Zimmermann namens Vincenzo Perugia, versuchte, das Gemälde an die Uffizien in Florenz zu verkaufen, und auf frischer Tat ertappt wurde.


Zeitungen auf der ganzen Welt druckten ihre Reproduktionen nach und machten die Mona Lisa zum ersten Gemälde, das internationale Anerkennung fand. Seitdem verkörpert sie die gesamte westliche Kultur als solche. Als Marcel Duchamp 1919 die hohe Kunst symbolisch zerstören wollte, malte er auf den Spitzbart von La Gioconda, was für das Massenpublikum ihren Status als „Verkörperung großer Kunst“ (oder „Beispiel absoluter Perfektion“) nur stärkte der Kritiker Kenneth Clark beschrieb sie später). Im Laufe des 20. Jahrhunderts nutzten Musiker, Werbetreibende und Regisseure den Ruhm des Films für ihre eigenen Zwecke, und dieser, so Watts, „nutzte ihn wiederum.“ Perugia konnte die Mona Lisa nicht in ihre Heimat zurückbringen, aber es gelang ihm, sie zu einer Ikone zu machen.
Es ist unwahrscheinlich, dass der einzigartige Status des Gemäldes ausschließlich auf die Qualität seiner Ausführung zurückzuführen ist (obwohl viele dies versucht haben). Sie sagen, dass die Augen der abgebildeten Person dem Betrachter „folgen“. Doch wie Donald Sassoon, der Biograf des Gemäldes, trocken anmerkt, „kann dieser Effekt tatsächlich durch die Betrachtung eines beliebigen Porträts erzielt werden.“ Duncan Watts meint, die Mona Lisa sei lediglich die ultimative Verkörperung einer allgemeinen Regel. Gemälde, Gedichte oder Volkslieder erobern die Spitze der Popularität und geraten durch zufällige Ereignisse oder Vorlieben in Vergessenheit, die sich in Einflusswellen verwandeln, die über die Jahrhunderte hinweg andauern.
„Zu sagen, dass kulturelle Objekte einen Wert haben“, schrieb Brian Eno einmal, „ist so, als würde man sagen, dass Telefone Gespräche führen.“ Fast alle Kulturgüter, die wir konsumieren, kommen bereits mit einer vorab festgelegten Bewertung zu uns; Unsere Vorlieben sind in gewisser Weise immer fremd. Betrachter der Mona Lisa wissen, dass sie hierher kommen, um das großartigste Gemälde der Welt zu betrachten, und verlassen es mit natürlicher Bewunderung – oder Enttäuschung.


Shamus Khan, ein Soziologe an der Columbia University, glaubt, dass unsere Definition von „großartig“ sowohl von Statusbedenken als auch vom künstlerischen Wert des Objekts abhängt. Er weist darauf hin, dass im Amerika des 19. Jahrhunderts die Grenze zwischen „hoher“ und „niedriger“ Kunst kaum sichtbar war. Die Vorstellung des Stahlmagnaten von einem unterhaltsamen Abend könnte sowohl Operngesang als auch eine Gauklervorstellung umfassen. Doch an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert gerieten die Reichen in einen Statuskampf und versuchten, ihre Überlegenheit gegenüber der aufstrebenden Mittelschicht zu behaupten. So begannen sie, sich über den enger gefassten Begriff der „hohen Kunst“ zu definieren. Eine Loge in der Oper zu kaufen oder mit dem Sammeln von Impressionisten zu beginnen – das waren Möglichkeiten, die eigene Position im Clan zu stärken.
Obwohl die starre Einteilung der Kunst in Hoch und Tief in den 60er Jahren verblasste, verwenden wir Kultur immer noch als Identitätsmarker, wenn auch weniger direkt. Die aktuelle Mode des Eklektizismus – „Ich höre Bach, ABBA und Jay Z“ – ist laut Khan eine neue Möglichkeit für die bürgerliche Boheme, sich von den ihrer Meinung nach „engen“ Vorlieben der unteren Gesellschaftsschichten zu distanzieren.
In solchen Situationen scheint die tatsächliche Qualität eines Kunstwerks das unwichtigste Merkmal zu sein. Aber vielleicht ist es immer noch bedeutsamer, als unsere Sozialforscher zugeben. Erstens muss die Arbeit eine bestimmte Qualität aufweisen, um sich für den Spitzenplatz in den Charts zu qualifizieren. Die Mona Lisa ist vielleicht nicht das beste Gemälde der Welt, aber sie wurde trotzdem im Louvre ausgestellt, und das aus gutem Grund.


Vergleichen Sie Sein oder Nichtsein, eine unerklärliche Verkörperung des denkenden Bewusstseins voller Zweifel, Zögern und Einsichten, mit jedem Monolog von Marlowe oder Webster – und Shakespeare findet sich sofort in einer eigenen Liga wieder. Watts könnte sagen, dass ich mir selbst etwas vortäusche, ebenso wie unzählige Leser und Forscher, die zu dem gleichen Schluss gekommen sind. Aber welche Erklärung für Shakespeares Größe wäre bescheidener?
Eine im British Journal of Aesthetics veröffentlichte Studie argumentiert, dass der „Bindungseffekt“ in verschiedenen Situationen unterschiedlich wirkt und bietet unterschiedliche Antworten auf die Frage nach den Prinzipien der Bildung ästhetischer Kanons. Aufbauend auf Cuttings Experiment zeigten die Wissenschaftler zwei Gruppen von Studierenden immer wieder die Werke zweier Künstler, des britischen Präraffaeliten John Everett Millais und des amerikanischen Populisten Thomas Kinkade. Kinkades farbenfrohe pastorale Szenen sind purer Kitsch, der „Goldstandard“ schlechter Kunst. Die Wissenschaftler kamen zu dem Schluss, dass die Teilnehmer des Experiments Millet mehr zu mögen begannen, wie man anhand des „Bindungseffekts“ vermuten kann. Doch nach und nach mochten sie Kinkade weniger. Das heißt, im Laufe der Zeit hilft der „Bindungseffekt“, einen talentierteren Autor zu identifizieren.
Sozialwissenschaftler haben Recht, dass wir eine gewisse Skepsis gegenüber den Großen bewahren müssen und dass wir nie vergessen sollten, nach nebenan zu schauen. Selbst Experten können große Kunst und Mittelmäßigkeit verwechseln. Aber deshalb sollten wir so viel wie möglich sehen – und lesen. Je mehr uns Gutes und Schlechtes gezeigt wird, desto besser erkennen wir den Unterschied. Und die Eklektiker haben das verstanden.

Meisterwerk

[shede], -y, M.

1) Im mittelalterlichen Westeuropa: ein vorbildliches Handwerksprodukt, das nach den Zunftbräuchen vieler Städte von einem Lehrling angefertigt werden musste, um seine beruflichen Fähigkeiten und die Fähigkeit zum selbständigen Meister unter Beweis zu stellen.

2) Ein Kunstwerk und Literatur, das in seinen Qualitäten außergewöhnlich ist; eine vorbildliche Schöpfung eines Meisters.

Meisterwerke von Künstlern der Renaissance.

Restaurierung eines Meisterwerks nach einem Vandalismusakt.

Ein Meisterwerk der Architektur.

Ein poetisches Meisterwerk.

Ein Meisterwerk der Kochkunst.

Dort [in Kirchen und Klöstern] gingen Meisterwerke verloren, einige wurden jedoch gerettet. Besonders stolz bin ich auf Unsere Liebe Frau von Susdal ( Proskurin) .

Synonyme:

Wunder

3) trans. Eine einzigartige Schöpfung der Natur.

Sind frostige Muster auf Glas nicht ein Meisterwerk?

4) Zersetzung , scherzen oder Eisen. Eine ausdruckslose, mittelmäßige Arbeit, Erscheinung, ein unansehnliches Phänomen des Lebens usw.

Schreiben Sie ein weiteres Meisterwerk? Ein Meisterwerk des Missmanagements.

Und je mehr ihm selbst das Standard-Meisterwerk [sein eigener Vers in der Gazeta] gefiel, desto vollständiger und liebevoller konnte er es für andere lesen ( Nabokow) .

Etymologie:

Vom französischen Chefkoch „ûuvre“., eines Meisters würdig‘, 'Meisterwerk' ( ← chef „Kopf“, „Chef“, „Meister“ und ûuvre „Arbeit“, „Arbeit“). Auf Russisch - aus der Mitte des 19. Jahrhunderts. Allerdings in der Form sie-d "evr- im Wörterbuch von 1806

Beliebtes Wörterbuch der russischen Sprache. Erklärend und enzyklopädisch. - M.: Russische Sprache-Medien. A.P. Guskova, B.V. Sotin. 2003 .

Synonyme:

Sehen Sie in anderen Wörterbüchern, was ein „Meisterwerk“ ist:

Meisterwerk- a, m. chef d oeuvre. 1. Sie hat evr. Dies bedeutet eine Probearbeit eines Handwerkers, ein handwerkliches und künstlerisches Erlebnis. Jan. 1806. 2. Ein vorbildliches Werk. BAS 1. Die beste und erfolgreichste Arbeit zur Perfektion. Es ist benutzt...... Historisches Wörterbuch der Gallizismen der russischen Sprache

Meisterwerk- Sehen Sie das Beste... Synonymwörterbuch

MEISTERWERK- das beste Kunstwerk seiner Art, im Allgemeinen ein vorbildliches Werk. Ein vollständiges Wörterbuch der Fremdwörter, die in der russischen Sprache verwendet wurden. Popov M., 1907. Meisterwerk (französisches Meisterwerk) 1) in mittelalterlichen Werkstätten ein vorbildliches Produkt, das ... ... Wörterbuch der Fremdwörter der russischen Sprache

MEISTERWERK- (französischer Chefkoch) ..1) ein vorbildliches Produkt, das in vielen mittelalterlichen Werkstätten von einem Handwerker, der Meister werden wollte, hergestellt werden musste, um sein berufliches Können unter Beweis zu stellen2)] Ein vorbildliches Werk ist das Höchste... . .. Großes enzyklopädisches Wörterbuch

MEISTERWERK- [de], ah, Ehemann. (Buch). Ein in seinen Qualitäten außergewöhnliches Kunstwerk, eine beispielhafte Schöpfung eines Meisters. Literarische Sh. Meisterwerke der Architektur. Ozhegovs erklärendes Wörterbuch. S.I. Ozhegov, N. Yu. Shvedova. 1949 1992 … Ozhegovs erklärendes Wörterbuch

Meisterwerk- (französischer Chefkoch) 1) ein vorbildliches Produkt, das in vielen mittelalterlichen Werkstätten von einem Handwerker verlangt wurde, der ein unabhängiger Meister werden wollte, um seine beruflichen Fähigkeiten unter Beweis zu stellen; 2) eine vorbildliche Arbeit – die höchste... ... Enzyklopädie der Kulturwissenschaften

Meisterwerk- und ein veraltetes Meisterwerk. Ausgesprochen [Meisterwerk]. Einige russische Gelehrte bevorzugten Mitte des 20. Jahrhunderts das Aussprachemeisterwerk, da es charakteristischer für die französische Sprache sei, aus der dieses Wort entlehnt wurde ... Wörterbuch der Aussprache- und Betonungsschwierigkeiten in der modernen russischen Sprache

Meisterwerk- Ein Meisterwerk oder Meisterwerk (französisch chef d œuvre, wörtlich „das höchste Werk“, „die Krone der Arbeit“) ist eine einzigartige, unübertroffene Schöpfung, die höchste Errungenschaft der Kunst, Handwerkskunst oder irgendetwas anderem. Meisterwerke werden am häufigsten als Werke bezeichnet... ... Wikipedia

Meisterwerk- ein echtes Meisterwerk... Wörterbuch der russischen Redewendungen

Meisterwerk- Im mittelalterlichen Frankreich war diese Lautkombination ab dem 13. Jahrhundert kein Wort, sondern ein ganzer Ausdruck, der „ein von einem Schüler hergestelltes Produkt, das ihm das Recht gab, Meister genannt zu werden“ bedeutete. Wahrscheinlich wurden solche Prüfungsarbeiten in der Sekundarstufe durchgeführt... ... Unterhaltsames etymologisches Wörterbuch

Bücher

• Chester's Masterpiece, Watt M., Chester's Masterpiece ISBN:978-5-905845-05-5… Kategorie: Für Kinder Herausgeber: Diamond Media, Hersteller: Diamond Media, Kaufen für 157 UAH (nur Ukraine)
• Meisterwerk, Miranda Glover, Das neue Projekt der beliebten Künstlerin Esther Glass wird zu einer Sensation in der Kunstwelt. Sie präsentiert ... sich bei Sotheby's als Meisterwerk: Innerhalb einer Woche nach dem Verkauf ... Kategorie:

- Ich weiß, oh. Alexy, dass du deine Poesie als eine Fortsetzung deiner pastoralen Tätigkeit betrachtest, also frage ich: Wie kannst du Kunst und Glauben problemlos verbinden? Tatsächlich standen Kreativität und Religiosität jahrhundertelang im Widerspruch zueinander; im 16. Jahrhundert wurde offenbar sogar die „Verteidigung der Poesie“ geschrieben – D. Boccaccio verteidigte Dante selbst vor Angriffen. Warum wird Kreativität von Sektenvertretern so oft „dämonisiert“?

„Heute können wir zu Recht behaupten, dass der Gegensatz von Kunst und Glauben größtenteils ein weit hergeholtes Problem ist. Ja, im katholischen Westen war das Verhältnis zwischen Kunst und Glauben, Wissenschaft und Glaube oft sehr angespannt. Gleichzeitig erreichte die Kirchenkultur des orthodoxen Ostens gerade dank der vollen Einbeziehung der weltlichen Kunst in ihren Dienst ihren Höhepunkt. Beispiele hierfür finden wir nicht nur in der Ikonographie, der Kirchenarchitektur, Meisterwerken liturgischer Geräte, sondern auch in der Literatur, insbesondere in der Poesie. Denken wir daran, dass viele Bücher der Heiligen Schrift, eine Reihe patristischer Werke, in der Sprache der Poesie und nicht der Prosa verfasst sind, ganz zu schweigen von der Liturgie, die in ihrer ursprünglichen griechischen Sprache ausschließlich zum Poetischen gehört bilden. Meisterwerke der Kirchenpoesie können auch als Meisterwerke der poetischen Kunst bezeichnet werden, wenn wir sie nach rein weltlichen Maßstäben bewerten (ebenso werden die Ikonen unserer großen Ikonenmaler selbst von Atheisten als Meisterwerke der Weltkunst und nicht nur der Kirchenkunst anerkannt ). So soll es sein. Es stellt sich heraus, dass Poesie sowohl im Vergleich zur weltlichen Kunst herausragend als auch zu 100 % orthodox sein kann. Das eine stört das andere überhaupt nicht.

Ich sehe zwei Hauptgründe dafür, dass Kreativität manchmal von Geistlichen „dämonisiert“ wird. Einerseits gab und gibt es viele talentierte Schriftsteller, die ihr Werk nicht nur klar mit der Kirche, der göttlichen Wahrheit, sondern auch mit universellen moralischen Werten kontrastieren. Dadurch diskreditieren sie die säkulare Literaturgemeinschaft insgesamt erheblich. Auf der anderen Seite gibt es häufig Vertreter des Klerus, die es vorziehen, weltliche Literatur zu kritisieren, ohne über ausreichend tiefe Fachkenntnisse zu verfügen. Die Früchte einer solchen Inkompetenz sind sehr traurig: In der Hitze der Kritik werden „schuldige“ Autoren mit „unschuldigen“ vermischt, Farben werden verdichtet, in Werken werden künstlich negative semantische Kontexte gesucht, die der Autor selbst möglicherweise nicht einmal vermutet hat .

Man muss immer bedenken: Wenn ein Priester es vornimmt, irgendwelche literarischen Werke oder wissenschaftlichen Theorien zu kritisieren, dann reicht es für eine umfassende Kritik nicht aus, dass man sich mit dem Priestertum und der Kenntnis der orthodoxen Theologie auskennt, auf dem sich seine Vorwürfe richten; Die Inkompetenz einzelner Geistlicher wirft in diesem Fall einen Schatten auf die gesamte Kirche und untergräbt das Vertrauen der Öffentlichkeit in sie.

- Oder geht es vielleicht um die tiefe Freiheit eines kreativen Menschen, weil er nur der Inspiration – also dem Himmel – untergeordnet ist? Vielleicht ist das Angst davor, dass der Schöpfungsprozess für den Menschen unkontrollierbar ist?

„Wir müssen verstehen, dass ein Schriftsteller, insbesondere ein Dichter, in seinen Werken über die intimsten Dinge spricht und dem Leser mitteilt, was in den Tiefen seiner Seele geschieht. Wenn Sie versuchen, das, was in der Seele passiert, geschickt zu verbergen, verlieren die Früchte der Kreativität ihre Vitalität (obwohl ein Schriftsteller einen gewissen spirituellen und moralischen Filter haben muss). Wir wissen, dass Schriftsteller keine heiligen Menschen und oft nicht einmal besonders spirituell sind. Es gibt also immer etwas zu bemängeln. Wenn Sie einen von uns Gläubigen nehmen und alles offenbaren, was in Ihrer Seele verborgen ist, werden sich die meisten schämen. Daher ist es meiner Meinung nach äußerst unklug, in literarischen Werken Kleinigkeiten zu bemängeln. Es ist nützlicher zu lernen, aus ihnen herauszuholen, was für uns nützlich sein könnte. Eine andere Sache ist es, wenn wir mit dem bewussten und offenen Kampf kreativer Menschen gegen Gott konfrontiert sind, mit der offenen Verkündigung des Lasters.

In der positiven Kritik der Kirche an der weltlichen Kunst darf die Angst vor der „Freiheit des schöpferischen Menschen“ keinen Platz haben.

— Was gibt Ihnen persönlich Kreativität?

— Kreativität lehrt mich, mein pastorales Wort ernster zu nehmen, und wenn ich poetische Werke schreibe, suche ich nach Antworten auf wichtige Fragen, die sich mir stellen, sowohl als Mensch als auch als Hirte. Darüber hinaus bereichert Kreativität mein Leben mit neuen Erfahrungen und Begegnungen mit interessanten Menschen.

— Was lernt ein Hirte von einem Dichter?

„Ich denke, dass die wichtigsten Eigenschaften eines echten Dichters – Offenheit gegenüber dem Zuhörer, selbstloser Dienst am Guten und der Wahrheit durch das Wort, kompromisslose Haltung gegenüber dem Bösen, den Mächtigen und sozialen Lastern – von Anfang an in jedem Pfarrer der Kirche vorhanden sein sollten. In meinem Leben stellt sich heraus, dass die orthodoxe Weltanschauung und die Hirtenarbeit dem Dichter helfen und nicht umgekehrt.

— Was verliert Ihrer Meinung nach ein Prediger, wenn er die Kunst völlig aufgibt?

„Wahre Kunst erhebt die menschliche Seele und entwickelt einen Sinn für Schönheit. Wenn ein Pfarrer weltliche Kunst völlig ignoriert, ist er in der Praxis nicht in der Lage, kirchliche Kunst angemessen zu bewerten. Darüber hinaus findet er möglicherweise keine gemeinsame Sprache mit einigen seiner Gemeindemitglieder, für die weltliche Kunst und ihre Errungenschaften etwas im Leben bedeuten. Leider passiert das manchmal: Wir betreten eine Kirche und sehen völlig schlechten Geschmack in ihrer Dekoration, Dekoration und Bemalung – dies ist eine direkte Folge des Mangels an ästhetischem Geschmack und der Missachtung der Gesetze der weltlichen Kunst bei denen, die dafür verantwortlich sind Pracht des Hauses Gottes.

„Mir scheint, dass da noch eine weitere Gefahr besteht.“ Es gibt zum Beispiel Liebhaber der Kreativität, die sie so unklug in sich kultivieren, dass sie den Verstand verlieren. Es ist, als würden sie das Idol der Kreativität in sich selbst verehren. Wie können Sie sich gegen diese Krankheit versichern?

„Nur das richtige spirituelle Leben eines Menschen kann ihn vor dieser Gefahr schützen.“ Wir Orthodoxen wissen, dass die schöpferische Gabe von Gott gegeben wird. In der Gemeinschaft mit dem Herrn ist es notwendig, diese Gabe sowohl zu verwalten als auch zu vermehren. Der Herr wird sicherlich denen helfen, die verstehen wollen, wie sie seine Gaben zum Wohle ihrer selbst und ihrer Nächsten einsetzen können. Und diejenigen, die danach streben, die Gabe Gottes ohne Gott, nur nach eigenem Ermessen, zu nutzen, stehen sehr oft vor einer kreativen oder Lebenskatastrophe.

— Es stellt sich heraus, dass Kreativität eine Versuchung sein kann, wie Reichtum, Macht, Stärke, Schönheit? Wie können Sie selbst überprüfen, ob Ihnen bei einem Kreativflug „nicht der Kopf von den Schultern geflogen“ ist, ob dieser Flug „auf einem Besen“ durchgeführt wurde?

— Kreativität umfasst vollständig sowohl den äußeren als auch den inneren Bereich menschlichen Handelns, und daher gibt es auf diesem Weg noch mehr Versuchungen als beispielsweise beim Erwerb von Reichtum, beim Besitz irdischer Macht und Autorität. Wenn die Messlatte für die Spiritualität einer Person niedrig ist, ist es sehr einfach, unangemessene Handlungen zu rechtfertigen, die mit den Früchten der eigenen Kreativität begangen werden. Die destruktivsten Leidenschaften für einen kreativen Menschen sind Stolz und Eitelkeit, deren Entwicklung zu einer Überschätzung der eigenen Persönlichkeit und ihrer Bedeutung für das Schicksal der Menschheit sowie zu einer unzureichenden Wahrnehmung von Kritik und Autoritäten führt. Christliche Demut, der Wunsch, den Willen Gottes zu erfüllen – das ist der Garant dafür, dass im kreativen Flug Kopf und Herz an Ort und Stelle bleiben.

—Was sind die Zeichen dämonischen Ursprungs in der Poesie und in der Kunst im Allgemeinen? Was ist der Unterschied zwischen ihrer Wirkung auf die menschliche Seele?

— Kunst von Gott erhebt die Seele eines Menschen, hilft, sich im Guten zu etablieren und Antworten auf wichtige Lebensfragen zu finden. Kunst dämonischen Ursprungs hingegen entfacht Leidenschaften in einem Menschen, sät Zweifel in seiner Seele an Gott und den höchsten moralischen Werten und führt in eine Sackgasse der Traurigkeit und Verzweiflung. Das Heilige Evangelium lehrt uns, einen Baum nach seinen Früchten zu beurteilen.

— Was würden Sie Gläubigen sagen, die jede Fiktion für schädlich für die Seele halten und bereit sind, sogar die Klassiker auf dem Scheiterhaufen zu verbrennen?

— Im 4. und 5. Jahrhundert seit der Geburt Christi studierten die heiligen Kirchenväter die heidnische Literatur und fanden dieses Erbe sehr nützlich, indem sie lernten, das Beste daraus herauszuholen und Fehler abzulehnen. Daher findet jemand, der selbst die russischen Klassiker als schädlich für die Seele ansieht, die eine ihrer Grundlagen in der orthodoxen Weltanschauung und den allgemeinen christlichen Werten hat, die heiligen Väter und die jahrhundertealte Geschichte der Kirche als Aufdecker seines Irrtums.

— Pater Alexy, jetzt die schwierigste Frage: Was ist Ihr Lieblingsgedicht?

— Ich glaube, das ist ein Gedicht aus „Mutter“:

Ich - aus fürsorglichen und reinen Händen,
Den Schlaf vergessen, den gewohnten Tagesablauf,
Du hast mich mit selbstloser Liebe genährt
Von meiner kleinen Wiege.

Ich bin schnell erwachsen geworden. Ist alles wie es sein soll?
Du hast festgehalten und das Licht der Hoffnung bewahrt ...
Ich kannte keinen anderen Blick auf der Welt,
Der mich so bereitwillig aufgenommen hat.

Aber als Erwachsener ist er mit sich selbst beschäftigt,
Für dich, mein Engel, ist mein Geist kalt geworden.
Über den Nächsten, vom Schicksal gesandt,
Im Kreis der Sorgen erinnerte ich mich nur kurz.

Verzeihen Sie mir das an einem schwierigen, stürmischen Tag
Ich war weit weg und deine Angst wusste es nicht;
Warum hast du so lange und so vergeblich gewartet?
Worte kindlicher Zuneigung auf den Lippen.

Es tut mir leid, dass ich mit so wenig Trost gelebt habe,
Behalte meine Fehler nicht in deinem Herzen.
Verzeih mir...
Vergib mir alles, Liebes,
Und denken Sie in Ihren Gebeten daran vor dem Schöpfer.

Wie glücklich bin ich, dass in dieser rebellischen Welt
Ich kannte dich von Anfang an
Der Eine – der Freundlichste, Aufrichtigste und Sanftmütigste –
Meine geliebte Mutter selbst.

– Und von denen, die andere geschrieben haben? Gibt es ein „fremdes“ Gedicht, das Ihnen so nahe steht wie Ihr eigenes, oder vielleicht sogar noch näher? Warum genau das?

— Ich habe schon in früher Kindheit angefangen, Gedichte zu schreiben. Mein Weltbild und meine Einstellung zur Poesie haben sich in dieser Zeit mehrmals dramatisch verändert, so dass sich auch „mein Lieblingsgedicht“ verändert hat. Heute kann ich Puschkins Gedicht als solches „Denkmal“ bezeichnen, das folgende Zeilen enthält:

Auf den Befehl Gottes, oh Muse, sei gehorsam,
Ohne Angst vor Beleidigungen, ohne eine Krone zu fordern;
Lob und Verleumdung wurden gleichgültig hingenommen,
Und streite nicht mit einem Narren.

Diese wenigen Worte enthalten das Grundprinzip der Kreativität aus der Perspektive der orthodoxen Weltanschauung.

— Was macht ein Werk zu einem Meisterwerk?

— Dieses Konzept kann aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden. Meiner Meinung nach kann ein Werk als Meisterwerk betrachtet werden, wenn es einem breiten Leserkreis nahe und teuer geworden ist und sich als fähig erwiesen hat, die Seelen der Menschen zum Besseren zu verändern und sie mit hohen Gefühlen und Erfahrungen zu erfüllen. Wenn das oben Genannte zutrifft, können kleinere Fehler und Mängel einem literarischen Werk nicht den Sockel nehmen, den es verdient. Obwohl zweifellos die Erhebung in den Rang eines Meisterwerks ein ziemlich hohes Maß an literarischen Fähigkeiten seines Autors voraussetzt.

Interview mit Svetlana Koppel-Kovtun

Was macht ein Kunstwerk zu einem Meisterwerk?

es geht nur um die öffentliche Zustimmung

Eine kreative Idee, die verwirklicht wurde...

Die Seele des Talents ist seine Liebe und Freude,
was er an die Menschen weitergab.

Gedanke, Idee und besondere Vision des Künstlers.

Die Tiefe und Einzigartigkeit des Dargestellten...

Quelle: Irgendwie so

• Das unübertroffene Talent des Meisters und vor allem meine persönliche Wahrnehmung.)

  Ich würde sagen: Wer? – Leute. Einer schreit: „Ooooooh... das ist wunderbar, Ooooh.“ - es ist ein Meisterwerk! Schwarzes Quadrat, -OOoooo... das ist brillant! usw. Der Rest nimmt es auf, ooh und ah. Und derjenige, der über das Meisterwerk geschrien hat, denkt bereits darüber nach, wie viel er es an Narren verkaufen soll? ! Und dann wird dieses Meisterwerk zur WÄHRUNG!

  Der Begriff der Komposition umfasst ein recht breites semantisches und künstlerisch-philosophisches Spektrum.

  Ich habe oft darüber nachgedacht, zum Beispiel beim Betrachten von Mlevichs Gemälden. Nun, bei Shishkin, Aivazovsky, Repin ist alles klar.

  Ein Bild davon, was Gott heute von den Menschen will.
  Ein Meisterwerk, nicht preislich.;)

  Nachfrage.

  Die Fähigkeit, die Gefühle einer Person zu beeinflussen...

  menschliche Meinung und eine gute PR-Firma

  Das bestimmen in der Regel vor allem Kenner, Künstler, die das verstehen....

  Die Zeit tut es. So wurde beispielsweise das weltberühmte Gemälde von Leonardo da Vinci „La Gioconda“ nicht nur dank meisterhafter Malerei, sondern auch dank der Zeit von fünfhundert Jahren zu einem Meisterwerk.

  Quelle: Lebenserfahrung und Wissensumfang